Billie Eilish Pirate Baird O'Connell, connue plus simplement sous le nom de Billie Eilish, née le 18 décembre 2001 à Los Angeles, est une auteure-compositrice-interprète américaine.

À l’âge de 8 ans, elle intègre le Los Angeles Children’s Chorus, une chorale d'enfants.

Son premier single, Ocean Eyes,(sorti en mars 2016) est devenu viral, enregistrant près de 87 millions d'écoutes durant le seul mois de juillet 2018. Son premier EP (ou mini-album), Don't Smile at Me, est sorti en août 2017. Deux mois plus tard, suite au succès de l'EP, Apple fait de Billie Eilish son nouvel artiste Apple Music Up next. Le 29 mars 2019 sort son premier album. When We All Fall Asleep, Where Do We Go? (traduisible par « Quand nous nous endormons tous, où allons-nous ? ») dont Finneas O'Connell, son frère, a produit les quatorze titres avec son aide. Celui-ci a été classé n^o 1 du Billboard 200 américain avec le troisième plus grand nombre de diffusions en continu pour l'album d'une artiste féminine, avec 313 000 unités équivalentes à un album (y compris 170 000 ventes d'albums « physiques », la deuxième plus grande semaine de vente pour un album en 2019). Il a atteint la première place au Royaume-Uni, au Canada et en Australie. L'album comportait quatre des quarante meilleurs singles américains : When the Party's Over, Bury a Friend, Wish You Were Gay et Bad Guy.

Grâce à la RIAA, Eilish a remporté sept singles d'or et deux de platine. Cela a également fait d'elle la première musicienne née au 21^e siècle à être en tête du classement, ainsi que la plus jeune chanteuse figurant en tête du classement en dix ans depuis Demi Lovato. L'album s’est également classé au premier rang du classement britannique des albums, avec 48 000 exemplaires vendus, faisant d'Eilish la plus jeune auteure solo ayant jamais figurée en tête du classement.

Biographie

Débuts - Ocean Eyes

Billie O'Connell grandit à Los Angeles dans le quartier de Highland Park, dans une famille d'acteurs et de musiciens irlandais^,,,. Ses parents, Maggie Baird et Patrick O'Connell, sont comédiens, musiciens et scénaristes^,,. Elle effectue sa scolarité à la maison et rejoint le Los Angeles children's Chorus (en français la « chorale des enfants de Los Angeles ») à l'âge de huit ans. À onze ans, elle commence à écrire et chanter ses propres chansons, comme le faisait déjà son frère aîné Finneas O'Connell avec son groupe. En octobre 2015, elle enregistre la chanson Ocean Eyes (initialement écrite par Finneas pour son groupe) et envoie l'enregistrement à son professeur de danse qui confectionne une chorégraphie pour le titre^,.

Elle révèle sur le plateau du Ellen DeGeneres Show souffrir du syndrome de Gilles de la Tourette pour lequel elle a été diagnostiquée à l'âge de onze ans et qu'elle souffrait de dépression.

Le titre Ocean Eyes est le premier single de Billie Eilish, qu'elle publie sur SoundCloud début 2016. Un clip vidéo sort le 24 mars 2016. Cette même année, elle sort le single Six Feet Under. Ocean Eyes qui fut édité dans le monde entier par les labels Darkroom et Interscope Records le 18 novembre 2016 bénéficie d'un accueil globalement favorable de la part des critiques. « La chanson est de la pure pop ; une ballade sur le désir de réconciliation avec un ex. On peut raisonnablement penser que ce titre va devenir un tube » déclare Chris DeVille du blog Stereogum. Depuis le 22 novembre 2016, une vidéo de Billie Eilish dansant sur ce titre est également disponible. Le 14 janvier 2017, Billie Eilish sort un EP avec quatre remixes de Ocean Eyes.

2016-2017 : percée - Don't Smile at Me

Après le succès des remixes d'Ocean Eyes, Billie Eilish sort le single Bellyache (qui deviendra également le nom d'un donut chez Donut Friend, magasin qu'elle fréquente à Los Angeles) le 24 février 2017, produit et co-écrit par Finneas O'Connell, avec un clip vidéo réalisé par Miles et AJ et publié le 22 mars 2017. Le 30 mars, elle sort Bored qui apparaît dans la bande originale de la série télévisée de 13 Reasons Why. Le 30 juin 2017, elle sort le single Watch et dans la foulée Copycat le 11 juillet 2017 avec l'annonce d'un EP Don't Smile at Me. Durant ce mois de juillet, tous les vendredis, Billie Eilish ajoute un autre single dans le nouvel EP et c'est ainsi que les singles Idontwannabeyouanymore et My Boy sont publiés. Don't Smile at Me sort le 12 août 2017. Ensuite, elle collabore avec le rappeur Américain Vince Staples pour un remix de Watch intitulé &Burn, qui sera inclus par la suite dans une réédition de l'EP. En janvier 2018, elle annonce la préparation de sa tournée Where's My Mind qui commence en août 2018.

Pour le Record Store Day 2018, Billie Eilish annonce un vinyle avec une version acoustique de sa chanson Party Favor et une reprise acoustique Hotline Bling de Drake.

Depuis 2019 : premier album When We All Fall Asleep, Where Do We Go?

Billie Eilish collabore avec le chanteur américain Khalid pour le single lovely publié en avril 2018 et ajouté à la bande-son de la deuxième saison de 13 Reasons Why. 2018 est également l'année de sortie des singles bitches broken hearts, you should see me in a crown et when the party's over. Le 30 janvier 2019 sort le single Bury a Friend. Dans la foulée, Billie Eilish annonce son premier album intitulé When We All Fall Asleep, Where Do We Go?, qui sort le 29 mars 2019. Quelques semaines avant l'album, elle sort le single Wish You Were Gay. L'album se place n^o 1 du Billboard 200 dès la première semaine, durant laquelle il se vend à 313 000 exemplaires dont 170 000 « physiques ». Son single Bad Guy se place au top des ventes sur iTunes et des streams sur Spotify dès sa sortie.

Discographie

Album

• When We All Fall Asleep, Where Do We Go? (2019)

EPs

• Don't Smile at Me (2017)

Singles

Autres textes

Clips

Filmographie

Podcasts

Tournées

En tête d'affiche

• Where's My Mind (titre des Pixies) Tour (2018)
• 1 By 1 Tour (2018)
• When We All Fall Asleep, World Tour (2019)
• Coachella Festival

Ouverture

• Florence and the Machine : High as Hope Tour (2018-2019)

Notes et références

• (en) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en anglais intitulé « Billie Eilish » (voir la liste des auteurs).

Liens externes

• Ressource relative à l'audiovisuel :
  • (en) Internet Movie Database
• Ressources relatives à la musique :
  • AllMusic
  • BBC Music
  • Genius
  • MusicBrainz
  • Shazam
  • Songkick
  • (en) Billboard
  • (en) Discogs
• (en) Site officiel

Bob Marley, né Robert Nesta Marley le 6 février 1945 à Nine Miles (Jamaïque), et mort le 11 mai 1981 à Miami (États-Unis), est un auteur-compositeur-interprète, chanteur et musicien jamaïcain.

Bob Marley rencontre de son vivant un succès mondial, et reste à ce jour le musicien le plus connu et le plus vénéré du reggae, tout en étant considéré comme celui qui a permis à la musique jamaïcaine et au mouvement rastafari de connaître une audience planétaire. Il a vendu plus de 200 millions de disques à travers le monde.

Biographie

Robert Nesta Marley est né le 6 février 1945 à Rhoden Hall, près de Nine Miles dans la paroisse de Saint Ann.

Bob Marley est né d'une mère noire jamaïcaine (afro-caribéenne) âgée de 18 ans, Cedella Booker, épouse Marley Booker (1926-2008), et d'un père blanc d'origine anglaise né en Jamaïque, Norval Sinclair Marley (1885-1955) qui prétendait être capitaine de la Royal Navy, mais qui était en réalité contre-maître dans les plantations. Robert a très peu connu son père souvent en voyage mais qui apporte son soutien financier à Cedella et son fils. Ses grands-parents paternels sont Albert Thomas Marley, un anglais du Sussex et Ellen Broomfield une bourgeoise jamaïcaine colorée. D'après Michael George Marley (fils de Noel Marley, frère de Norval Marley), qui l'aurait appris de sa famille puis vérifié, les Marley seraient des Juifs syriens passés par l'Angleterre avant de s'installer en Jamaïque.

Période ska

À l'adolescence, Bob Marley quitte la misère de la campagne pour celle du ghetto de Trenchtown à Kingston. Ayant arrêté l'école à 14 ans, il y rencontre Neville Livingston, dit Bunny Wailer, et Winston Hubert McIntosh, dit Peter Tosh, avec qui il chante des cantiques et des succès de soul américaine qu'ils entendent sur les radios de Miami. Le chanteur Joe Higgs leur donne des cours de chant. Bob Marley enregistre sa première chanson Judge Not pour le producteur Leslie Kong, du label Beverley's, en 1962, à l'âge de 17 ans, ainsi qu'une reprise d'un succès de country de Claude Gray : One Cup of Coffee en 1962. Ces titres n'ont aucun succès, mais Bob continue à s'investir dans la musique.

En 1963, il forme avec Junior Braithwaite, Peter Tosh et Bunny Wailer, le groupe vocal The Wailers (les gémisseurs). Ils obtiennent un contrat avec Studio One en 1964 et leurs premiers morceaux de ska, gospel, rhythm and blues et soul sont produits par le grand producteur local Clement « Sir Coxsone » Dodd, qui a pour assistant en studio Lee « Scratch » Perry (Scratch assure aussi la promotion). Coxsone Dodd et les Wailers signent un contrat pour cinq ans. En février 1964, le titre Simmer Down cartonne et devient n^o 1 en Jamaïque : 80 000 copies du titre sont vendues. Les Wailers enregistrent Rude Boy, I'm Still Waiting, Put It On et une première version de One Love. Bob quitte son métier de soudeur. Après l'album intitulé The Wailin' Wailers, le trio se sépare de Coxsonne, qui ne leur a pas versé grand-chose en contrepartie des dizaines de titres qu'ils ont enregistrés pour lui.

Période rocksteady

Vers le milieu des années 1960, le rocksteady succède au ska. Plus lent et chaloupé que ce dernier, le rocksteady marque une étape dans l'évolution de la musique jamaïcaine, qui s'affranchit de plus en plus des rythmiques rapides du ska. Reprenant la soul nord-américaine et le rhythm and blues, le style est marqué par plus de chants et de claviers, et moins de cuivre. Les chansons reprennent des thèmes d'amour et de religion et les paroles s'imprègnent peu à peu de croyances rastafari. Les chanteurs s'adressent à la jeunesse et aux rudes boys des ghettos, et tentent de leur redonner espoir.

Le lendemain de son mariage avec Rita Anderson le 11 février 1966, Bob Marley, à la demande de sa mère, remariée avec un Jamaïcain nommé Booker installé à Wilmington dans le Delaware, part la rejoindre aux États-Unis. Bob y travaille à l'hôtel Dupont, mais continue à écrire des chansons. Il est provisoirement remplacé par Constantine « Dream » Walker. Souhaitant retrouver sa liberté, il retourne dans son île après l'été 1966. Il s'intéresse de plus en plus au mouvement rastafari, qui a émergé dans les années 1930 en Jamaïque, et fonde avec Peter Tosh et Bunny Livingston le label indépendant Wail'n Soul'm. Leur premier titre, autoproduit, dans le nouveau style rocksteady, s'intitule Bend Down Low. À Kingston, Mortimer Planno, un rasta jamaïcain d'origine cubaine qui a voyagé en Éthiopie et rencontré Haïlé Sélassié Ier au début des années 1960, lui transmet une partie de sa culture rasta. Métis clair rejeté par les noirs jamaïcains, Bob Marley se sent accepté par ce mouvement. Sans le soutien d'un distributeur professionnel, ses disques se vendent très mal, et Bob Marley est trop pauvre pour vivre en ville avec sa femme Rita et ses deux enfants Cedella (en) et Ziggy. Il retourne dans son village natal en 1967 pour un ressourcement spirituel, mais continue à enregistrer et à publier nombre de 45 tours obscurs pour sa petite marque Wail'n Soul'm, comme les futurs classiques Hypocrites et Nice Time, qui sortent sous le nom de Bob Marley and the Wailers.

Rita, Bob Marley et Peter Tosh rencontrent, en janvier 1968, le chanteur américain Johnny Nash, qui est décidé à lancer le style rocksteady aux États-Unis, et son manager Danny Sims, avec qui ils signent un contrat international exclusif pour les disques et éditions JAD. Bob Marley leur fournit quantité de compositions inédites, dont Stir It Up, qui deviendra bientôt un succès pour Nash. Johnny Nash a beaucoup de succès avec le rocksteady (tube américain Hold Me Tight en 1968), mais l'album de Bob Marley and the Wailers qu'il a financé ne sort pas (il ne sera finalement publié qu'en 1997 chez JAD). Seule une nouvelle version de Bend Down Low avec des cuivres américains ajoutés à New York sort en France et au Canada (JAD-CBS) en 1968, mais sans aucun succès. Bob Marley écrit parallèlement son premier morceau rasta, Selassie Is the Chapel, en 1968. Cet enregistrement important, dans le style nyabinghi (tambours rastas), est financé par Mortimer Planno, qui en interprète la face B, A Little Prayer. Quelques producteurs locaux se succèdent, mais le trio vocal n'a plus aucun succès depuis son départ du giron de Coxsone Dodd.

Période reggae

Sans ressources, Bob Marley repart aux États-Unis rejoindre sa mère en 1969. Il travaille plusieurs mois comme ouvrier, de nuit, dans une usine automobile Chrysler, ce qui lui inspire les paroles de la chanson It's Alright (1970). Sa femme et ses jeunes enfants le rejoignent. À son retour, il fonde les disques Tuff Gong, du nom du ghetto (dérivé du surnom de Leonard Howell, le « Gong » fondateur du mouvement rastafari), et enregistre une reprise de James Brown (Say It Loud) I'm Black and I'm Proud rebaptisée Black Progress, dans le nouveau style reggae, avec de jeunes musiciens, les frères Carlton (à la batterie) et Aston « Family Man » Barrett (à la basse), qui ne le quitteront plus. Mais les disques indépendants Tuff Gong n'ont toujours aucun succès. Marley va voir son vieil ami Lee « Scratch » Perry, qui est allé, fin 1969, en Angleterre accompagné par les frères Barrett sous le nom des Upsetters. Perry obtient un succès anglais avec l'instrumental The Return of Django et accepte de produire le trio vocal Bob Marley and the Wailers. Ils collaboreront jusqu'en 1978. Perry donne une nouvelle couleur au groupe, qui enregistre plusieurs chefs-d'œuvre avec lui, dont Duppy Conqueror, Sun Is Shining, Soul Rebel, Kaya et le (I've Gotta) Keep on Moving de Curtis Mayfield. Il réunira certains de ces 45 tours sur l'album Soul Rebels sorti en Angleterre en 1973 chez Trojan.

Toujours sans succès, Bob Marley and the Wailers gravent une dizaine de chansons avec l'équipe de musiciens de Leslie Kong « Beverley’s All-Stars » (Lloyd Parkes, Jackie Jackson, Paul Douglas, Gladstone ?Gladdie? Anderson, Winston Wright, Rad Bryan, Lynn Taitt, et Hux Brown), un producteur jamaïcain (Kong avait déjà produit les deux premiers 45 tours solo de Bob Marley en 1962), qui a du succès en Angleterre grâce à un son professionnel capable de percer sur le marché britannique (disques Trojan à Londres). Il publiera ces titres en 1971 sous le nom de The Best of the Wailers. Bunny Wailer, superstitieux, pense que leur « meilleur » est encore à venir et lui lance une malédiction^{[réf. nécessaire]}. Leslie Kong meurt peu après d'une crise cardiaque^{[réf. nécessaire]}, et le trio ne touche aucun argent. Bob Marley se rapproche de l'organisation rasta des Douze Tribus d'Israël fondée par Prophet Gad, alias Vernon Carrington. Ils continuent à alterner les auto-productions pour Tuff Gong et les séances financées par Lee « Scratch » Perry pour sa marque Upsetter. Malgré la qualité de leur travail prolifique, ils n'ont aucun succès local jusqu'à leur autoproduction Trench Town Rock (Tuff Gong 1971).

À la demande de Johnny Nash - qui cherche des compositions pour la musique du film suédois Vil Sa Garna Tro (L'amour n'est pas un jeu) dans lequel il joue le rôle principal - Bob Marley part pour Stockholm en 1971. Il y écrit plusieurs morceaux, et collabore à la musique du film. Nash signe alors avec les disques CBS à Londres où il enregistre le plus gros succès de sa carrière, I Can See Clearly Now. Marley l'a rejoint, et signe lui aussi avec CBS grâce à Nash et son manager, avec qui il est toujours sous contrat. Comme l'album de Nash, le 45 tours Reggae on Broadway sort en 1972, mais Bob Marley n'a aucun succès. Le son et les musiciens anglais apportés par Nash ne lui conviennent pas. Quelques concerts à Londres, avec les frères Barrett, sont organisés en première partie de Nash, mais sans succès. Nash part vers la gloire et abandonne son poulain. Marley contacte alors Chris Blackwell, le fondateur des labels Trojan et Island Records. Blackwell est Jamaïcain, il a déjà distribué en Angleterre les disques Beverley's de Leslie Kong, et connaît le nom de Marley. Il rachète le contrat de production à Danny Sims et confie de l'argent à Bob Marley qui part enregistrer à Kingston. À ce point charnière de sa carrière, Bob Marley a déjà contribué à au moins 350 morceaux enregistrés en studio (dont une trentaine environ en tant que choriste), dont une grande partie ne seront révélés au public international que beaucoup plus tard, bien après sa mort, notamment dans la série de dix CD The Complete Bob Marley and the Wailers 1967 to 1972 (JAD) réalisée entre 1998 et 2003 par le français Bruno Blum et l'américain Roger Steffens. Marley réenregistrera par la suite une partie de ces compositions, comme Satisfy My Soul, Sun Is Shining ou Lively Up Yourself.

Succès

À la suggestion de Blackwell, les deux premiers albums pour Island sont remixés à Londres, où des solos de guitare sont ajoutés, ainsi que des parties de claviers qui apportent un son plus accessible au grand public. Catch a Fire puis Burnin' sortent chez Island sous le nom des Wailers en avril et octobre 1973. Mais, après une tournée anglaise non payée car les Wailers doivent gagner leur public britannique, Bunny Wailer quitte le groupe, remplacé par Joe Higgs pour la tournée suivante (album Talking Blues), puis c'est Peter Tosh qui s'en va, laissant Bob à sa carrière solo. Le trio vocal féminin « I Threes » avec Rita Marley, Marcia Griffiths et Judy Mowatt prend en charge les chœurs. Le nom des Wailers sera désormais celui de ses accompagnateurs, parmi lesquels les frères Barrett (basse et batterie), les pianistes Earl « Wire » Lindo et Tyrone Downie, le guitariste Earl « Chinna » Smith, l'harmoniciste Lee Jaffee et le percussionniste Alvin « Seeco » Patterson. Son troisième album est le chef-d'œuvre Natty Dread, dans lequel il incorpore une influence blues avec le guitariste américain Al Anderson. Un autre guitariste soliste américain, Junior Marvin, est ensuite engagé. Suivra Live! enregistré le 18 juillet 1975 à Londres, qui contient son premier succès international No Woman No Cry, où il console une femme affectée par la violence des ghettos, puis l'essentiel Rastaman Vibration (1976) qui sera le disque de Bob Marley le plus vendu de son vivant, et son premier succès américain.

En 1973, Bob Marley rencontre Eric Clapton en Jamaïque et celui-ci reprend, l'année suivante, I Shot the Sheriff, qui sera gage de succès et contribuera à la vague du reggae en Occident.

Le 3 décembre 1976 à Kingston, peu avant le grand concert gratuit en plein air Smile Jamaica qui a lieu à la demande du premier ministre jamaïcain Michael Manley, Bob Marley échappe à une fusillade déclenchée à son domicile par six hommes armés, alors qu'il répétait avec son groupe dans l’Island House au 56 Hope Road. Une balle érafle sa poitrine et vient se loger dans son bras gauche, tandis qu'une autre touche Rita à la tête, mais sans la tuer. Don Taylor, leur manager américain, en sort très gravement blessé de cinq balles. Des membres des Wailers reconnaissent parmi les agresseurs Jim Brown, un tueur proche du parti travailliste de Jamaïque (JLP), parti d'opposition de droite pro-américain. Bob Marley évoquera cet épisode dans sa chanson Ambush in the Night sur l'album Survival publié en 1979.

Deux jours après l'attentat, Bob Marley participe comme prévu au concert Smile Jamaica à Kingston. Aux journalistes qui lui demandaient pourquoi il tenait tant à jouer lors de ce concert, il répondit : « Les gens qui tentent de rendre ce monde mauvais ne prennent jamais de jours de congés. Comment le pourrais-je ? ». Family Man Barrett, caché dans les collines, est remplacé ce jour-là par Cat Coore de Third World. Bob montre ses bandages à la foule. Il ne se sent plus en sécurité en Jamaïque et part en exil en janvier 1977. Il fait escale à Nassau, puis se réfugie à Londres. Il y enregistre les albums à succès Exodus et Kaya, ainsi que le single Punky Reggae Party avec Lee Scratch Perry, qui scelle un pacte rebelle avec le mouvement punk anglais en plein essor. Les titres Jamming et Waiting in Vain notamment, sont des tubes mondiaux. Sa relation avec la Jamaïcaine Cindy Breakspeare, Miss Monde 1976, contribue à le projeter à la une des médias. En mai 1977, une blessure au gros orteil, faite en jouant au football, se rouvre lors d'un match amical à l'hôtel Hilton de Paris, ce qui l'oblige à annuler sa tournée américaine. Un médecin lui suggère des analyses. Le diagnostic est réalisé à Londres : Bob Marley souffre d'un mélanome malin (maladie de la peau qui ne représente que 4 % des cancers, mais qui, de tous, est la plus dangereuse), sans doute dû à une trop longue exposition au soleil. Un médecin américain lui prescrit une amputation urgente de l'orteil, mais un mélange de superstition de son entourage (selon ses proches, cette amputation l'empêcherait de danser sur scène ou de rejouer au football et surtout la religion rastafari interdit toute amputation) et de pression en pleine tournée européenne où il rencontre enfin son public, contribuent à retarder l'opération. Finalement, un médecin de Miami lui retire uniquement le lit unguéal, croyant à tort arrêter la progression du cancer.

En avril 1978, Bob Marley and the Wailers font un retour triomphal en Jamaïque. Lors du One Love Peace Concert, Bob parvient à réunir sur scène les deux ennemis politiques qui se disputent le pouvoir, Edward Seaga (JLP) et le Premier Ministre Michael Manley (PNP). C'est le sommet de sa carrière. Sans arrêt en tournée, Bob Marley and The Wailers enregistrent l'album en public Babylon by Bus au Pavillon de Paris de la porte de Pantin en 1978. Bob fait alors construire son studio, Tuff Gong, où il enregistre l'album Survival. Les succès se multiplient. Ils vont jouer jusqu'en Nouvelle-Zélande, où ils sont accueillis chaleureusement par les M?ori. En 1979, en pleine gloire, il est la grande attraction du festival Reggae Sunsplash, près de Kingston, où participent également Burning Spear et Peter Tosh.

En 1980, après une perte de connaissance lors d'un jogging à Central Park à New York, Bob Marley passe un examen aux rayons X où l'on découvre cinq tumeurs, trois au cerveau, une aux poumons et une à l'estomac : son cancer s'est généralisé. Il ne dit rien à son entourage et continue ses concerts dont celui au Bourget en Seine-Saint-Denis, en France, le 3 juillet 1980 qui rassemble plus de 50 000 personnes ; il joue un dernier concert enregistré à Pittsburgh, le 23 septembre 1980 avant que sa tournée Uprising soit définitivement annulée. Il subit des séances de radiothérapie et de chimiothérapie qui lui font perdre ses dreadlocks au Memorial Sloan-Kettering Cancer Center de New York et se convertit le 4 novembre à l'Église orthodoxe éthiopienne, dont la plus haute autorité était feu l'empereur d'Éthiopie Hailé Sélassié I^er, considéré par les rastas comme étant la réincarnation de Jésus annoncée dans l'Apocalypse (« le roi des rois, seigneur des seigneurs »). Il se fait baptiser Berhane Sélassié (???? ??? (Berhanä Sellasé) : lumière de la Trinité en amharique) dans l'église orthodoxe de Miami puis part cinq jours plus tard pour une clinique de Rottach-Egern en Bavière, où il suit un traitement anticancéreux controversé (transfusions sanguines, séances d’hyperthermie et des injections de THX, un agent anticancérigène ) avec le docteur Josef Issels, spécialiste allemand en médecine holistique qui prend en charge les cancéreux en phase terminale considérés comme perdus par la médecine traditionnelle. Ce traitement prolonge sa vie au prix de dures souffrances.

À la fin de sa vie, Bob Marley souhaite finir ses jours en Jamaïque, mais il est finalement placé en soins intensifs le 9 mai 1981 à l’hôpital Cedars of Lebanon de Miami. Il y meurt le 11 mai 1981, trop faible pour faire le voyage en avion jusqu'à Kingston. Il est enterré le 21 mai dans sa paroisse de naissance, à St Ann, en Jamaïque, après des funérailles nationales à Kingston, qui attirent des centaines de milliers de personnes.

Maladie et mort

En juillet 1977, Marley révèle avoir un Mélanome malin sous l'ongle d'un orteil. Contrairement à la Légende urbaine, cette lésion n'a pas été principalement causée par une blessure lors d'un match de football de la même année, mais était plutôt un symptôme du cancer déjà existant. Marley a rejeté les conseils de ses médecins pour amputer son orteil, citant ses croyances religieuses, et au lieu l'ongle et le lit d'ongle ont été enlevés et une greffe de peau prélevé sur sa cuisse pour couvrir la zone^[pas clair]. En dépit de sa maladie, il a continué les tournées et était dans le processus de planification d'une tournée mondiale en 1980.

L'album Uprising (album de Bob Marley and the Wailers) a été publié en mai 1980. Le groupe a réalisé un grand tour de l'Europe, où il a joué son plus grand concert à plus de 100 000 personnes à Milan. Après la visite Marley est allé en Amérique, où il a effectué deux spectacles au Madison Square Garden à New York dans le cadre du Tour Uprising.

Bob Marley est apparu au Théâtre Stanley (maintenant appelé le Benedum Center (en) For The Performing Arts) à Pittsburgh , en Pennsylvanie, le 23 septembre 1980; ce serait son dernier concert. Les photographies connus de la série ont été présentés dans Kevin Macdonald film documentaire de Marley.

Peu de temps après, la santé de Marley se détériore dù au cancer qui s'est répandu dans son corps. Le reste de la tournée a été annulée et Marley a cherché un traitement à la clinique bavaroise de Josef Issels, où il a reçu un traitement controversé de la thérapie du cancer (Issels treatment (en)) basé en partie sur l'évitement de certains aliments, de boissons et d'autres substances. Après avoir combattu le cancer sans succès pendant huit mois Marley est monté à bord d'un avion pour sa maison en Jamaïque.

Alors que Marley volait de l'Allemagne à la Jamaïque, ses fonctions vitales ont empiré. Après l'atterrissage à Miami (Floride), il a été emmené à l'hôpital pour des soins médicaux immédiats. Bob Marley est mort le 11 mai 1981 au Cedars of Lebanon Hospital à Miami (aujourd'hui Université de Miami Hospital ) à l'âge de 36 ans. La propagation du Mélanome à ses poumons et le cerveau a causé sa mort. Ses derniers mots à son fils Ziggy étaient « L' argent ne peut pas acheter la vie. »

Marley a reçu des funérailles d'État en Jamaïque le 21 mai 1981, qui a combiné des éléments d'Église éthiopienne orthodoxe et Rastafari tradition. Il a été enterré dans une chapelle près de sa ville natale avec sa guitare rouge Gibson Les Paul (certains contes^[Quoi ?] disent que c'était une Fender Stratocaster).

Le 21 mai 1981, le Premier ministre jamaïcain Edward Seaga fait l'éloge de Marley en déclarant : « Sa voix était un cri omniprésent dans notre monde électronique. Ses traits anguleux, regards majestueux, et le style de caracolant une gravure vive sur le paysage de nos esprits. Bob Marley n'a jamais été vu. Il a été une expérience qui a laissé une empreinte indélébile à chaque rencontre. Un tel homme ne peut pas être effacé de l'esprit. Il fait partie de la conscience collective de la nation. »

Héritage

Bob Marley a fait découvrir au monde le reggae, un riche dérivé du blues qui a considérablement influencé la musique populaire occidentale. Sa musique a touché tous les publics, transcendant les genres, comme en témoigne un large culte, encore en pleine expansion dans le monde entier à la fin du vingtième siècle. La dimension de Bob est bien plus large que celle du simple chanteur capable de produire des succès populaires comme Is This Love ou Could You Be Loved. Exprimant à l'origine l'affirmation de la dignité et la valorisation d'une identité noire pour son peuple bafoué par des siècles d'esclavage (Slave Driver, Redemption Song), de colonialisme (Music Lesson, Crazy Baldhead) et d'oppression économique (Revolution), il incarne avec le mouvement rastafarien (Positive Vibration, War) l'éveil de son peuple à une révolution spirituelle contre un oppresseur qu'il décrit d'abord comme étant le fruit d'une imposture chrétienne (Get Up, Stand Up), voire païenne (Heathen), capitaliste (Rat Race), corrompu, raciste et hypocrite (Who the Cap Fit) à la fois. Parolier remarquable capable de s'approprier avec naturel des formules du langage populaire, n'hésitant pas à aborder les thèmes les plus universels, Bob Marley reste d'abord un symbole d'émancipation et de liberté. Il est aussi devenu l'un des symboles universels de la contestation (Soul Rebel), voire de la légitime défense (I Shot the Sheriff). Son message est d’abord d'ordre spirituel et culturel, et assorti d’une incitation à la consommation du chanvre (Kaya, Easy Skanking), qui fait partie de la culture rastafari.

Il a dénoncé la négation de la personne noire, la falsification des cultures africaine et afro-américaine par le pouvoir et les religions de l'Occident, le travail des historiens à la solde de ces régimes (Zion Train, Music Lesson). Grâce au mouvement rasta (Forever Loving Jah, Rastaman Chant), Bob Marley a ouvert une voie qui ne se limite pas à la protestation d'ordre colonial et post-colonial. Il a souhaité montrer à l'humanité, la falsification de l'histoire des peuples noirs. Il a aussi une approche de la Bible jusque là essentiellement inédite et de plus en plus largement étudiée et reprise depuis. Son approche théologique rastafarienne, relayée par sa célébrité, fait ainsi de Marley l'objet d'un certain nombre de réflexions de nature hagiographique.

Enfants

Bob a reconnu onze enfants de sept relations différentes, dont les cinq de sa femme Rita, bien que deux d'entre eux ne soient pas de lui. Il n'a pas reconnu sa première fille Imani Carole, née le 22 mai 1963 d'une relation avec Cheryl Murray, mais a adopté Sharon après son mariage avec Rita en 1966. La plupart ont entrepris une carrière musicale, et avec succès pour Ky-Mani Marley, Damian Marley, Ziggy Marley, Julian Marley et Stephen Marley notamment. Rohan Marley a été joueur professionnel de football américain et, un temps, compagnon de la mannequin brésilienne Isabeli Fontana.

Discographie

Lieux portant son nom

1. Musée Bob Marley à Kingston, Jamaïque
2. Place Bob Marley, inaugurée en 2008, à Montpellier, France
3. Rue Robert Nesta Marley, à Port-Louis, Guadeloupe, France
4. Bob Marley straat, à Almere, Pays-Bas
5. Bob Marley way, à Londres, Royaume-Uni

Annexes

Notes

Références

Voir aussi

Bibliographie

Filmographie

• Sunsplash (film), film documentaire et musical (live) de Stephan Paul, 1979
• Bob Marley,live in concert, film documentaire et musical de Stephan Paul, 1980
• Bob Marley, time will tell, film documentaire irlandais de Declan Lowney, 1991
• Marley (film), film documentaire britannique par Kevin Macdonald, 2012

Liens externes

• Notices d'autorité : Fichier d'autorité international virtuel ? International Standard Name Identifier ? Bibliothèque nationale de France (données) ? Système universitaire de documentation ? Bibliothèque du Congrès ? Gemeinsame Normdatei ? Bibliothèque nationale de la Diète ? Bibliothèque nationale d'Espagne ? WorldCat

• (en) Site officiel de Bob Marley Site officiel
• (en) Soul Rebels, Bob Marley and The Wailers (1962-1972)
• (en) Site du musée de Bob Marley à Kingston, Jamaïque, bobmarley-foundation.com
• « Biographie détaillée de Bob Marley », sur reggae.fr
• jahmarley.com, plus de 170 albums, 150 paroles, 63 traductions et partitions répertoriés
• Bob Marley - Portrait sur ina.fr
• Le reggae et Bob Marley : débat
• Bob Marley et la génération hip-hop aux États-Unis
• The 1970's Reggae Revolution: resistance against Western Imperialism
• Vibrations jamaïcaines : l'histoire des musiques populaires jamaïcaines au 20^e siècle

Charlotte Lucy Ginsburg, dite Charlotte Gainsbourg, née le 21 juillet 1971 à Londres (Royaume-Uni), est une actrice et chanteuse franco-britannique.

Elle est la fille de Jane Birkin et Serge Gainsbourg.

Biographie

Carrière cinématographique

Débuts et progression (années 1980-1990)

Elle commence sa carrière cinématographique très tôt, poussée par sa mère Jane Birkin. Charlotte Gainsbourg a été élève au lycée Molière, à Paris. En 1984, Jane Birkin, en tournage sur La Pirate de Jacques Doillon, incite sa fille à passer le casting d’Élie Chouraqui pour Paroles et Musique. Elle obtient ainsi son premier rôle à l’âge de treize ans. L’année suivante, Jacques Doillon lui offre quelques répliques dans La Tentation d'Isabelle qui lui vaut d’être remarquée par Claude Miller. Ce dernier lui offre le rôle principal de son film L'Effrontée. Sa performance est récompensée par le César du meilleur espoir féminin en 1986. Elle travaille ensuite avec Serge Gainsbourg son père (Charlotte for Ever en 1986), puis avec Agnès Varda et sa mère en 1987.

En 1988, Claude Miller fait de nouveau appel à elle pour La Petite Voleuse, sur un scénario de François Truffaut. Avec Merci la vie de Bertrand Blier, Charlotte décide de faire carrière dans le cinéma : « C'est vraiment là que j'ai décidé de continuer à faire ce métier. Avant, je me cachais derrière des prétextes. Je voulais faire bonne figure. Et si on n'allait plus me proposer de rôles ? Cela me terrifiait. Alors je préférais raconter que je ne savais pas si j'allais poursuivre dans cette voie. » (Le Figaro, 23 juin 1996). C’est à ce moment-là que sa carrière semble stagner, malgré ses retrouvailles avec Jacques Doillon dans le rôle principal de Amoureuse.

En 1999, la comédie dramatique La Bûche lui vaut son second César : le César de la meilleure actrice dans un second rôle.

En 2000, elle est à l'affiche du drame Passionnément, de Bruno Nuytten et évolue dans deux téléfilms : Les Misérables, de Josée Dayan, et Nuremberg d'Yves Simoneau.

Regain critique (années 2000)

Sa carrière prend un nouvel élan en 2001 avec la comédie dramatique Ma femme est une actrice avec l'acteur Yvan Attal, son futur mari.

En 2003, elle devient l'égérie de la marque Gérard Darel.

Elle retrouve Attal pour son second film, Ils se marièrent et eurent beaucoup d'enfants, et fait partie du casting du thriller 21 Grammes, où elle joue notamment aux côtés de Sean Penn et Naomi Watts.

En 2005, elle est à l'affiche de deux drames français : L'un reste, l'autre part, de Claude Berri, et Lemming, de Dominik Moll. Les films ne rencontrent cependant pas le succès des précédentes réalisations des cinéastes. De même en 2006, La Science des rêves ne reçoit pas le même accueil critique et commercial du précédent long-métrage de Michel Gondry, Eternal Sunshine of the Spotless Mind.

Cependant, l'actrice surprend en tête d'affiche d'une comédie romantique décalée : Prête-moi ta main, d'Éric Lartigau. L'actrice y donne la réplique à Alain Chabat, qu'elle avait déjà croisé pour La Science des Rêves et Ils se marièrent et eurent beaucoup d'enfants.

En 2007, elle défend deux projets étrangers : le biopic américain décalé I'm Not There, de Todd Haynes, sur la vie du chanteur folk Bob Dylan ; et le drame historique italien Golden Door, d'Emanuele Crialese^{[réf. nécessaire]}.

Dans la nuit du 5 septembre au 6 septembre 2007, elle est opérée d'urgence d'une hémorragie cérébrale, à la suite d'un accident de jet-ski.

En 2008, le drame City of Your Final Destination, de James Ivory, passe inaperçu. Mais l'année suivante, elle est la tête d'affiche de deux projets remarqués et à scandales : Antichrist, de Lars von Trier, et Persécution, de Patrice Chéreau.

La même année, le 27 février, elle préside la 34^e cérémonie des César animée par Antoine de Caunes, aux côtés de Sean Penn^{[réf. nécessaire]}.

Elle reçoit lors du festival de Cannes 2009 le prix d'interprétation féminine pour son rôle dans Antichrist de Lars von Trier. Le film n'est pas sans susciter une certaine controverse due tant à la violence de certaines scènes qu'à l'ambiguïté du propos.

Confirmation (années 2010)

En mai 2010 sort une bande dessinée sur Charlotte : Charlotte Gainsbourg mon amour aux éditions Delcourt, un hommage humoristique du dessinateur Fabrice Tarrin qui la représente sous les traits d'un petit canard à la mâchoire prognathe. Elle a déclaré lors d'une interview à propos de son physique : « Ma mâchoire prognathe vient de mon père alcoolique et ma taille, de ma mère mannequin. ».

Le 23 mai 2010, c'est Charlotte Gainsbourg qui remet la Palme d'or du 63^e festival de Cannes au réalisateur thaïlandais Apichatpong Weerasethakul pour le film Oncle Boonmee, celui qui se souvient de ses vies antérieures.

En 2011, elle retrouve son désormais mentor Lars von Trier pour un second rôle dans Melancholia, cette fois porté par Kirsten Dunst, et en 2013, elle fait partie de la distribution internationale réunie par le cinéaste pour le diptyque Nymphomaniac^,.

Du 9 au 19 février 2012, elle est membre du jury du 62^e festival du film de Berlin, présidé par le réalisateur Mike Leigh

Cette même année, est à l'affiche du drame franco-britannique Confession d'un enfant du siècle, de Sylvie Verheyde ; et retrouve son époux Yvan Attal pour son troisième long-métrage en tant que réalisateur avec le remake Do Not Disturb.

Elle quitte la France et s'installe à Greenwich Village, New York après le décès de sa sœur Kate Barry, en 2013^,.

En 2014, elle évolue dans plusieurs projets très différents : d'abord la satire Jacky au royaume des filles, écrite et réalisée par Riad Sattouf, alors couronné du succès des Beaux Gosses. Puis elle retrouve Attal cet fois en tant qu'acteur pour le drame Son épouse, de Michel Spinosa. Elle forme ensuite deux couples atypiques : d'abord avec le comédien belge Benoit Poelvoorde pour le drame Trois cœurs, de Benoît Jacquot ; et le gros projet Samba, d'Éric Toledano et Olivier Nakache. Enfin, elle tient l'un des rôles principaux de la comédie dramatique L'Incomprise, réalisée par l'actrice Asia Argento.

En 2015, elle fait partie du casting international réuni pour le drame Every Thing Will Be Fine par l'acclamé cinéaste Wim Wenders^{[réf. nécessaire]}.

L'année 2016 la voit évoluer dans son premier blockbuster hollywoodien, le remake/suite Independence Day: Resurgence, de Roland Emmerich ; et dans le quatrième long-métrage d'Yvan Attal , le film à sketches Ils sont partout. Les deux films sont accueillis très tièdement.

En 2017 sort discrètement le polar polonais True Crimes, d'Alexandros Avranas, porté par Jim Carrey ; un autre projet sorti confidentiellement, le drame israélien Norman, écrit et réalisé par Joseph Cedar ; une autre co-production internationale, Le Bonhomme de neige, de Tomas Alfredson, avec Michael Fassbender dans le rôle-titre.

Côté cinéma français, elle défend l'acclamé drame Les Fantômes d'Ismaël, d'Arnaud Desplechin, où elle fait face à la star internationale Marion Cotillard. Puis elle partage l'affiche du drame La Promesse de l'aube avec Pierre Niney, devant la caméra d'Éric Barbier.

Carrière musicale

Charlotte a chanté à plusieurs reprises, la première fois, sur l'album de Serge Gainsbourg, Love on the Beat, en 1984, où elle chante en duo Lemon Incest avec lui. Un vidéo-clip où Charlotte apparaît en petite tenue allongée à côté de son père vient compléter cette ambiguïté ; les paroles évoquent « l'amour que nous ne ferons jamais ensemble ».

En 1986, elle récidive avec l'album Charlotte for Ever où, prenant la pose d'une adolescente difficile, elle chante une série de textes au contenu tout aussi provocant : Charlotte for ever, Plus doux avec moi (les deux en duo avec Serge), Élastique, Zéro pointé vers l'infini.

Pendant huit ans elle ne chantera plus jusqu'à ce qu'elle s'embarque dans l'aventure des Enfoirés, les chanteurs soutenant les Restos du cœur : en 1994, dans le spectacle Les Enfoirés au Grand Rex, elle interprète Di doo dah, écrite par son père et créée par sa mère, Un autre monde de Téléphone et La chanson des restos de Jean-Jacques Goldman. Elle travaille à nouveau en 2001 pour les Restos du cœur, dans L'Odyssée des Enfoirés où elle interprète, entre autres, une chanson de Renaud, Manu, avec Francis Cabrel, Julien Clerc et un autre comédien, Thierry Lhermitte.

En 1996, elle participe à la bande originale de Love, etc.. En 2000, on entend sa voix dans l'album Music de Madonna : le début de la chanson What It Feels Like for a Girl contient quelques paroles prononcées par Charlotte dans le film Cement Garden. Son dernier vrai duo en date est If avec Étienne Daho, sur l'album Réévolution (2003) de ce dernier. En 2005, Charlotte participe à la bande originale de L'un reste, l'autre part, en interprétant la chanson du même nom.

Le 28 août 2006 est sorti son second album 5:55 en collaboration avec le groupe Air, Jarvis Cocker, Nigel Godrich, Tony Allen, David Campbell et Neil Hannon de The Divine Comedy. L'album comporte des titres en français et en anglais.

Son troisième album, IRM, sorti en décembre 2009, a été produit par le musicien américain Beck Hansen.

Son quatrième album Stage Whisper sort en 2011.

Son cinquième album, Rest, sort le 17 novembre 2017. Il contient onze titres enregistrés à New York, dont un composé par Paul McCartney. Le premier extrait du même nom, co-écrit et composé par Guy-Manuel de Homem-Christo (Daft Punk), est dévoilé début septembre, suivi par les titres Deadly Valentine et Ring-A-Ring O' Roses. Charlotte fait appel à ses enfants (Alice, Joe et Ben Attal) pour jouer dans les clips qui illustrent ces chansons.

Vie privée

Fille de Serge Gainsbourg et de Jane Birkin, elle est la compagne depuis 1991 d'Yvan Attal, lui-même comédien et réalisateur. Ils ont trois enfants, Ben (1997), Alice (2002) et Jo (2011).

Nièce du réalisateur Andrew Birkin et filleule de Yul Brynner, Charlotte Gainsbourg a également deux demi-sœurs, Kate Barry et Lou Doillon du côté de sa mère ; ainsi que deux demi-frères, Paul et Lucien Gainsbourg (mieux connu sous le diminutif « Lulu », fils de Bambou) et une demi-sœur, Natacha, du côté de son père.

Elle parle longuement de son père Serge Gainsbourg, se souvenant du clip provocant de Lemon Incest et du tournage de Charlotte for Ever : « Et lui, tel que je le connaissais dans la vie, ne correspondait pas à ce que je découvrais sur un tournage, sur un plateau. Il n'était plus le même. [...] Mon père avait plusieurs facettes et je le connaissais, mais devoir au quotidien faire cela et être moi-même dans cette spirale, c'était dur à vivre. » Viendra la disparition, subite, en 1991 : « J'avais 19 ans quand mon père est mort. Je pensais que je ne m'en remettrais pas. [...] J'ai fait comme s'il était encore là. [...] Pendant des années, j'étais une loque. Yvan m'a récupérée très peu de temps après et il a eu la patience d'attendre, je ne sais pas... dix ans... que, petit à petit, j'émerge. Il y avait aussi une complaisance dans le malheur. »

Discographie

Albums

• 1986 : Charlotte for Ever
• 2006 : 5:55
• 2009 : IRM
• 2011 : Stage Whisper
• 2017 : Rest^,

Collaborations

• 1994 : Di doo dah en duo avec Jane Birkin sur l'album Les Enfoirés au Grand Rex
• 1996 : Love etc. / L'Amour etc. sur la bande originale du film Love, etc.
• 2001 : What It Feels Like for a Girl sur l'album Music de Madonna
• 2002 : What Is It Now ? et Using Our Feet sur l'album Have You Fed the Fish ? de Badly Drawn Boy
• 2003 : If en duo avec Étienne Daho sur l'album Réévolution
• 2005 : L'Un reste, l'autre part sur la bande originale de L'un reste, l'autre part
• 2007 : The Duelist sur l'album Pocket Symphony d'Air
• 2011 : Mémoir avec Villagers
• 2013 : Hey Joe, bande originale du film Nymphomaniac

Filmographie

Théâtre

• 1994 : Oleanna de David Mamet, mise en scène Maurice Bénichou, Théâtre de la Gaîté-Montparnasse

Distinctions

Récompenses

• 11^e cérémonie des César 1986 : César du meilleur espoir féminin dans une comédie dramatique pour L'Effrontée (1985).
• 25^e cérémonie des César 2000 : César de la meilleure actrice dans un second rôle dans une comédie dramatique pour La Bûche (1999).
• 2004 : Phoenix Film Critics Society Awards de la meilleure distribution dans un thriller dramatique pour 21 Grammes (21 Grams) (2004) partagée avec Kevin Chapman, Benicio Del Toro, Teresa Delgado, Clea DuVall, Danny Huston, Melissa Leo, Eddie Marsan, Marc Musso, Sean Penn et Naomi Watts
• 2007 : Prix Raimu de la comédie de la meilleure comédienne dans une comédie romantique pour Prête-moi ta main (2006).
• Film Independent Spirit Awards 2008 : Lauréate du Prix Robert Altman de la meilleure distribution dans un drame biographique pour I'm Not There (2007) partagée avec Todd Haynes (director), Laura Rosenthal (casting director), Cate Blanchett, Christian Bale, Richard Gere, Heath Ledger, Ben Whishaw, Marcus Carl Franklin et Bruce Greenwood.
• Festival de Cannes 2009 : Prix d'interprétation féminine dans un drame d'horreur pour Antichrist (2009) de Lars von Trier.
• Bodil Awards 2010 : Meilleure actrice dans un drame d'horreur pour Antichrist (2009) de Lars von Trier.
• 2010 : Festival International du Film de Bratislava de la meilleure actrice dans un drame romantique pour L'Arbre (2010).
• 2010 : Sant Jordi Awards de la meilleure actrice étrangère dans un drame d'horreur pour Antichrist (2009) de Lars von Trier.
• 2010 : SESC Film Festival de la meilleure actrice étrangère dans un drame d'horreur pour Antichrist (2009) de Lars von Trier.
• 2012 : Ole Awards de la meilleure actrice dans un second rôle dans un drame pour Melancholia (2011) de Lars von Trier.
• 2012 : Roberts de la meilleure actrice dans un second rôle dans un drame pour Melancholia (2011) de Lars von Trier.
• Bodil Awards 2014 : Meilleure actrice dans un drame pour Nymphomaniac (2013) de Lars von Trier.
• 11^e cérémonie des Women Film Critics Circle Awards 2014 : Meilleure actrice dans un drame pour Nymphomaniac (2013) de Lars von Trier.

Nominations

• 14^e cérémonie des César 1989 : César de la meilleure actrice dans un drame pour La Petite Voleuse (1988).
• 22^e cérémonie des César 1997 : César de la meilleure actrice dans un drame romantique pour Love, etc. (1996).
• 2003 : Awards Circuit Community Awards de la meilleure distribution dans un thriller dramatique pour 21 Grammes (21 Grams) (2004) partagée avec Danny Huston, Benicio Del Toro, Danny Huston, Melissa Leo, Eddie Marsan, Sean Penn et Naomi Watts.
• 32^e cérémonie des César 2007 : César de la meilleure actrice dans une comédie romantique pour Love, etc. (1996).
• 13^e cérémonie des Chlotrudis Awards 2007 : Meilleure actrice dans un second rôle dans un drame fantastique pour Prête-moi ta main (2006).
• 2007 : Globes de Cristal de la meilleure actrice dans un drame fantastique pour Prête-moi ta main (2006).
• 2008 : International Cinephile Society Awards de la meilleure actrice dans un second rôle dans un drame biographique pour I'm Not There (2007).
• 2009 : Alliance of Women Film Journalists Awards de la performance la plus brave dans un drame d'horreur pour Antichrist (2009) de Lars von Trier.
• Prix du cinéma européen 2009 : Meilleure actrice européenne dans un drame d'horreur pour Antichrist (2009) de Lars von Trier.
• 2009 : Fright Meter Awards de la meilleure actrice dans un drame d'horreur pour Antichrist (2009) de Lars von Trier.
• 2009 : Indiewire Critics' Poll de la meilleure actrice principale dans un drame d'horreur pour Antichrist (2009) de Lars von Trier.
• 2009 : Village Voice Film Poll de la meilleure actrice dans un drame d'horreur pour Antichrist (2009) de Lars von Trier.
• 52^e cérémonie des Australian Film Institute Awards 2010 : Meilleure actrice dans un drame romantique pour L'Arbre (2010).
• 8^e cérémonie des Central Ohio Film Critics Association Awards 2010 : Meilleure actrice dans un drame romantique pour L'Arbre (2010).
• 16^e cérémonie des Chlotrudis Awards 2010 : Meilleure actrice dans un drame d'horreur pour Antichrist (2009) de Lars von Trier.
• 2010 : Italian Online Movie Awards de la meilleure actrice dans un drame d'horreur pour Antichrist (2009) de Lars von Trier.
• Robert 2010 : Robert de la meilleure actrice dans un drame d'horreur pour Antichrist (2009) de Lars von Trier.
• 2010 : Scream Awards de la meilleure actrice dans un drame d'horreur pour Antichrist (2009) de Lars von Trier.
• 36^e cérémonie des César 2011 : César de la meilleure actrice dans un drame romantique pour L'Arbre (2010).
• 24^e cérémonie des prix du cinéma européen 2011 : Meilleure actrice européenne dans un drame pour Melancholia (2011).
• 2011 : Fangoria Chainsaw Awards de la meilleure actrice dans un drame pour Melancholia (2011).
• 2011 : Village Voice Film Poll de la meilleure actrice dans un second rôle dans un drame pour Melancholia (2011).
• Bodil Awards 2012 : Meilleure actrice dans un second rôle dans un drame pour Melancholia (2011).
• 2012 : Italian Online Movie Awards de la meilleure actrice dans un second rôle dans un drame pour Melancholia (2011).
• 38^e cérémonie des Saturn Awards 2012 : Meilleure actrice dans un second rôle dans un drame pour Melancholia (2011).
• 27^e cérémonie des prix du cinéma européen 2014 : Meilleure actrice européenne dans un drame pour Nymphomaniac - Director's Cut (2013).
• 2015 : Italian Online Movie Awards de la meilleure actrice dans un drame pour Nymphomaniac - Director's Cut (2013).
• 20^e cérémonie des prix Lumières 2015 : Meilleure actrice dans un drame romantique pour Trois cœurs (2014) et dans un drame pour Samba (2014).
• Robert 2015 : Robert de la meilleure actrice dans un drame pour Nymphomaniac - Director's Cut (2013).
• Alliance of Women Film Journalists Awards 2017 : Plus grande différence d'âge entre le personnage principal (1952) et sa promise (1971) dans un film de science-fiction pour Independence Day: Resurgence (2016) partagée avec Jeff Goldblum.

Dans la fiction

Dans Serge Gainsbourg : vie héroïque (2010) de Joann Sfar, son rôle est interprété par Orphée Silard.

Références

Liens externes

• Notices d'autorité : Fichier d’autorité international virtuel ? International Standard Name Identifier ? Bibliothèque nationale de France (données) ? Système universitaire de documentation ? Bibliothèque du Congrès ? Gemeinsame Normdatei ? Bibliothèque nationale de la Diète ? Bibliothèque nationale d’Espagne ? Bibliothèque nationale de Catalogne ? WorldCat

• Site officiel de sa musique
• MySpace officiel
• A Tribute to Gainsbourg, Charlotte Gainsbourg interprète
• Fiche personnelle sur le site de son agence artistique VMA

Le succès de sa synthpop au style très empreint de musique industrielle est constant jusqu'en 1990 avec l'album Violator, incluant les titres Personal Jesus, Policy of Truth et surtout Enjoy the Silence. Les années 1990 sont marquées par la dépendance à la drogue, la surdose et la tentative de suicide du chanteur principal, Dave Gahan, qui n'est désintoxiqué qu'en 1996, et par le départ d'Alan Wilder en 1995. Le groupe, qui ne comporte plus que trois membres, continue à sortir des albums (Ultra en 1997, Exciter en 2001, Playing the Angel en 2005, Sounds of the Universe en 2009, Delta Machine en 2013 et Spirit en 2017).

La quasi-totalité des chansons de DM est composée par Martin L. Gore, sauf celles du premier album (Speak and Spell) qui sont majoritairement l'œuvre de Vince Clarke, rapidement parti fonder Yazoo puis Erasure. Depuis 2005, le chanteur Dave Gahan participe à l'écriture de certains morceaux. Martin L. Gore œuvre beaucoup pour que Depeche Mode ne soit pas uniquement considéré comme un groupe « de synthés », en utilisant notamment la guitare.

Le groupe se classe cinquante fois dans le UK Singles Chart, et plusieurs albums ont été numéro un au Royaume-Uni, aux États-Unis et dans d'autres pays européens. Selon Mute Records, en 2008 le groupe compte 75 millions d'albums vendus dans le monde et plus de 100 millions de disques en incluant les singles. En novembre 2020, Depeche Mode est intronisé au Rock and Roll Hall of Fame.

Biographie

Genèse (1977-1980)

En 1977, à Basildon (dans l'Essex), Vince Clarke et Andrew Fletcher, alors adolescents, décident de créer un groupe nommé No Romance in China et de centrer leur créativité sur un nouvel instrument, le synthétiseur, peu utilisé à l'heure où le Royaume-Uni résonne au son du punk rock. Le groupe est influencé par The Cure peu après sa création. Ils fondent le groupe Composition of Sound en 1980, rapidement rejoints par un ami de lycée, Martin L. Gore. Le groupe, influencé par Orchestral Manoeuvres in the Dark, trouve en Dave Gahan, repéré lors d'une audition plus tard dans l'année, alors que ni Gore ni Clarke ne se voient comme chanteur principal, la voix que le trio recherchait. Ce dernier est par ailleurs à l'origine du nouveau nom du groupe inspiré par un magazine français : Dépêche Mode. Les Anglais, désireux d'en comprendre la signification s'amusent à traduire ce nom par « Fast Fashion » ou bien encore « Hurry up fashion », commettant ainsi une erreur de sens car ils confondent alors le terme « dépêche » (dispatch en anglais, mot d'ailleurs issu de l'ancien français despeche) avec le verbe « se dépêcher » (« to hurry up » en anglais).

Leurs premières compositions sont refusées par des maisons de disques qui n'apprécient guère la surcharge de synthétiseurs utilisés (instruments de prédilection du groupe à ses débuts).

Premiers albums et succès (1981-1983)

Stevo Pearce, manager du groupe Soft Cell et fondateur du label Some Bizzare Records, les repère et fait paraître leur titre Photographic sur une compilation intitulée Some Bizzare Album (1981) où ils côtoient alors d'autres futures formations des années 1980 telles The The et Soft Cell. Puis c’est lors d’un concert dans un club londonien que Daniel Miller repère le groupe et décide de le signer sous son nouveau label : Mute Records. En 1981, Depeche Mode sort son premier single Dreaming of Me, qui se classe dans le Top 75 anglais, suivi peu après du titre New Life qui devient le premier vrai succès du groupe en Angleterre ; en fin d'année paraît le troisième single qui devient un tube au Royaume-Uni comme au niveau international : Just Can't Get Enough. Ces premiers titres sont extraits de l’album Speak and Spell dont les compositions sont principalement de Vince Clarke (Martin L. Gore n'y est l'auteur que de deux chansons). Les synthétiseurs y tiennent une place prépondérante sur fond de boîtes à rythme.

Mais, aussitôt le succès acquis, Vince Clarke quitte Depeche Mode et part fonder le duo à succès Yazoo avec Alison Moyet (une connaissance du lycée de Basildon), puis l'éphémère The Assembly. Vince Clarke se stabilisera finalement en 1985 en créant son groupe Erasure qui publie régulièrement des albums, dont certains obtiendront un grand succès international (générant plusieurs disques de platine et albums numéro un au Royaume-Uni) et permettront même au groupe de remporter un Brit Award du « meilleur groupe britannique » de l'année 1989 et d'être plusieurs fois récompensé ou nominé par la suite, mais sans susciter d'intérêt en France.

Depeche Mode devient alors un trio sans parolier et son avenir paraît compromis. Les trois acolytes décident néanmoins de poursuivre l'aventure : Martin L. Gore est désormais l'auteur-compositeur du groupe qui recrute finalement Alan Wilder en 1982 sur petite annonce parue dans le Melody Maker. Celle-ci demande un homme de moins de 21 ans et un véritable musicien. Wilder, qui triche sur son âge, est un pianiste expérimenté. Il est avant tout engagé pour assurer les lives : telle est la raison pour laquelle il ne participe pas à l'élaboration de A Broken Frame, deuxième album du groupe qui paraît fin 1982 et est marqué par le single See You. Ce titre, sorti plus tôt dans l'année, devient alors le plus grand succès de DM dans son pays d'origine, atteignant la 6^e place dans le Top 40. Au début de 1983, paraît le single Get the Balance Right! (absent de tout album studio), celui-ci propose un son plus mûr que les précédentes compositions de Gore, augurant un changement de direction musicale pour Depeche Mode.

L'apport artistique d'Alan Wilder est perceptible dans l'album Construction Time Again (1983) où il signe intégralement deux titres (The Landscape is Changing et Two Minute Warning). Dans ce troisième opus, apparaissent les premiers samples nourris de la musique industrielle allemande et les sons deviennent plus travaillés, confirmant donc l'évolution musicale de la formation anglaise. Quant aux paroles, elles prennent des tournures plus politiques : le premier extrait de cet album et tube Everything Counts traite par exemple, sur un mode ironique, des dérives du capitalisme notamment via les grandes majors du disque. Construction Time Again connaît un vrai succès au Royaume-Uni (y étant certifié disque d'or fin 1983) et se classe dans plusieurs pays européens, confirmant l'impact grandissant de Depeche Mode au niveau international ; notamment en Allemagne, où leurs albums étaient produits au Studio Hansa.

Some Great Reward et renommée internationale (1984-1985)

L'amour, la religion, la sexualité, l’ennui deviennent les thèmes de prédilection des compositions de Martin L. Gore, dans un contexte musical qui confirme ses goûts pour la musique industrielle allemande (notamment Kraftwerk) qui nourrit dès lors les samples du groupe : bruits lourds, métalliques et percussions froides martèlent les titres de la formation anglaise. Dans ce cadre paraît au printemps 1984 le single qui donne définitivement à Depeche Mode son envergure internationale : People Are People. Ce titre permet au groupe de connaître un grand succès un peu partout sur la planète (notamment aux États-Unis où il atteint le Top 20 quelques mois plus tard) et annonce le prochain album, Some Great Reward, qui paraît finalement à l'automne de la même année. Ce single constitue aussi pour la formation de Basildon son tout premier titre à se classer n^o 1 (en Allemagne). Par ailleurs, fort du succès rencontré par People Are People en Amérique du Nord, un album baptisé du même nom, incluant ce morceau et d'autres singles est publié exclusivement aux États-Unis et au Canada durant l'été 1984, afin de mieux faire connaître la genèse musicale du groupe au public nord-américain, qui le découvre alors. Quant à l'album Some Great Reward, il rencontre un grand succès grâce à des singles à l'impact international certain ; ainsi après People Are People, le titre Master and Servant, paru à la fin de l'été 84, connaît à son tour les honneurs des hit-parades. Depeche Mode s'engage alors dans une tournée de plusieurs mois, de l'automne 84 à l'été 85, qui mène le groupe jusqu'au Japon.

Ce succès est renforcé par la parution mondiale, fin 1985, d'une première compilation officielle regroupant les singles édités depuis les débuts de Depeche Mode. Elle contient notamment le tube Shake the Disease, sorti plus tôt dans l'année et classé au Top 20 dans de nombreux pays^,. En Europe, de la Scandinavie à l'Italie, le groupe acquiert une grande popularité - comme notamment en France et en Allemagne - devenant l'une des formations new-wave anglophones les plus plébiscitées du moment avec, entre autres, Tears for Fears, Duran Duran, Eurythmics, Simple Minds, Talk Talk ou encore The Cure. Durant cette période, le groupe, en raison de son succès, est approché afin de participer au Live Aid, en juillet 1985, cependant, il refuse de s'y produire. Martin Gore estime notamment que les artistes participant à ce type de concert cherchent davantage à se faire valoir qu'à s'investir réellement au niveau caritatif, et que Depeche Mode n'a donc finalement pas sa place lors d'un tel événement.

Par ailleurs, durant ce même été 1985, le groupe participe à Rock in Athens, un festival exceptionnel organisé notamment à l'initiative des Ministères grec et français de la culture et composé d'une série de concerts regroupant principalement des formations tendance new wave (en dépit du nom du festival) célèbres à ce moment-là. On y retrouve donc Depeche Mode mais aussi, entre autres, Talk Talk, The Cure, The Stranglers, Culture Club et également le groupe français Téléphone.

Durant cette période, la formation de Basildon, qui rencontre donc désormais un réel engouement international, voit paradoxalement son succès quelque peu s'affaiblir dans son pays d'origine, où plus aucun de ses singles n'atteindra le top 10 durant plusieurs années.

Black Celebration et nouvelle identité visuelle (1986)

Au printemps 1986, paraît le nouvel album, Black Celebration, dont le premier extrait, Stripped, confirme l'orientation du groupe vers une musique plus sombre composée sur la base d'échantillonnages divers. Cet album assoit la réputation de la formation anglaise au Royaume-Uni (même si aucun des singles extraits n'y atteint les premières places) et lui donne le statut de groupe culte en Amérique du Nord, où DM est considéré comme une formation underground ; alors qu'elle est parfois perçue comme plus commerciale en Europe (ses singles sont édités en une multitude de remixes, pouvant accroître leurs ventes). Cela dit, l'approche électronique et expérimentale du groupe permet de développer de nombreuses variations de ses titres. Depeche Mode collabore avec de nombreux arrangeurs/producteurs et disc jockeys et offre à ses fans une multitude de reflets sonores.

Le groupe sort un album par an et sa popularité s’accroît de manière importante. Cependant, le désir de s’affranchir de l'image de garçons coiffeurs à synthés, que certains critiques attribuent à ses membres, se fait sentir. C’est notamment pour cette raison qu'ils sollicitent le photographe hollandais Anton Corbijn pour refaçonner leur image. À partir de 1986, l'intervention de Corbijn sur les clips et les photographies devient déterminante pour l'imaginaire visuel de la formation anglaise. « Corbijn joue la carte d'une esthétique glacée à la manière d'un Wim Wenders ou d'un Werner Herzog. Systématiquement tournés en noir et blanc, les clips du Hollandais renvoient du groupe une image sans doute encore un peu figée mais débarrassée de tout contenu racoleur ».

La première vidéo réalisée par le photographe hollandais illustre le troisième titre extrait de Black Celebration, A Question of Time qui paraît à l'été 1986 et devient rapidement un tube. Simultanément, Alan Wilder sort 1+2, le premier E.P. de Recoil, un projet personnel parallèle à DM.

Music for the Masses et confirmation du succès (1987-1988)

1987 marque une étape de plus dans la carrière de Depeche Mode. Le groupe publie au printemps de cette année-là le single Strangelove, qui rencontre un réel succès international et annonce le nouvel album à venir. Enregistré en France au studio Guillaume Tell de Suresnes sous la houlette de David Bascombe - Daniel Miller et Gareth Jones préférant s'éclipser - ce sixième album paraît finalement à l'automne 87. Intitulé Music for the Masses, il reflète la nouvelle approche musicale de la formation anglaise et s'ouvre sur Never Let Me Down Again, un rock synthétique virant à l'onirisme noir, qui devient avec le temps l'hymne des concerts de Depeche Mode à travers le monde. Il donne le ton d'un album abouti qui entre pour la première fois de l'histoire du groupe dans le Top 40 américain, obtenant en seulement quelques mois la certification disque d'or (pour plus de 500 000 exemplaires vendus) puis finalement disque de platine quelques années après. « De machine à tubes, Depeche Mode est définitivement passé au statut de groupe culte ». Cet album et ses singles, toujours mis en image par Corbijn (Strangelove, Never Let Me Down Again et Behind the Wheel) connaissent ainsi au niveau mondial des scores de ventes importants, faisant de DM l'un des groupes anglophones les plus en vue du moment (avec U2, The Cure ou encore INXS). Cependant, l'accueil au Royaume-Uni y est toujours plus mitigé.

En juin 1987, Depeche Mode participe au "Concert des potes" organisé par l'association SOS Racisme sur l'esplanade du Château de Vincennes à Paris, interprétant deux de ses titres.

Ce succès international autorise une grande tournée qui passe notamment par les États-Unis et que le cinéaste américain D.A. Pennebaker immortalise dans le documentaire 101, filmé le 18 juin 1988 au stade Rose Bowl de Pasadena devant 70 000 spectateurs. Depeche Mode est devenu « le premier groupe de pop électronique à pouvoir remplir un stade ». Le titre 101 (suggéré par Alan Wilder) fait allusion aux 101 concerts donnés pendant cette tournée. Le documentaire de Pennebaker suit en parallèle huit fans transportés pendant dix jours à travers les États-Unis dans un autobus fourni par la production, ainsi que le groupe lors de ces mêmes déplacements, des interviews, et durant ses concerts.

Un album live (le premier pour DM), reflet de cette tournée et également intitulé 101, paraît en mars 1989 et devient « disque d'or en France en vingt-quatre heures [...] [et] offre au groupe son meilleur score de ventes en Angleterre depuis trois ans ».

Violator et consécration mondiale (1989-1992)

Depeche Mode connaît désormais un grand succès commercial, tout en finissant de convaincre une presse jusqu'alors plutôt réservée. Une fois leur tournée 101 achevée, Martin L. Gore enregistre Counterfeit e.p., un mini album de reprises en solo. Puis rapidement, il soumet aux autres membres du groupe ses nouvelles compositions de ce qui est leur album le plus célèbre à ce jour. En 1989, les quatre musiciens rentrent en studio à Milan pour travailler sur les maquettes très épurées de Martin L. Gore. David Bascombe n'étant pas disponible, le groupe fait alors appel au producteur Flood afin d'enregistrer ce nouvel album, où l’on retrouve les titres Personal Jesus, Policy of Truth, World in My Eyes, Halo, Waiting For The Night et surtout le single qui reste l'un des plus célèbres du répertoire de DM, et son plus gros hit à ce jour : Enjoy the Silence. Initialement composé comme une ballade (la démo minimaliste de Martin L. Gore est composée sur un harmonium), Flood et Alan Wilder y décèlent tout de suite un fort potentiel : ils demandent alors à Gore de composer une ritournelle mélodique supplémentaire à la guitare (qui sera déclinée à différentes octaves et jouée également aux claviers), le rythme est accéléré et un soin tout particulier est apporté à la production de la chanson (pour preuve, le titre est le seul qui fut mixé par Daniel Miller et Flood et non par le disc jockey français François Kevorkian qui mixe le reste de l'album). En tant qu'auteur, Gore déclare que ses dix thèmes favoris durant cette période sont : « les rapports humains, la domination, le désir, l'amour, le bien, le mal, l'inceste, le péché, la religion, l'immortalité ».

Le premier extrait de l'album Personal Jesus paraît sur les ondes dès août 1989, et détone. Avec une chanson rock construite autour d'un riff de guitare blues (façon John Lee Hooker), Depeche Mode est là où on ne l'attendait pas. Cet inattendu mélange au rythme lourd, à la mélodie simple et marqué d'un slogan - davantage qu'un refrain - « Reach out and touch faith » donne le ton. Ne perdant pas de vue le champ d'expérimentation électronique, Personal Jesus se conclut par une phrase instrumentale où les programmations semblent livrées à elles-mêmes, percutées par un rythme lourd. Ce titre est une idée de Gore qui, en lisant une biographie d'Elvis, a appris que Priscilla Presley appelait son mari « mon Jésus personnel ». Par ailleurs, les couplets, évoquant une conversation téléphonique « lift up the receiver I'll make you a believer », font en fait écho à l'existence aux États-Unis d'une ligne téléphonique où l'on pouvait joindre un prêtre pour se confesser. Mute n'espérait pas un tel engouement pour Personal Jesus, qui connaît un grand succès international (notamment en Europe et aux États-Unis), misant davantage sur la sortie d'Enjoy the Silence, prévue stratégiquement au moment de la parution de l'album, au début de 1990 ; baptisé Violator, celui-ci paraît finalement au mois de mars de cette année-là et, propulsé par les ventes records de ses singles (notamment Enjoy the Silence, premier titre de DM à se classer au Top 10 américain et single du retour du groupe dans le Top 10 anglais), devient l'album le plus connu de Depeche Mode, écoulé à plus de 10 millions d'exemplaires, dont près de 4 millions pour les seuls États-Unis.

Un événement particulier illustre cette immense popularité acquise, notamment sur le sol américain. Le 20 mars 1990, lors d'une journée de promotion à Beverly Hills, 20 000 fans se pressent pour obtenir un autographe, mais cela tourne vite à l'incident public. Rapidement, les vitres du disquaire où se trouve le groupe - qui sera promptement évacué - cèdent sous la pression de la cohue en proie à une hystérie collective, et les autorités, craignant une émeute (évitée de peu), « envoient sur place plusieurs hélicoptères [et] quatre divisions de police » afin de disperser la foule ; plusieurs personnes sont blessées durant cet incident inédit qui est alors largement relayé par les médias, locaux comme nationaux.

Afin de promouvoir l'album, Depeche Mode s'embarque pour plusieurs mois dans le World Violation Tour, qui démontre, une fois de plus, la grande renommée acquise par la formation anglaise. Celle-ci joue par exemple dans plusieurs stades aux États-Unis : ainsi 42 000 tickets sont vendus en l'espace de quelques heures pour un concert au Giants Stadium (dans le New Jersey) et 48 000 tickets sont écoulés en seulement une demi-heure pour un show au Dodger Stadium (à Los Angeles). En 1991, Depeche Mode contribue, avec le titre The Death's Door, à la bande originale du film Jusqu'au bout du monde, de Wim Wenders.

À ce moment-là de sa carrière, le groupe est au faîte de sa gloire, autant plébiscité par le public que par la critique ; les années qui suivent vont cependant se révéler plus chaotiques.

De la lumière aux ténèbres (1993-1996)

Après l'immense succès de Violator, DM revient en 1993 avec l'album Songs of Faith and Devotion. Les titres I Feel You, Walking in My Shoes, Condemnation et In Your Room sont des morceaux encore plus rock, plus bruts, le tout produit de nouveau par Flood et Wilder. Choristes de gospels et sections de cordes interviennent sur un album que le groupe sait très attendu. Et si le succès est à nouveau au rendez-vous (le disque se classe dès sa sortie n^o 1 des ventes au Royaume-Uni, dans de nombreux pays d'Europe ainsi qu'aux États-Unis), l'accueil reste mitigé. Ainsi, si le premier extrait I Feel You remporte un réel succès mondial devenant d'ailleurs l'un des singles les mieux classés de l'histoire du groupe (et obtenant une certification « or » aux États-Unis), les extraits suivants ne connaissent pas le même sort, n’ayant qu’un impact limité dans les classements internationaux. Malgré tout, et sans atteindre les chiffres de Violator, l'album est finalement une réussite commerciale, se vendant à plusieurs millions d'exemplaires à travers le monde (dont plus d'un million et demi aux USA). La tournée qui suit, Devotional Tour puis Exotic Tour, qui dure quatorze mois se révèle très éprouvante : énièmes tensions au sein du groupe, prises excessives de drogues et d'alcool, et Fletcher, victime d’une dépression, est remplacé pour quelques dates.

Le bilan au milieu des années 1990 n'est guère réjouissant malgré leur immense popularité : Gahan est devenu un véritable junkie vivant presque avec ses dealers, Gore s'isole, et Fletcher essaie de maintenir la cohésion d'un groupe qui voit l'un de ses membres quitter l'aventure. En effet, estimant que son travail n’est pas reconnu à sa juste valeur et éprouvé par les tensions qu’il ressent au sein du groupe, Alan Wilder décide de le quitter en 1995. Il se consacre alors à plein temps à son projet solo Recoil. DM perd son pilier technique et créatif. La même année, Dave Gahan est hospitalisé à la suite d'une tentative de suicide. Rétabli, il retrouve les deux membres restants au début de 1996 pour enregistrer un nouvel album mais, victime d’une overdose peu de temps après et condamné par la justice californienne à un an de mise à l'épreuve, il entreprend une nouvelle cure de désintoxication.

Renouveau (1997-2002)

En 1997, Depeche Mode réapparaît avec le single Barrel of a Gun, qui annonce la sortie d'Ultra, un album du « retour sur certains acquis, un pont solide entre les recettes du passé et les opportunités du présent ». Le producteur Tim Simenon est aux commandes et assure la continuité. Pour mener à bien la production, il fait appel à toute son équipe studio (ses acolytes de Bomb The Bass) pour pallier l'absence d'Alan Wilder qui occupait une place essentielle lors des précédents enregistrements studio. Les ventes d'Ultra sont bonnes, il se classe n^o 1 dans plusieurs pays dont l'Allemagne et l'Angleterre, et dans le Top 5 aux États-Unis. En 1998, le groupe sort une compilation The Singles 86-98, assortie d'un single inédit (Only When I Lose Myself), ainsi qu'une réédition de The Singles 81-85. « Le disque réaffirme (si besoin est) l'importance « historique » acquise par le groupe au cours de la dernière décennie tout en lui offrant la légitimité d'un retour sur scène ». Une tournée de soixante-cinq dates, baptisée Singles Tour, est organisée, et le public est au rendez-vous.

En 2001, Depeche Mode revient avec l'album Exciter, qui se classe très rapidement en tête des ventes dans différents pays et hormis « quelques commentaires sévères, la majorité des critiques rock saluent la sortie de cet album avec le respect traditionnellement alloué aux intouchables de la pop ». Une tournée de quatre-vingt dates, baptisée « Exciter Tour », est organisée.

Nouvel élan (2003-2010)

En 2003, Martin L. Gore et Dave Gahan sortent respectivement leurs albums solos (Counterfeit² et Paper Monsters, ce dernier faisant son petit effet dans les charts internationaux) avant de se retrouver en janvier 2005 pour enregistrer le nouvel album. Intitulé Playing the Angel, il paraît finalement à l'automne et constitue pour le groupe une nouvelle étape dans sa carrière ; sur cet album, salué par la critique, Dave Gahan, enhardi par son récent succès en solo, signe ses premières chansons (dont les musiques sont co-composées avec Christian Eigner et Andrew Philpott). En sollicitant Ben Hillier à la production (qui avait collaboré avec Blur), DM persiste à se forger un son drainant des guitares saturées et des synthétiseurs hors d'âge. Quelques mois après la sortie de l'album, la formation anglaise se lance dans une nouvelle tournée mondiale, « Touring the Angel », qui se révèle être la plus grande de sa carrière, elle comporte en effet pas moins de 123 concerts et un total de 33 pays visités. Pendant ce temps, Playing the Angel et ses divers singles - dont notamment le premier édité Precious - rencontrent un vrai succès dans les classements.

À l'automne 2004, Depeche Mode avait publié un album de remixes intitulé Remixes 81-04 contenant notamment une reprise d’Enjoy the Silence, « réinterprétée » par Mike Shinoda, du groupe Linkin Park. Cette version initialement nommée Enjoy the Silence (Reinterpreted) est éditée en single à cette époque sous le nom d'Enjoy the Silence 04 (avec un mix légèrement différent) et connaît un certain écho dans les charts, atteignant par exemple le Top 10 au Royaume-Uni et en Allemagne, étant aussi remarquée pour sa vidéo réalisée principalement à base d'animations.

Fin 2006, paraît une compilation (audio et vidéo) intitulée Best Of : volume 1 (sur laquelle figure l'inédit Martyr, issu des chutes de Playing the Angel) puis, l'année suivante, Gahan édite un nouvel album solo, Hourglass, qui n'est suivi d'aucune tournée. En mai 2008, Depeche Mode entre en studio pour enregistrer un douzième album ; celui-ci paraît finalement le 20 avril 2009 et s'intitule Sounds of the Universe. Derrière ce titre pompeux, il dissimule des sonorités audacieuses mettant en valeur les mélodies de Gore, mais aussi celles de Dave Gahan (toujours aidé par Eigner et Philpott pour la musique), obtenant ainsi définitivement sa légitimité d'auteur (qu'il avait entamé sur le précédent album ainsi que sur son album solo Hourglass). Ben Hillier (qui est déjà aux manettes du précédent album) en a assuré la production. Le premier extrait, Wrong, est un single martial aux sonorités synthétiques massives, sans réel refrain (il se rapproche en cela de I Feel You) où Gahan scande le portrait d'un anti-héros à qui rien n'a jamais souri dans son existence. Le deuxième single, Peace, est une ballade électronique sirupeuse qui divise les amateurs du groupe, qui semble se chercher un nouvel hymne pour ses concerts. Une tournée, baptisée Tour of the Universe 2009 débute par un warm-up le 6 mai 2009 à la Rockhal d'Esch-sur-Alzette (Luxembourg) et inclut un concert au Stade de France le 27 juin 2009, un autre au Zénith de Nancy le 28 juin 2009, à Carcassonne le 6 juillet, à Lyon et à Liévin. Pour la Belgique, Depeche Mode est la tête d'affiche de l'édition 2009 du festival TW Classic Werchter se déroulant le 20 juin. Pour la Suisse, trois concerts sont prévus, deux à Zurich et le troisième à Genève le 10 novembre 2009. La conférence annonçant cette tournée a lieu le lundi 6 octobre 2008 au Stade olympique de Berlin où le groupe joue le 10 juin 2009 devant 68 000 personnes.

Le début de cette tournée est marqué par l'annulation de plusieurs dates en raison de l'hospitalisation du chanteur Dave Gahan. En effet, quelques minutes avant de monter sur scène à Athènes (le 12 mai 2009, deuxième véritable concert de la tournée), il est pris d'une violente gastro-entérite. Plus tard, les médecins décèlent une tumeur bénigne à la vessie, et le groupe ne reprend la route que début juin, annonçant des reprogrammations de certaines dates annulées et d'autres dates additionnelles pour l'hiver 2009 et début 2010, notamment au POPB (palais omnisports de Paris-Bercy) les 19 et 20 janvier 2010. Les concerts de Porto et Séville (11 et 12 juillet) font également l'objet d'annulations en raison d'une blessure à la jambe de Dave Gahan. Mais le véritable événement de cette tournée survient le 17 février 2010 lors d'un concert de charité organisé au Royal Albert Hall à Londres quand Alan Wilder rejoint le groupe sur scène le temps d'un titre. Wilder n'était plus apparu sur scène avec le groupe depuis 1994, l'année précédant son départ de DM. Selon Alan « Dave m'a contacté il y a quelques semaines et m'a demandé si je serais prêt à les rejoindre sur scène. Il m'a assuré que les autres étaient d'accord. J'ai été très heureux d'accepter, en particulier car tout cela se faisait dans de bonnes conditions et nous envisagions depuis longtemps une réunion de ce genre. C'était génial de revoir tout le monde et de revenir un peu en arrière, et c'était aussi la première fois que je voyais Depeche Mode en tant que spectateur ! ». Le DVD de la tournée nommé Tour of the Universe : Barcelona 20/21.11.09 sort le 8 novembre.

Delta Machine et Remixes 2: 81-11 (2011-2015)

Des rumeurs indiquent ensuite la sortie d'un album remix pour le début de l'année 2011. Ces rumeurs sont avérées puisque le 23 mars 2011, le groupe confirme sur son site officiel la sortie d'un album de remixes pour le 6 juin de la même année. Cinq jours après cette annonce, une version de Personal Jesus remixée par Alex Metric est alors dévoilée. En mars 2012, Martin Gore confirme lors d'une interview que le groupe doit entrer en studio et espère terminer un nouvel album avant la fin de l'année. Gore ajoute que les retrouvailles avec Vince Clarke pour l'album de VCMG, Ssss, renforcent sa créativité : « c'était un break sympa pour moi... je suis retourné à l'écriture pour le groupe avec beaucoup plus d'entrain après cette expérience ».

Un nouvel album ainsi qu'une nouvelle tournée mondiale sont officiellement annoncés le 23 octobre 2012 à Paris, lors d'une conférence de presse du groupe. L'album, intitulé Delta Machine, sort finalement le 26 mars 2013. Celui-ci reçoit des critiques en majorité positives. Peu après, débute la tournée mondiale de promotion de l'album, nommée Delta Machine Tour, qui commence en France, à Nice, le 4 mai et s'achève en mars 2014 à Moscou, avec la possibilité d'ajouts de dates supplémentaires en Amérique du Sud ainsi qu'en Asie, durant l'été de cette même année.

Spirit, Rock and Roll Hall of Fame et mort d'Andy Fletcher (depuis 2016)

Le 25 janvier 2016 dans l'épisode 68 de The Robcast, Martin L. Gore annonce que le groupe doit se réunir pour enregistrer son prochain album à partir du mois d'avril de cette même année. Le groupe dévoile le 11 octobre 2016 le titre de cet album à paraître le 17 mars 2017 : Spirit. Sa sortie est précédé du single Where's the Revolution publié en février 2017 ; une tournée internationale suit. Cet album est favorablement accueilli par la critique. La tournée, intitulée "Global Spirit Tour", visite plusieurs continents et s'étale sur près d'un an et demi. En septembre 2019, DM annonce la sortie au cinéma de Spirits in the Forest, un documentaire filmé durant cette tournée par Anton Corbijn et qui suit, en parallèle, les histoires de six fans (de nationalités diverses) de la formation anglaise.

En 2020, Depeche Mode rejoint, après vote, le Rock and Roll Hall of Fame. Cependant la cérémonie d'intronisation du groupe, initialement prévue au mois de mai de cette année-là, est reportée en raison de la pandémie de Covid-19.

Le 26 mai 2022, est annoncée la mort d'Andrew Fletcher, à l'âge de 60 ans, membre fondateur de Depeche Mode ayant participé à l'ensemble de la production discographique du groupe, notamment en tant que claviériste.

Style et influences

Le groupe commence sa carrière en tant que quatuor. Leur point de départ est une fascination commune pour le groupe de musique électronique allemand Kraftwerk. Martin Gore déclare : « Je me souviens d’une discussion où nous étions arrivés à cette conclusion : si nous arrivons à faire le lien entre la technologie utilisée par Kraftwerk et des chansons avec de belles mélodies, alors nous arriverons à faire notre trou. L’émotion de Neil Young ou John Lennon transmise via les synthétiseurs de Kraftwerk : c’était mon rêve. De la musique de l'âme jouée par des instruments électroniques ». Martin Gore a aussi cité Elvis Presley, Johnny Cash, the Beatles et les Rolling Stones parmi ses autres artistes préférés. Dave Gahan a nommé les Sparks, Siouxsie and the Banshees et Roxy Music parmi ses groupes préférés.

Hommages et apparitions

Musiques

Johnny Cash reprend Personal Jesus dans l'album American IV: The Man Comes Around en 2002, accompagné par le guitariste des Red Hot Chili Peppers, John Frusciante.

Une seconde version de Viva la Vida met en scène le chanteur de Coldplay en tenue royale, à l'image de Dave Gahan dans Enjoy The Silence ; cette vidéo est tournée par Anton Corbijn en hommage à Depeche Mode. Kruder & Dorfmeister ont remixé la chanson Useless dans l'album K&D Session en 1998.

Marilyn Manson fait une reprise de Personal Jesus. Le groupe Deftones reprend deux titres de Depeche Mode à la fin des années 1990 : Sweetest Perfection, issu de Violator puis To Have and to Hold issu de Music for the Masses. Tori Amos réinterprète à sa manière Enjoy the Silence sur son album de reprises Strange Little Girls. Lacuna Coil, un groupe de métal gothique, a fait une reprise du célèbre titre Enjoy the Silence, dans leur album Karmacode, en 2006. Rammstein reprend en 1998 Stripped sur l'album For the Masses : A Tribute to Depeche Mode (avec d'autres artistes comme The Cure, Smashing Pumpkins, Gus Gus, etc.) et réalisent un clip du single en utilisant des extraits du film de propagande de la cinéaste Leni Riefenstahl Les Dieux du Stade (Olympia) pour les jeux Olympiques de Berlin en 1936.

A-ha reprend A Question of Lust au cours d'une émission radio de la BBC2 avec Dermot O'Leary diffusée le 25 juillet 2009 dans le cadre de la promotion de leur album Foot of the Mountain en Grande-Bretagne. In Flames, groupe de death metal mélodique suédois reprend Everything Counts, dans leur album Whoracle sorti en 1997. Sylvain Chauveau, compositeur et pianiste français rend hommage à Depeche Mode avec l'album Down to the Bone - An Acoustic Tribute to Depeche Mode (2005).

Placebo fait une reprise de I Feel You en 2004. Nouvelle Vague reprend en version bossa nova Just Can't Get Enough et Master and Servant respectivement sur les albums Nouvelle Vague et 3. Real Life reprend Everything Counts dans l'album Send Me an Angel : 80s Synth Essentials. Michael Gregorio reprend Enjoy the Silence dans son spectacle Michael Gregorio pirate les chanteurs, et Personal Jesus dans son spectacle Michael Gregorio en concert(s). Le groupe Indochine reprend Personal Jesus dans l'émission de variétés Taratata. Nina Hagen reprend Personal Jesus en 2010. Shaka Ponk reprend Personal Jesus en 2011 lors des Froggy's Session.En 2005 le groupe rennais Gotham reprend "Personal Jesus".

Le groupe Nada Surf reprend Enjoy the silence en 2010 dans son album If I Had a Hi-fi. Kim Wilde en fait de même (en concert) dans le mini-album Baby Obey Me sorti en 2007 en Allemagne. Susan Boyle reprend également Enjoy the Silence en 2011 dans son album Someone to Watch Over Me. John Lord Fonda reprend Personal Jesus en 2005 dans son album DeBaSer. A Perfect Circle reprend People Are People en 2004 dans son album eMOTIVe.

En 2013, Röyksopp reprend Ice Machine, qui est originellement la face B du premier simple de Depeche Mode, Dreaming of Me (1981).

Jeux vidéo

Pour le jeu Les Sims 2, Electronic Arts et Depeche Mode se sont entendus afin d'inclure Suffer Well, l'un des morceaux de l'album Playing the Angel. La version proposée est cependant un peu différente de celle du disque : les paroles ont été traduites en simlish (le langage incompréhensible parlé par Les Sims). Dans le jeu vidéo Grand Theft Auto: San Andreas, la chanson Personal Jesus peut être entendue sur une des stations de radio virtuelles du jeu, Radio X, alors que dans Grand Theft Auto : Vice City Stories, il s'agit de la chanson Everything Counts que l'on peut entendre sur une autre radio fictive du jeu, Wave 103. Hideo Kojima reprend Wrong en 2012 pour la bande d'annonce du dernier Metal Gear (série) qui s'intitule Metal Gear Rising: Revengeance sorti en février 2013. Dans le jeu vidéo Left 4 Dead 2 développé par le studio Valve, on peut voir un des survivants (Rochelle) porter un tee-shirt à l'effigie de Depeche Mode. Durant le générique de fin du jeu vidéo Injustice : Les dieux sont parmi nous, la chanson Angel, tirée de l'album Delta Machine, peut être entendue.

Membres

Membres actuels

• Martin L. Gore ? guitare électrique, synthétiseur, chant, chœurs (depuis 1980)
• Dave Gahan ? chant (depuis 1980)

Anciens membres

• Andrew Fletcher ? synthétiseur, guitare basse ; de 1980 à 2022. Membre fondateur du groupe avec Vince Clarke, il décède le 26 mai 2022 de mort naturelle, à l'âge de soixante ans.
• Vince Clarke ? synthétiseur ; de 1980 à fin 1981. Il quitte précocement le groupe pour créer avec Alison Moyet l'éphémère duo Yazoo de 1982 à 1983, The Assembly avec le chanteur Feargal Sharkey (ex-Undertones) de 1983 à 1984 puis son groupe actuel, Erasure, dont il reste le compositeur principal depuis 1985.
• Alan Wilder ? synthétiseur, piano, batterie ; de 1982 à 1995. Engagé après le départ de Vince Clarke pour jouer en concert, il s'investit dans le groupe et, assez vite, son apport créatif et ses talents de musicien s'avèrent déterminants. Il quitte le groupe pour continuer une carrière solo, entamée en 1986 sous le nom de Recoil.

Musiciens d'appoint (concerts)

• Christian Eigner ? batterie ; le batteur autrichien collabore avec le groupe depuis la tournée suivant la sortie de la compilation The Singles 86-98. Il collabore également avec Dave Gahan à la composition de huit chansons sur Playing the Angel, Sounds of the Universe et Spirit.
• Peter Gordeno ? synthétiseur, guitare et guitare basse ; musicien de studio et pianiste, Gordeno assure les parties les plus complexes au clavier lors des derniers concerts du groupe (depuis 1998).
• Samantha Smith et Hildia Campbell ? chœurs, sur les tournées Devotional Tour, Exotic Tour et Summer Tour, en 1993 et 1994.
• Jordan Bailey ? chœurs, sur les tournées The Singles Tour en 1998 et Exciter Tour en 2001.
• Janet Cooke ? chœurs, sur la tournée The Singles Tour en 1998
• Georgia Lewis ? chœurs, sur la tournée Exciter Tour en 2001.

Discographie

Notes et références

Annexes

Bibliographie

• (en) Steve Malins, Depeche Mode : a biography, New York, Cooper Square Press, 2001, 247 p. (ISBN 978-0-8154-1142-0)
• Sébastien Michaud, Depeche Mode : éthique synthétique, Malzéville, Camion blanc, 2001 (ISBN 978-2-910196-26-4). Réédition en novembre 2007 avec des modifications de chapitres (ajout de la période 2002-2007 entre autres).
• (en) Jonathan Miller, Stripped : Depeche Mode, Londres, Omnibus, 2004, 596 p. (ISBN 978-1-84449-415-6)
• (en) Stéphanie Lopez, Depeche Mode : book of faith and devotion, Paris, Naïve, 2014, 256 p. (ISBN 978-2-35021-355-2)

Liens externes

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• Ressource relative à l'audiovisuel :
  • (en) Internet Movie Database
• (en) Site de Depeche Mode

The Divine Comedy est un groupe de pop orchestrale nord-irlandais mené par l'auteur-compositeur-interprète Neil Hannon. Formé en 1989 autour de trois musiciens, le groupe devient en 1993 le projet du seul Neil Hannon. La formation du groupe fluctue autour de musiciens plus ou moins récurrents comme Joby Talbot présent sur la majorité des albums. Le nom du groupe provient de la Divine Comédie de Dante Alighieri.

Histoire

En 1989, une première mouture de Divine Comedy sort l'album Fanfare For The Comic Muse, mais le groupe se sépare aussitôt après. Neil Hannon poursuit seul l'aventure Divine Comedy, avec des apparitions ponctuelles d'autres musiciens au gré des albums.

Recentré sur sa chambre de jeune homme, il enregistre, avec les moyens du bord les chansons qui composeront Liberation. Ce premier "véritable" album sort en 1993 et le personnage facétieux de Neil Hannon connaît un grand succès, particulièrement en France. L'année suivante, son frère jumeau, Promenade sort. Doté d'un peu plus de moyens, il évoque souvent l'univers de Peter Greenaway (et le compositeur de musique de ses films, Michael Nyman), mais laisse une large place à l'art (les paroles « The Booklovers » sont une simple suite de nom d'écrivains, les paroles de « When The Lights Go Out » citent A bout de souffle et incluent même un extrait du dialogue final). La France craque définitivement, le jeune homme en tirera alors une chanson d'amour amer, "The Frog Princess", évoquant ses amours avec une animatrice radio française.

Neil Hannon mettra pourtant deux ans à produire ce troisième album qu'est Casanova. Beaucoup plus ambitieux, il laisse le chanteur plein de doutes, et ce n'est que lors d'une rencontre avec la chanteuse Björk, pour le magazine Les Inrockuptibles, et sur les encouragements de cette dernière, qu'il reprendra confiance en lui. L'album sortira en 1996 et implantera durablement le jeune homme dans le paysage de la pop anglaise de l'époque. Il enchaîne alors avec un mini-album enregistré avec un grand orchestre A Short Album About Love qui sort en 1997. Sept chansons d'amour écrites dans l'urgence, la petite histoire voulant qu'après avoir fait du ski nautique, Neil Hannon comprenne que sa vie ne tenait qu'à un fil, et qu'il ne fallait donc jamais perdre de temps... L'album sera suivi d'une tournée symphonique qui laissera l'artiste et son label exsangues.

En 1998, il signe Fin de Siècle, dernier album pour son label d'origine (les Anglais de Setanta), un album où l'Irlandais a fait visiblement le tour des orchestrations et des univers pompiers. Il sera reçu timidement par la critique, le poussant à une grande remise en cause, qui donnera Regeneration.

En 2001, Neil Hannon souhaite que The Divine Comedy devienne un vrai groupe et que chacun puisse s'exprimer. C'est ainsi que le groupe sort un album plus commun, Regeneration, produit par Nigel Godrich, producteur de Radiohead, avec une grande place laissée aux guitares. Paradoxalement, cet album marque la fin du groupe. Hannon se rend compte qu'il souhaite écrire une musique très orchestrée, incompatible avec une configuration de groupe dans laquelle tout le monde s'exprime. Il dissout alors le groupe et continue seul (tout en conservant le même nom de groupe).

En 2004, sort Absent Friends (écrit entre 2001 et 2003), qui renoue avec le style des années 90 du groupe. Hannon le vit comme un retour aux sources. En 2006 sort le dernier album Victory for the Comic Muse, dont le nom fait référence au roman Avec vue sur l'Arno ("I have won a great victory for the comic muse"). On peut également noter la présence de l’accordéoniste Yann Tiersen dans l'une des chansons, Sticks and Stones. Hannon interprète par ailleurs en 2005 So Long, and Thanks For All The Fish de la bande son originale de H2G2 : le Guide du voyageur galactique composée par son ami Joby Talbot.

Membres du Groupe

Membres passés et présents

• Bryan Mills
• Chris Worsey
• Grant Gordon
• Ivor Talbot
• Joby Talbot
• John Allen
• John McCullagh
• Kevin Traynor
• Miggy Barradas
• Natalie Box
• Rob Farrer
• Simon Little
• Stuart 'Pinkie' Bates
• Lucy Wilkins
• John Evans

Discographie

Albums studios

• Fanfare for the Comic Muse (07/1990)
• Liberation (16/08/1993)
• Promenade (28/03/1994)
• Casanova (29/04/1996)
• A Short Album About Love (10/02/1997)
• Fin de siècle (31/08/1998)
• Regeneration (12/03/2001)
• Absent Friends (29/04/2004)
• Victory for the Comic Muse (19/06/2006)
• Bang Goes the Knighthood (31/05/2010)
• Foreverland (02/09/2016)
• Office Politics (07/06/2019)

Autres albums

• A Secret History... The Best of the Divine Comedy (30/08/1999) - Compilation
• Live at Somerset House (17/07/2010) - Concert Live
• Loose Canon - Live in Europe 2016-2017 (16/02/2018) - Concert Live

Singles

• Something for the Weekend (1996)
• Becoming More Like Alfie (1996)
• Comme beaucoup de messieurs (version française de Becoming More Like Alfie, avec Valérie Lemercier - 1996)
• The Frog Princess (1996)
• Everybody Knows (Except You) (1997)
• Generation Sex (1998)
• The Certainty of Chance (1998)
• National Express (1999)
• The Pop Singer's Fear of the Pollen Count (1999)
• Gin Soaked Boy (2000)
• Love What You Do (2001)
• Bad Ambassador (2001)
• Perfect Lovesong (2001)
• Come Home Billy Bird (2004)
• Absent Friends (2004)
• Diva Lady (2006)
• To Die a Virgin (2006)
• A Lady Of A Certain Age (2006)
• The Age Of Revolution (2009)
• At The Indie Disco (2010)
• I Like (2010)
• Catherine The Great (2016)
• How Can You Leave Me On My Own (2016)

EP

• Timewatch (1991)
• Europop (1992)
• Indulgence No.1 (1993)
• Indulgence No.2 (1994)
• Bavarian EP (2005) (téléchargeable sur le site officiel)

DVD

• Live At The Palladium (2004)

Autres Projets

• The Duckworth Lewis Method (2009)
• Cathy, collaboration avec Rodrigo Leão (2009)
• Army of Tears, collaboration avec Cathy Davey (2010)
• Sticky Wickets (2013), par The Duckworth Lewis Method

Neil Hannon a également composé diverses chansons pour d'autres interprètes, dont Jane Birkin (album Fictions en 2006) et Tom Jones (album Reload en 1999). Aussi comme interprète dans les chœurs de "No Regrets" de Robbie Williams, avec Neil Tennant.

Notes et références

Liens externes

• (en) Site officiel

Il écrit par ailleurs des chansons pour plusieurs autres artistes, tels que Justin Bieber, Taylor Swift, Robbie Williams, James Blunt ou encore les One Direction, BTS.

Biographie

Jeunesse

Edward Christopher Sheeran naît le 17 février 1991 et grandit à Halifax, dans le lieu-dit de Maindreville, en Angleterre. Sa famille s'installe ensuite à Framlingham, petite ville du Suffolk^,. Il est d'origine irlandaise par sa famille paternelle. Membre d'une chorale durant son enfance, il prend d'abord des cours de violoncelle puis s'initie à la musique populaire grâce à son oncle, qui lui offre une guitare « Little Martin LX1 ». Il prend ensuite des cours pour se perfectionner.

À l'âge de 11 ans, il assiste à un concert de l'auteur-compositeur irlandais Damien Rice et réalise qu'il aimerait se lancer dans la chanson. Il sort ensuite à l'âge de 13 ans l'album The Orange Room. Il déménage à Londres, dans un appartement au-dessus du pub T-Bird dans le quartier de Finsbury Park. Ed Sheeran quitte l'école à 16 ans pour se consacrer à la musique. Il commence à se produire sur scène, notamment lors de soirées scènes libres ouvertes aux amateurs.

Carrière musicale

Les débuts

À partir de 2005 (à 14 ans), Ed Sheeran réalise une série de cinq , deux EP auto-produits qui vont changer sa vie.

Il signe un contrat avec le label Asylum Records, filiale d'Atlantic Records, au début de l'année 2011. Son premier album, +, sorti en septembre 2011, atteint la 1^re place des ventes au Royaume-Uni, où il figure parmi les dix meilleures ventes de l'année 2011. L'album connaît également le succès à l'international (n^o 1 en Australie, n^o 5 aux États-Unis et au Canada...), atteignant les 4 millions de copies vendues grâce aux singles The A Team, You need me I don't need you, Lego House (qui se classent tous dans le Top 5 au Royaume-Uni), Drunk, Small Bump et Give me love. The A-Team devient son 1er international et se classe dans le top 10 dans plusieurs pays, lançant la carrière d'Ed Sheeran à travers le monde.

Après avoir joué dans plusieurs festivals britanniques durant l'été 2011, il est récompensé aux UK Festival Awards (en) dans la catégorie « jeune talent ». Fin 2011, le chanteur fonde le label Paw Print Records afin de rééditer ses cinq EP autoproduits avant sa signature chez Asylum. Le 25 novembre, il se produit au Hallenstadion à Zurich lorsque Gary Lightbody (le leader de Snow Patrol) lui propose de participer à leur tournée aux États-Unis.

Lors de l'édition 2012 des Brit Awards, Ed Sheeran remporte deux récompenses : Meilleur artiste solo masculin britannique et Révélation de l'année. Ses disques étaient également nommés dans les catégories Meilleur album et Meilleur single.

Il collabore alors avec les One Direction et écrit des chansons pour leurs albums Up All Night et Take Me Home. En 2012, il compose Everything Has Changed pour l'album Red de Taylor Swift, et fait les premières parties de sa tournée 2013 Red Tour. Il se produit également lors de la cérémonie de clôture des Jeux olympiques d'été de 2012 de Londres en interprétant Wish You Were Here de Pink Floyd, avec Mike Rutherford et Nick Mason. Fin 2013, il signe la chanson I See Fire, générique de fin du film Le Hobbit : La Désolation de Smaug.

La consécration

En 2014, il publie l'album x, qui se classe n^o 1 dans la plupart des pays, et atteint les 14 millions d'exemplaires écoulés, porté par les tubes Sing, Don't, Thinking out loud et Photograph, qui atteignent les premières places des ventes aux quatre coins du monde. Il remporte à nouveau plusieurs récompenses prestigieuses (Album et Artiste de l'année aux Brit Awards, Meilleure performance pop et Chanson de l'année pour Thinking out loud aux Grammy Awards, Meilleur clip pour Sing aux MTV Video Music Awards, Artiste de l'année aux NRJ Music Awards, Meilleur artiste britannique aux World Music Awards...).

La même année, il réalise la bande originale du film Nos étoiles contraires avec la chanson All of the stars, compose la chanson 18 pour le quatrième album des One Direction, et reprend In My Life des Beatles, puis Make it rain de Foy Vance pour la série Sons of Anarchy. En 2015, il donne plusieurs concerts à Wembley, et sort par la suite une réédition de x avec le DVD live du concert à Wembley (incluant un CD avec quelques nouveaux titres, dont un duo avec Nekfeu). Il compose également le tube Love yourself de Justin Bieber.

÷ et Divide (2017-2019)

Le 13 décembre 2015, Ed Sheeran annonce sur Instagram qu'il prend une pause d'un an, loin des réseaux sociaux.

En 2016, un an plus tard jour pour jour, il fait son retour sur les réseaux sociaux et dévoile deux nouveaux titres le 6 janvier 2017, Castle on the Hill et Shape of You, qui rencontrent un immense succès international.

L'album ÷ sort le 3 mars et se classe n^o 1 des ventes dans tous les pays du monde, s'écoulant à 4 millions de copies en 10 jours. Un autre single de l'album, Perfect, sort et rencontre également un succès massif, se classant n.1 dans plusieurs pays.

En 2019, après la sortie de son album Divide ? vendu à plus de 15 millions d'exemplaires dans le monde entier ? puis une tournée, le Divide Tour, Ed Sheeran décide de faire une longue pause médiatique.

N°6 Collaboration Project (2019-2020)

Il revient en 2019 avec le titre I don't care, né d'une collaboration avec Justin Bieber. Ce duo marque la sortie d'un nouvel album intitulé N°6 Collaborations Project.

Cet opus comprend un autre duo, réalisé avec Khalid sur la chanson Beautiful People. L'album s'est vendu à plus de 100 000 exemplaires^,.

Bad Habits (2021)

Le 25 juin 2021, Ed Sheeran dévoile son nouveau single intitulé Bad Habits. Dans le clip, le chanteur change radicalement d'image, nous le percevons en vampire, en train de contrôler le monde alors en panique. Dans le clip toujours, Ed Sheeran prend un individu dans les bras, il s'agit de lui-même avec son image lisse. Ce dernier coule littéralement dans les bras de Ed -le vampire-.

Le 8 février 2022, lors des Brits Awards 2022, Ed Sheeran surprend en interprétant en live une toute nouvelle version de Bad Habits en collaboration avec le groupe de Metal britannique Bring Me The Horizon. Cette version Rock/Metal fait rapidement le tour d'internet, à tel point que les fan des deux artistes réclament une version studio. La chanson sort officiellement sur les plateformes de Streaming le 17 février 2022.

Cinéma et télévision

En 2015, il apparaît dans la série The Bastard Executioner.

En 2016, il fait une apparition dans le film Bridget Jones Baby, dans lequel il interprète son propre rôle.

En 2017, il fait une brève apparition dans l'épisode 1 de la saison 7 de Game of Thrones : les producteurs de la série souhaitaient faire plaisir à l'actrice Maisie Williams, fan du chanteur. Sa prestation reçoit un accueil mitigé, plusieurs critiques considérant que son caméo n'apporte rien à l'épisode.

En 2019, il interprète son rôle dans le film Yesterday.

En 2021, il interprète dans le film Red Notice, avec Dwayne Johnson, Gal Gadot et Ryan Reynolds, son propre rôle, par un effet de surprise comique.

Accusations de plagiat

En mars 2017, la star admet s'être inspiré du tube de 1999 No Scrubs chanté par le groupe TLC pour écrire sa chanson Shape of You après que de nombreux commentateurs ont comparé les deux titres. Il ajoutera par la suite les auteurs de No Scrubs dans les crédits de son titre, ce qui lui évite le risque d'être poursuivi pour plagiat.

En avril 2017, il trouve un accord à l'amiable avec deux autres auteurs-compositeurs qui avaient lancé une procédure pour plagiat contre lui. Thomas Leonard et Martin Harrington accusaient alors la star d'avoir repris dans son titre Photograph la mélodie de leur composition Amazing chanté par Matt Cardle.

En juillet 2018, l'artiste est accusé d'avoir plagié Let's get it on de Marvin Gaye avec son titre Thinking out loud. Les plaignants sont Edward Townsend, co-auteur du morceau de Marvin Gaye, et la société Structured Asset Sales, détenteur d'un tiers des droits de la chanson originale réclament plus de 85 millions d'euros (soit 100 millions de dollars) de dédommagement. Selon leurs appréciations, le titre présente des fortes similitudes instrumentales notamment au niveau de « la mélodie, le rythme, les harmonies, la batterie, la ligne de basse, les chœurs, le tempo, le placement des syncope et les boucles »^,.

En décembre 2018, le chanteur arrive à un accord à l'amiable avec les auteurs-compositeurs Sean Carey et Beau Golden qui avaient portés plainte contre lui pour avoir copié le succès australien When I found you qu'ils ont créés pour la chanteuse Jasmine Rae en 2015.

En janvier 2019, la demande de non-lieu du chanteur dans l'affaire concernant le supposé plagiat de Lets get it on de Marvin Gaye est rejetée. Le juge renvoie l'affaire devant un jury. Dans son jugement rendu public, il justifie sa position en pointant « des similitudes substantielles entre plusieurs des éléments musicaux des deux œuvres », notamment la ligne de basse et les percussions.

Vie privée

Son frère aîné Matthew est compositeur de musique classique.

Ed Sheeran a entretenu une brève relation avec la chanteuse écossaise Nina Nesbitt (qui apparaît dans son clip Drunk) en 2012. Il parle d'elle dans les chansons Nina et Photograph, tandis que l'album Peroxide de Nesbitt évoque Ed Sheeran.

Lors d'une tournée mondiale en 2015, l'artiste souffre d'addiction à l'alcool.

Après avoir fréquenté Ellie Goulding durant l'été 2013, il part faire le tour du monde avec sa compagne Cherry Seaborn en 2016.

En janvier 2018, il annonce, sur son compte Instagram, s'être fiancé à Cherry Seaborn à la fin de l'année 2017. Le couple se marie en 2019. En août 2020, Cherry Seaborn met au monde leur premier enfant, une fille nommée Lyra Antarctica Seaborn Sheeran.

En octobre 2021, le célèbre chanteur est atteint de la Covid-19. Il est donc dans l'obligation de se placer en isolement et donc de donner des performances à partir de chez lui.

En mai 2022, le couple annonce sur Instagram que la famille s'est agrandie avec la naissance d'une deuxième petite fille.

Style et influences

Sa musique est décrite comme un mélange de pop acoustique, de rock, de folk et de hip-hop. Il allie ces trois styles musicaux pour donner un rendu artistique qui lui est propre.

À 10 ans, Ed Sheeran connaissait l'album The Marshall Mathers LP d'Eminem par cœur, affirmant que cela lui a permis de ne plus bégayer.

Jamie Lawson est le premier artiste à signer sur le label d'Ed Sheeran, Gingerbread Man Records.

Discographie

• + (2011)
• x (2014)
• ÷ (2017)
• No.6 Collaborations Project (2019)
• = (2021)

Filmographie

• 2015 : The Bastard Executioner - 5 épisodes : Sir Cormac
• 2016 : Bridget Jones Baby de Sharon Maguire : lui-même
• 2017 : Game of Thrones - saison 7, épisode 1 : un soldat des Lannister
• 2018: Les Simpson - 1 épisode: Brendan
• 2019 : Yesterday de Danny Boyle : lui-même
• 2019 : Modern Love : Mick (2 épisodes)
• 2021 : Red Notice de Rawson Marshall Thurber : lui-même

Tournées

• 2011 - 2013 : + Tour
• 2014 - 2015 : x Tour
• 2017 : Divide Tour (÷ Tour)
• 2022 - 2023 : +-=÷x Tour

Distinctions

Décoration

• Membre de l'Ordre de l'Empire britannique (MBE). Décoré par la Reine Élisabeth II à l'occasion de la Queen's Birthday Honours List le 17 juin 2017.

Distinctions musicales

Notes et références

Liens externes

• (en) Site officiel
• Ressources relatives à la musique :
  • Discogs
  • Last.fm
  • Shazam
  • SoundCloud
  • (en) AllMusic
  • (en) Billboard
  • (en) Carnegie Hall
  • (de) Munzinger Pop
  • (en) MusicBrainz
  • (en) MusicBrainz
  • (en) Muziekweb
  • (en) RollDaBeats
  • (en) Rolling Stone
  • (en) Songfacts
  • (en) Songkick
• Ressources relatives à l'audiovisuel :
  • Allociné
  • (en) AllMovie
  • (en) British Film Institute
  • (en) Internet Movie Database
  • (en) Metacritic
  • (en) Rotten Tomatoes

Girls in Hawaii est un groupe d'indie pop belge. Il se compose initialement de six musiciens natifs pour la plupart de Braine-l'Alleud. Contrairement à ce que pourrait laisser entendre le nom du groupe, ses membres sont tous des garçons. Le batteur du groupe étant décédé le 30 mai 2010, Girls in Hawaii revient en 2012 avec deux nouveaux membres après une pause de deux ans.

Biographie

Premières années et The Winter EP

Le groupe se forme en 2000. À cette période, les deux chanteurs (Lionel Vancauwenberghe et Antoine Wielemans) sont tous deux animateurs d'une troupe scoute de Braine-l'Alleud pendant de nombreuses années (Troupe Tenochtitlan). C'est d'ailleurs dans les greniers des locaux des trois unités (scoute, guide et patro) de la Pomme qu'ils commencent leurs répétitions. Le groupe propose une musique pop rock mélodique dans la tradition indie telle que l'ont développée des groupes comme Grandaddy ou Pavement. Ils donnent leur premier concert en 2001 à l'Ihecstival, festival des étudiants de l'Ihecs, école de communication à Bruxelles où plusieurs membres du groupe étaient étudiants. Ils sortent un premier EP en février 2003 (Found In The Ground - The Winter EP) sur le label indépendant belge 62TV (qui s'est aussi occupé de groupes comme Venus ou Flexa Lyndo)^,,.

Succès (2003-2010)

Peu de temps après leur premier album, GIH donne plusieurs concerts dans différents festivals en Europe et enregistre son premier album. From Here To There sort en novembre 2003 en Belgique, en France (au label Naïve), en Espagne, en Italie, et en Allemagne. Le groupe participe aux grands festivals d'été, de Werchter à Benicàssim, et l'album est distribué jusqu'au Japon, et aux États-Unis (sortie en octobre 2005 au label indépendant China Shop). Le groupe entame une mini-tournée acoustique aux États-Unis en avril 2006. From Here To There est vendu à plus de 60 000 exemplaires^,.

Le deuxième album, Plan Your Escape, sort en février 2008, soit quatre ans après le premier. Il atteint la première place des classements français. Plus éclectique et moins évident que son prédécesseur, le disque est enregistré dans plusieurs vieilles maisons délabrées dans les Ardennes avec l'aide de Jean Lamoot (qui a travaillé avec Noir Désir et Alain Bashung entre autres). Le premier single extrait est This Farm Will End Up In Fire ; une tournée européenne suit. En mai 2009, un documentaire relatant la vie du groupe lors de cette tournée, Not Here, sort en DVD. Deux titres sont retirés au dernier moment avant le pressage des albums. Les albums promotionnels comptent deux titres de plus que les albums commercialisés, il s'agit de Grasshopper et Coral (joués pendant la tournée). Le groupe fait paraître une version Deluxe contenant ces deux titres.

Sombre période (2010-2011)

Denis Wielemans, batteur des Girls in Hawaii, décède le 30 mai 2010 lors d'un accident de voiture à Bruxelles. En 2010, le groupe enregistre deux chansons du duo électroclash Soldout, dans une version acoustique, I Don't Want to Have Sex With You et The Keys. Ces chansons figurent dans le disque Dead Tapes de Soldout.

En 2011, Girls in Hawaii ne réapparait pas au sein de la création Congotronics vs Rockers, un projet qui rassemble des groupes congolais (Konono N°1 et Kasai Allstars) et des artistes européens (Deerhoof, Juana Molina, ou Girls In Hawaii). Cette formation devait se produire aux Vieilles Charrues, au Festival de Roskilde, au Paléo Festival ainsi qu'aux Nuits Botanique 2011. Aux Nuits Botanique, premier festival de leur tournée, ils annulent leur participation et sont remplacés par le groupe également belge des Hoquets sur l'ensemble des festivals.

Retour (depuis 2012)

Le 7 septembre 2012, le groupe Girls in Hawaii annonce via les réseaux sociaux Facebook et Twitter commencer à travailler sur un nouvel album. Au même moment, GIH se trouve dans une résidence prêtée par le Festival Deep In The Woods, où il joue du 7 au 9 septembre 2012. De plus, le site Internet officiel du groupe qui était abandonné depuis la mort du batteur le 30 mai 2010, rouvre avec une image représentant une montagne. Pour l'occasion, deux nouveaux membres ont rejoint les quatre membres du groupe restants, Christophe Leonard ayant lui aussi quitté le groupe. Le premier est François Gustin (Hallo Kosmo, The Tellers, Mièle, Le Yéti) au clavier, ainsi qu'Andy Reinhard, à la batterie. Le 8 septembre 2012, pour remercier les fans du soutien qu'ils ont apporté, GIH publie une vidéo sur YouTube montrant le paysage depuis leur résidence au festival Deep in the Woods avec un extrait d'une probable nouvelle chanson.

Le 18 mars 2013, après plusieurs mois de silence, le groupe annonce le premier EP, tiré de leur troisième album prévu pour le 2 septembre 2013. Cet EP se nomme Misses, et devrait sortir durant le Record Store Day, le 20 avril 2013. Le 8 avril 2013, le groupe diffuse le clip de leur nouveau single, Misses sur YouTube, réalisé par Olivier Cornil. L'enregistrement du 3^e album du groupe, intitulé Everest s'est effectué avec Andy Reinhard à la batterie, mais ce dernier a quitté le groupe juste avant le début des tournées promotionnelles de l'album. Boris Gronemberger rejoint le groupe, à la place d'Andy. Le 15 août 2013, le groupe diffuse le clip de leur 2^e single, Not Dead sur YouTube, réalisé par Wim Reygaert^,.

Le 17 octobre 2014, le groupe annonce la sortie de Hello Strange, album live enregistré en Belgique. Le groupe y revisite d'anciens morceaux et leur donne une couleur acoustique, d'autres morceaux sont revisités de façon très électronique. [1]

En 2015, les Octaves de la musique, qui récompensent chaque année les meilleurs artistes belges francophones de l'année, décernent à Girls in Hawaii le prix Jeff Bodart de la Sabam, saluant leur rayonnement scénique à l'étranger.

Nocturne (2017)

Le 29 mai 2017, le compte YouTube officiel du groupe se voit gratifié du clip d'un single intitulé "This Light" ainsi que, le 28 août 2017, du single "Walk" aux sonorité plus électro. Ces deux singles sont issus de l'album "Nocturne" comprenant 10 titres et dont la date de sortie est annoncée pour le 29 septembre 2017 Il s'agira du 5e album studio du groupe.

Discographie

Le groupe possède à son actif une maquette, quatre albums studio, un album live, cinq EP, et deux DVD live.

Membres

Notes et références

Liens externes

• Site officiel
• Girls in Hawaii, à l'Olympia - mai 2008

Voici la discographie de l'auteur-compositeur-interprète belge Gotye, composée de 3 albums studio et 6 singles.

Discographie

Albums studio

Autres albums

EP

• Heart's a Mess remix EP (2009)

Singles

Autres chansons classées

Singles promotionnels

Bande Annonce

• Whip It: Original Motion Picture Soundtrack (2009) - Learnalilgivinanlovin
• Going the Distance : Original Motion Picture Soundtrack (2010) - Learnalilgivinanlovin

Notes et références

Jeanne Added est une autrice-compositrice-interprète française, née à Reims le 25 septembre 1980. Après une carrière d'interprète pour de nombreux musiciens de jazz, elle publie en 2011 un premier EP, et son premier disque Be Sensational en 2015. Elle chante essentiellement en anglais.

Jeanne Added a été doublement récompensée aux Victoires de la musique 2019 dans les catégories Artiste féminine et album rock (pour Radiate).

Biographie et carrière

Débuts

Née à Reims en 1980, Jeanne Added est la fille d'un metteur en scène et d'une travailleuse sociale. Elle étudie le violoncelle et le chant lyrique au conservatoire national de région de sa ville natale puis le jazz à Paris. Elle participe aux stages de la compagnie Lubat à Uzeste, où elle rencontre Bernard Lubat et André Minvielle. En 2001, elle intègre le Conservatoire national supérieur de musique et de danse de Paris, CNSMDP, où elle est la première admise dans la classe de jazz, puis à la Royal Academy of Music de Londres.

En 2005, à sa sortie du CNSM, elle est sollicitée par des musiciens aux parcours aussi variés que Vincent Courtois, Denis Charolles, Riccardo Del Fra, Pierre de Bethmann, Jean-Philippe Viret, John Greaves, Baptiste Trotignon, Yves Rousseau (pour chanter du Léo Ferré), Stéphane Kerecki. Elle devient également membre actif du trio Yes Is A Pleasant Country en compagnie de Vincent Lê Quang et Bruno Ruder, trio nommé aux Victoires du jazz 2011^,,.

Depuis 2008 et la commande du festival Vague de Jazz, elle se produit en solo, accompagnée d'une basse électrique, jouant un répertoire de chansons de sa composition ainsi que de quelques reprises.

En 2011, elle est invitée par le groupe The Dø à faire leur première partie sur leur tournée d'automne, et sort son EP réalisé par Maxime Delpierre, sur le label Carton records^,. Elle joue toute la saison 2012-13 en duo avec Marielle Châtain (The Dø)^,, puis enregistre un duo Now or never, reprise d'Elvis Presley, sur le disque de Rachid Taha.

Premier album

En 2014, elle signe chez Naïve Records alors qu'elle termine l'enregistrement de son premier disque réalisé par Dan Levy de The Dø. En décembre, elle est l'invitée des Trans Musicales de Rennes où elle se produit cinq soirs d'affilée sur la scène de l'Aire Libre. Elle est pour l'occasion accompagnée de Narumi Hérisson aux claviers et Anne Paceo à la batterie^,,,. Elle est aussi présente à Lille pour la première partie de Soko, au printemps 2015.

A War Is Coming, le premier titre de son premier album Be Sensational, sort le 1^er décembre 2014. Son premier EP 3 titres est disponible depuis le 23 février 2015 et son album Be Sensational sort le 1^er juin 2015.

En 2016, Jeanne Added est nommée aux Victoires de la musique dans la catégorie Album révélation de l'année, elle est finaliste au prix Talent W9, remporte le prix du nouveau talent au Prix de la création musicale, et deux prix au Ouï Fm Rock Award. Ce sera la 5^e artiste la plus programmée dans les festivals l'été 2016.

Deuxième album

Le 4 mai 2018, France Inter diffuse Mutate, nouveau single annonçant l'album Radiate qui sort le 14 septembre 2018^,,, co-produit avec le duo électro franco-écossais de musique électronique Maestro (Mark Kerr et Frédéric Soulard).

Le 21 juin 2018, Jeanne Added se produit en concert - en tête d'affiche - au Château de Marsillargues dans le cadre de la Fête de la musique organisée par le Ministère de la Culture.

Le grand public la découvre sur France Télévision dans deux émissions où elle est invitée à promouvoir son nouvel album Radiate : le 9 octobre 2018 dans l'émission C à vous où elle interprète en live le titre Both Sides, et dans la nuit du 24 au 25 novembre 2018 dans l'émission On n'est pas couché où elle interprète en live le titre Mutate (accompagnée du percussionniste Emiliano Turi).

Après avoir donné un concert parisien le 30 octobre 2018 au Trianon suivi d'une tournée en France, Jeanne Added se produira à nouveau le 3 avril 2019 au Zénith Paris - La Villette.

Discographie

Albums studio

EP

Participations

• 2004 : Frida, de Leïla Olivesi (Attention Fragile)
• 2005 : Tootya, de Toufic Farroukh
• 2006 : What Do You Mean By Silence?, de Vincent Courtois Quartet
• 2007 : Oui de Pierre de Bethmann (Plus Loin)
• 2007 : Poète, vos papiers !, de Léo Ferré et Yves Rousseau Quartet (avec Claudia Solal)
• 2008 : Verlaine, de John Greaves
• 2009 : Cubique de Pierre de Bethmann (Plus Loin)
• 2011 : Yebunna Seneserhat, du Bruit du [Sign]
• 2011 : Verlaine 2 : Divine Ignorante, de John Greaves
• 2011 : Live In Berlin, de Vincent Courtois Quartet
• 2012 : Song Song Song, de Baptiste Trotignon
• 2013 : Zoom, de Rachid Taha
• 2014 : Waimarama, de Franck Monnet
• 2014 : Supersonic Play Sun Ra, de Thomas de Pourquery
• 2014 : Nouvelle Vague, du Stéphane Kerecki Quartet
• 2015 : Wiebo', spectacle de Philippe Découflé et de sa Cie DCA
• 2016 : Trust : Le bureau des Légendes Saison 3 (générique de fin)

Distinctions

Récompenses

• Prix Deezer Adami 2015 : Prix des pros
• Ouï FM Rock Awards 2016 : Prix de l'Artiste et l'Album Rock de l’année - catégorie Indé et le prix de la Révélation française
• Prix de la création musicale 2016: prix du nouveau talent [1]
• Prix Talents W9 2016 : Finaliste
• Victoires de la musique 2019 : Victoire de l'artiste interprète féminine et Victoire de l'album rock pour Radiate

Nominations

• Nomination aux Victoires du jazz 2011 : Artiste ou formation vocale française ou de production française.
• Nomination aux Victoires de la musique 2016 dans la catégorie de l'album révélation de l'année pour Be Sensational.

Notes et références

Liens externes

• Site officiel
• Ressources relatives à la musique :
  • BBC Music
  • Genius
  • MusicBrainz
  • Songkick
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Metronomy est un groupe de musique électronique et alternative formé en 1999 par Joseph Mount à Totnes, ville du sud du Devon en Angleterre. Le groupe actuel est composé de Joseph Mount (compositions, au chant, claviers et guitare), d'Anna Prior (batterie et au chant), d'Oscar Cash (saxophone, claviers, guitare et chœurs), d'Olugbenga Adelekan (basse et chœurs) et de Michael Lovett (guitare, claviers, choeurs). Leur production correspond plus à de la musique instrumentale, où l'instrument prime sur la voix et cela s'est confirmé avec la sortie de l'album Nights Out, album à la fois pop et électro.

Sous le nom de Metronomy, Joseph Mount a aussi fait des remixes d'artistes tels que Gorillaz, Roots Manuva, Franz Ferdinand, Klaxons, Goldfrapp, Young Knives, Zero 7, Ladytron, Paradis, Kate Nash, Lady Gaga et Lykke Li.

Metronomy a sorti cinq albums : Pip Paine (Pay The £5000 You Owe), Nights Out, The English Riviera, Love Letters et Summer 08.

Histoire

Joseph Mount a fondé Metronomy alors qu'il vivait encore dans le Devon. Il s'agissait pour lui d'une œuvre parallèle à ses autres projets. C'est en utilisant un vieil ordinateur que Mount a commencé à faire ses propres compositions électroniques. Le nom du groupe « Metronomy » a été choisi par Mount qui a tout simplement trouvé que cela « sonnait » bien. Avant de déménager à Brighton et de finalement s'installer à Londres, Mount écrit et enregistre la musique. Oscar Cash et Gabriel Stebbing le rejoignent sur scène pour jouer ses morceaux. Leur réputation commence à se construire grâce à des concerts. Cependant, en 2010, Gabriel Stebbing quitte le groupe pour se consacrer à son propre groupe Your Twenties. Puis, Anna Prior et Olugbenga Adelekan rejoignent Mount et Cash : Metronomy obtient alors une nouvelle visibilité.

Après avoir fait paraître un premier album, Pip Paine (Pay The £5000 You Owe), en 2006, Joseph Mount s'est surtout fait connaître grâce à de nombreux remixes. Comme de nombreux artistes contemporains, il a beaucoup utilisé internet et notamment MySpace pour promouvoir sa musique. Il a ainsi mis à disposition de nombreux remixes et reprises d'artistes tels que Britney Spears, Bright Eyes ou U2.

En 2008, le groupe sort les singles My Heart Rate Rapid, Holiday, Heartbreaker (sur lequel figure un remix de Kris Menace), A Thing for Me et Radio Ladio pour finalement sortir l'album Nights Out en septembre.

Début 2011, deux singles, She Wants, et The Look sortent, précédant la parution du troisième album The English Riviera, le 11 avril 2011. Deux autres singles seront extraits de l'album : The Bay et Everything Goes My Way. L'album se classe 17^e au Royaume-Uni et 22^e en France.

Le 11 novembre 2013, le groupe annonce la sortie de son nouvel album intitulé Love Letters le 10 mars 2014, dont le clip du titre éponyme est réalisé par Michel Gondry et dévoile un nouveau single baptisé I'm Aquarius. Ce titre est diffusé pendant une semaine grâce à l'application pour smartphone The Night Sky. Le clip est réalisé par Edouard Salier.

Performances scéniques

Metronomy a tourné à travers toute l'Europe en accompagnant d'autres groupes comme Bloc Party, CSS, Klaxons, Kate Nash et Justice.

Pendant un temps, les concerts de Metronomy se basaient sur un jeu de lumières. En effet, chaque artiste avait sur la poitrine une petite lampe qui clignotait en fonction du rythme de la musique. Mount a expliqué dans une interview d'où lui était venue cette idée : « Nous avons fait nos premiers concerts à Brighton et quelques jours avant, j'avais vu ces petites lampes dans une boutique vendant des objets à prix unique et j'ai pensé que nous devrions les épingler sur nos t-shirts et faire des concerts où la lumière serait rythmée par la musique ! Je suis totalement conscient qu'il y aura autant de personnes qui vont aimer ce principe que de personnes qui vont le détester. Cela rendra juste le concert plus animé ».

Discographie

Albums studio

EP

Compilations & Rééditions

Singles

Remixes

• Magnet - Hold On
• Klaxons - Atlantis to Interzone
• Architecture in Helsinki - Do The Whirlwind
• Roots Manuva - Awfully Deep (Lambeth Blues)
• Kate Nash - Foundations
• Max Sedgley - Slowly
• Gorillaz - El Mañana
• Good Shoes - Morden
• Charlotte Gainsbourg - 5:55
• Zero 7 - Futures
• Get Cape. Wear Cape. Fly - I-Spy
• Dntel - The Distance
• The Young Knives - Weekends and Bleak Days (Hot Summer)
• Dead Disco - The Treatment
• The Infadels - Love Like Semtex
• Sébastien Tellier - La Ritournelle
• Hot Club de Paris - Clockwork Toy
• Box Codax - Naked Smile
• Temposhark - Not That Big
• Ladytron - Sugar
• Charlie Alex March - Piano Song
• Franz Ferdinand - Do You Want To
• Paradis - Recto Verso
• Love Is All - Spinning and Scratching
• Late of the Pier - The Bears Are Coming
• Goldfrapp - Happiness
• Lykke Li - I’m Good I’m Gone
• Midnight Juggernauts - Into The Galaxy
• CSS - Move
• Ximena Sariñana - La tina
• K.D. Lang - Coming Home
• The Very Best - Warm heart of Africa
• Joakim - Spiders
• Air - So Light Is Her Footfall
• Lady Gaga - Yoü and I
• Diplo - Newsflash

Production

• Roots Manuva - Let The Spirit - Slime & Reason
• Your Twenties - Long Forgotten Boy

Remixes et reprises non distribués

• Britney Spears - Toxic
• Bright Eyes - Gold Mine Gutted
• The Cure - Fascination Street
• U2 - City Of Blinding Lights
• Scissor Sisters - Other Side
• The Customers - Morning Sickness

Notes et références

Liens externes

• Site officiel
• Ressources relatives à la musique :
  • AllMusic
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  • Rolling Stone
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  • (en) Billboard
  • (en) Discogs

Septième d'une famille de neuf enfants, il chante avec ses frères dès l'âge de six ans et débute une carrière professionnelle à l'âge de onze ans au sein des Jackson Five, groupe formé avec ses frères aînés. Tout en restant membre du groupe, il entame en 1971 une carrière solo. Sept de ses albums solo parus de son vivant figurent parmi les albums les plus vendus au monde : Off the Wall (1979), Thriller (1982), Bad (1987), Dangerous (1991), HIStory (1995) Blood on the Dance Floor (1997) et Invincible (2001).

Dans les années 1980, Michael Jackson devient une figure majeure de la musique pop et l'une des personnalités les plus célèbres du XX^e siècle. Il révolutionne l'industrie du disque, notamment en concevant des clips musicaux comparables à des courts-métrages de cinéma, comme Beat It, Billie Jean, Thriller, Bad ou Smooth Criminal. Au cours de ses concerts, vidéos et apparitions publiques, il popularise largement de nombreux pas de danse, dont le Moonwalk, qui devient sa signature. Ayant fusionné les genres de musique soul, funk et rock, son style vocal et musical continue d'influencer nombre d'artistes de hip-hop, pop et R'n'B contemporain.

Surnommé « The King of Pop » (« Le Roi de la pop »)^,, Michael Jackson a battu nombre de records de l'industrie du disque. Au total, ses ventes s'élèvent à environ 1 milliard d'exemplaires, ce qui le classe parmi les trois plus gros vendeurs de disques de tous les temps, avec les Beatles et Elvis Presley. Thriller, avec des estimations de vente variant entre 51 et 65 millions d'exemplaires, est quant à lui l'album le plus vendu de l'histoire^,,,. Michael Jackson a remporté plus de prix que n'importe quel autre artiste et a été élu Artiste du Millénaire aux World Music Awards en 2000.

Michael Jackson donné plus de 400 millions de dollars à des œuvres caritatives, notamment grâce à sa tournée Dangerous World Tour. Toutefois, son image publique a été considérablement ternie à cause de certains aspects de sa vie privée, notamment ses recours à la chirurgie esthétique, son mode de vie jugé excentrique par les tabloïdes, ainsi que deux accusations d'abus sexuel sur mineur. L'une n'a pas connu de suite judiciaire et l'autre a abouti à un procès, au terme duquel Michael Jackson a été acquitté. Ses deux mariages et ses trois enfants sont également à l'origine de polémiques, notamment concernant sa paternité. En 2010, le FBI rend public le dossier de Michael Jackson, dans lequel les autorités soulignent n'avoir trouvé aucune preuve ou comportement chez Jackson qui soutiendrait les accusations passées.

Michael Jackson meurt le 25 juin 2009, par « homicide accidentel » lié à une overdose de médicaments. Le 7 novembre 2011, à l'issue d'un procès de neuf semaines, le D^r Conrad Murray, son médecin personnel, est reconnu coupable d'homicide involontaire par la Cour supérieure de Los Angeles.

Biographie

Famille, enfance et Jackson Five (1958-1975)

Famille et enfance

Michael Jackson, né le 29 août 1958, est le septième enfant de la famille Jackson, qui en compte neuf. Ses parents, Joseph Jackson et Katherine Esther Scruse, ont eu dix enfants en tout, mais le frère jumeau de Marlon est mort quelques heures après sa naissance. La famille vit dans une petite maison avec deux chambres dans la ville ouvrière de Gary, dans l'Indiana, en banlieue sud-est de Chicago. Joseph Jackson est guitariste dans un groupe R'n'B appelé « The Falcons », gagne modestement sa vie en travaillant dans une aciérie, tandis que Katherine élève les enfants et travaille de temps en temps pour rapporter de l'argent au foyer. Contre la volonté de son mari, elle élève ses enfants comme témoins de Jéhovah. Michael Jackson finira par quitter ce mouvement en 1987.

Joseph Jackson est un père de famille très autoritaire, qui impose des règles strictes à ses enfants, comme l'interdiction de sortir de chez eux le soir lorsqu'il travaille de nuit ou de fumer. Dans une interview réalisée par Martin Bashir en 2003, Michael Jackson raconte qu'il les maltraitait physiquement et mentalement et que son père se moquait régulièrement de son apparence physique en l'appelant « gros nez ». Il avait aussi constaté plusieurs difficultés émotionnelles qui le faisaient souffrir : cauchemars, troubles de sommeil, grande insatisfaction quant à son corps, comportement hyper-docile et tendance à rester enfantin - des difficultés compatibles avec les effets de la maltraitance chronique que Michael Jackson a vécu en tant que jeune enfant.

La famille baigne cependant dans la musique dès le plus jeune âge, et Joseph joue de la guitare pendant que les enfants chantent. Sa guitare leur est normalement interdite, mais Tito, le troisième de la famille, en joue de temps en temps lorsque son père est absent. Quand une corde est cassée, ce dernier menace ses enfants de les battre s'ils ne lui montrent pas qu'ils savent bien en jouer. C'est à ce moment-là qu'il réalise que Tito et ses frères ont un réel talent. Il offre alors sa propre guitare à Tito et une basse à Jermaine. Vite rejoints par Marlon et Michael en 1964, ils forment un groupe baptisé « The Jackson Five » sur proposition d'un de leurs voisins. Michael en devient le chanteur principal grâce à sa voix plus mûre que son âge et à son habileté à reproduire les pas de danse de James Brown.

The Jackson Five

Les Jackson 5 (ou encore Jackson Five) commencent à se produire à Gary, remportant tous les concours auxquels ils participent et acquérant une certaine réputation dans la ville. Joseph décide alors de mettre à profit leur talent et leur obtient des engagements, le week-end, à Chicago, New York et Philadelphie. Les cinq garçons continuent à fréquenter l'école en semaine. En 1968, Joseph annonce à sa famille qu'ils déménagent à Detroit, car Berry Gordy, alors président de la Motown, les appelle pour une audition. Le groupe, officiellement présenté à la presse par leur marraine Diana Ross en août 1969, devient un des plus populaires de l'écurie Motown, label composé principalement d'artistes noirs. À cette occasion, Joseph écrit le premier tube du groupe : I Want You Back. La Motown répand la rumeur que c'est Diana Ross elle-même qui les a découverts et a décidé de les présenter au PDG de la maison de disques. Au moment de signer le contrat, la Motown et toute la famille Jackson déménagent de Detroit à Los Angeles.

Le premier succès national des Jackson Five est I Want You Back, extrait de l'album Diana Ross Presents The Jackson 5, qui devient numéro un au classement Billboard des singles pop le 31 janvier 1970. Michael a alors 11 ans et demi. Trois autres extraits de l'album deviennent également numéro un en 1970^, : ABC, également en lice pour un Grammy Award, The Love You Save, et I'll Be There, qui reste numéro un pendant cinq semaines en octobre et novembre. C'est la première fois que les quatre premiers singles d'un groupe américain deviennent tous numéro un. L'ascension des Jackson Five est vertigineuse et le jeune Michael devient le chouchou du public. Leur popularité commence à décroître vers 1972, mais ils obtiennent encore un succès avec Dancing Machine, qui atteint la deuxième place des classements en mai 1974.

Début de carrière solo

Parallèlement à sa carrière avec les Jackson Five, Michael Jackson sort quatre albums solo. Got to Be There paraît en janvier 1972 sous le label Motown, alors que Michael a à peine 13 ans. La même année, avec Ben, il acquiert une plus grande maturité vocale, notamment dans les nombreuses ballades de cet album. La chanson-titre homonyme devient son premier n^o 1 solo en 1972 puis, comme elle est tirée du film du même nom, lui vaut un Golden Globe et une nomination aux Oscars. Music and Me comme Forever, Michael, respectivement sortis en 1973 et 1975, ne rencontrent pas le même succès que les deux précédents albums.

Signatures chez Epic et scission de Jermaine

Après Dancing Machine, les Jackson Five se sentent de plus en plus frustrés par le label Motown et se plaignent de ne pouvoir choisir ni leurs morceaux ni leurs instruments. Joe Jackson, longtemps manager du groupe, se plaint également d'avoir perdu son influence au profit de Berry Gordy, président de la Motown. Les membres du groupe estiment par ailleurs que les royalties perçues ne sont pas assez importantes au regard de leur succès. Tous ces éléments d'insatisfaction les forcent à annoncer, en juillet 1975, qu'ils quittent la Motown à la fin de leur contrat, en 1976. Au même moment, ils signent un nouveau contrat avec Epic Records, un label fondé par CBS Records (qui est racheté plus tard et devient une filiale de Sony Music).

Cette séparation est douloureuse pour le groupe car la Motown estime qu'ils ont rompu leur contrat en signant avec Epic avant la fin de leur précédent engagement. Après un procès, la Motown conserve ses droits sur le nom Jackson Five et le groupe se renomme alors « The Jacksons ». La Motown se voit également attribuer le droit d'utiliser les chansons des Jackson Five dans de futures compilations. Cet épisode mène également à la perte d'un des membres du groupe puisque Jermaine, qui s'est marié avec la fille de Berry Gordy, ne suit pas ses frères chez Epic et entame une carrière solo chez Motown. Il est remplacé par le benjamin des Jackson, Randy, déjà apparu dans le groupe en tant que percussionniste. À cette occasion, Michael termine également son contrat le liant à Motown en tant qu'artiste solo, et signe, lui aussi chez Epic. Mais il attend quatre ans pour enregistrer son album solo suivant.

Off the Wall (1976-1981)

Il faut attendre 1978 et l'album Destiny pour prendre la mesure du talent des frères Jackson et plus particulièrement de Michael. Cet album, entièrement produit et écrit par les Jackson, donne deux hits : Blame It on the Boogie et Shake Your Body (Down To the Ground). L'album suivant, Triumph, sort en 1980 et contient notamment les hits Lovely One et Can You Feel It, qui a fait l'objet d'un vidéo clip éblouissant, imaginé par Michael lui-même. Michael éclipse désormais le groupe en chantant ses propres compositions. Un album live paraît en 1981, regroupant des chansons des Jackson Five et des The Jacksons.

En 1978, une chute sur scène lui aurait cassé le nez et l'aurait obligé à subir une première rhinoplastie, qui n'est pas totalement réussie et qui est corrigée par une seconde. Il reconnaît n'avoir subi que ces deux seules rhinoplasties. Beaucoup de rumeurs circulent sur les modifications qu'il aurait apportées à son visage et sur leur nombre : même si certaines sont farfelues, d'autres sont indéniables et poussent les chirurgiens esthétiques à citer Michael Jackson comme l'exemple à ne pas suivre. En 1979, Michael Jackson sort Off the Wall, coproduit avec Quincy Jones, qu'il a rencontré sur le tournage de la comédie musicale The Wiz, près de 2 ans avant. Certaines chansons ont été composées par Rod Temperton, Stevie Wonder et Paul McCartney. L'album remporte un succès mondial et se vend à plus de 20 millions d'exemplaires. De nombreux singles extraits de l'album se hissent en tête des charts. Rock with You devient numéro 1 au Billboard Hot 100 et y reste 4 semaines, de même Don't Stop 'Til You Get Enough (1 seule semaine). La ballade She's Out of My Life intègre le Top 10 du Billboard Hot 100, tout comme la chanson Off the Wall. L'album mêle habilement funk, soul et disco. Malgré ce succès et ces ventes impressionnantes, Michael Jackson n'est nommé, aux Grammy Awards de 1980, que dans la catégorie meilleur chanteur R&B, pour Don't Stop 'til You Get Enough. Accompagné de ses frères, il fera alors la promotion de son album pendant le Triumph Tour, en y interprétant les plus grands succès du disque. Extrêmement déçu de ne pas avoir été nommé pour l'album de l'année, il jure que son prochain album ne sera pas ainsi ignoré.

Thriller, séparation des Jacksons (1982-1985)

Records et révolution engendrés par Thriller

Le 1^er décembre 1982, Michael Jackson sort Thriller, qui remporte un succès immédiat en se vendant à un million d'exemplaires en un mois, et dix millions sur un an. L'album reste dans les classements pendant deux ans et se maintient pendant un total de 37 semaines numéro 1 du classement Billboard. Meilleure vente d'album aux États-Unis en 1983 et 1984, c'est le deuxième disque le plus vendu après le Greatest Hits (1971-1975) des Eagles. Entre 1982 et 1996, il a été certifié à 25 millions d'exemplaires aux États-Unis et 20 millions à l'étranger. En mai 1984, Thriller est reconnu par le Livre Guinness des records comme l'album le plus vendu de tous les temps (25 millions d'exemplaires à l'époque) et les estimations actuelles varient entre 51 et 65 millions d'exemplaires^,,. Avec Thriller, Michael Jackson remporte huit récompenses aux American Music Awards et huit aux Grammy Awards et le 20 novembre 1984, il obtient une étoile sur l'Hollywood Walk of Fame.

Michael Jackson est un témoin de Jéhovah baptisé à l'époque de la sortie de Thriller. Son apparition dans un clip vidéo où il se transforme en loup-garou et en mort-vivant choque nombre de ses coreligionnaires, à tel point qu'il doit publier des excuses dans un journal du mouvement : le Réveillez-vous ! de mai 1984. Malgré ces excuses publiques, Michael quitte le mouvement en 1987. L'album contient neuf titres dont sept sortiront successivement en singles et se classeront dans le Top-10 du Billboard Hot 100 : The Girl Is Mine (octobre 1982), Billie Jean (janvier 1983), Beat It (février 1983), Wanna Be Startin' Somethin' (mai 1983), Human Nature (juillet 1983), P.Y.T. (Pretty Young Thing) (septembre 1983) et Thriller (janvier 1984). Les trois clips vidéo (Billie Jean, Thriller et Beat It) accompagnant l'album Thriller sont de véritables mini-films avec de nombreux effets spéciaux. Le clip de 14 minutes de la chanson Thriller, d'un coût de 1 million de dollars, sorti le 2 décembre 1983, est une des premières vidéos d'un artiste noir-américain à être diffusée à grande échelle sur la chaîne MTV, Thriller est également le seul clip vidéo datant des années 1980 à avoir atteint 100 millions de vues sur YouTube. La cassette vidéo The Making of Michael Jackson's Thriller est devenue à l'époque la plus vendue au monde. L'avocat de Jackson, John Branca, expliqua que Michael Jackson avait le plus haut taux de royaltie de toute l'industrie du disque : approximativement 2 $ par disque vendu. Thriller eut un tel succès qu'il se vendait comme un bien de consommation courant et non comme un produit culturel. En mai 1984, une poupée à l'effigie de Jackson, habillée tout de rouge comme dans le clip Thriller, se vend dans le commerce au prix de 12 dollars.

Le 16 mai 1983, la Motown fête ses 25 ans et Michael apparaît en compagnie de ses frères dans l'émission spéciale Motown 25: Yesterday, Today and Forever, où le groupe interprète ses plus grands titres. Michael Jackson interprète seul la chanson Billie Jean et effectue alors pour la première fois son Moonwalk, où les gens se lèvent pour l'applaudir. Cela étonne même ses frères. Ce pas de danse devient ensuite un de ses pas de danse caractéristiques. Cette interprétation lui vaut un appel et un télégramme de Fred Astaire : « Je suis un vieil homme, j'attendais la relève. Merci. ». Il y interprète aussi avec ses frères Never Can Say Goodbye et I'll Be There. Billie Jean fut la seule chanson n'appartenant pas au répertoire Motown à être interprétée ce soir-là. Le 27 janvier 1984, lors du tournage d'une publicité pour Pepsi-Cola, une étincelle provoquée par des équipements pyrotechniques met le feu aux cheveux de Michael Jackson. Miko Brando, fils de l'acteur Marlon Brando, est la première personne à lui venir en aide et Michael est amené d'urgence au Cedars Sinai Hospital pour des brûlures au deuxième et troisième degrés du cuir chevelu. Les équipements pyrotechniques se trouvaient à seulement deux pieds (60 cm) de sa tête, une entorse grave aux règles de sécurité. Les images de son entrée aux urgences sur un brancard, le crâne recouvert d'un grand bandage et sa main gantée saluant la foule, font rapidement le tour du monde. Il doit subir des greffes de cuir chevelu et plusieurs interventions chirurgicales. Les traitements douloureux et répétés le forcent à soigner sa condition par des anti-douleurs, auxquels Michael développe une certaine dépendance. Michael Jackson en étonne plus d'un en choisissant de ne pas poursuivre Pepsi-Cola. Il décide de remettre immédiatement au Brotman Medical Center, un centre pour les grands brûlés où il a été soigné, l'argent qu'il touche de l'assurance (un million et demi de dollars américains) ; le centre changera plus tard de nom pour « Michael Jackson Burn Center » en son honneur.

Une nouvelle entente de commandite en 1991 pour son Dangerous World Tour suit même la précédente pour le BAD World Tour de 1987.

Désunion des Jacksons

En 1984, l'album Victory scelle la désunion du groupe des Jacksons, chaque membre n'assurant la production que de ses propres compositions, dont pour Michael un duo avec Mick Jagger, State of Shock (originellement enregistré avec Freddie Mercury). Le Victory Tour marque la dernière apparition sur scène des frères Jackson jusqu'aux concerts du Madison Square Garden des 7 et 10 septembre 2001, en l'honneur des 30 ans de carrière solo de Michael. En 1989, les frères Jackson sortent 2300 Jackson Street, leur dernier album, sur lequel Michael ne participe qu'à la chanson titre 2 300 Jackson St. et apparaît dans le clip.

Catalogue Northern Songs et Captain Eo

En 1985, l'entreprise ATV Music - une compagnie d’édition détenant des milliers de droits musicaux, dont le catalogue Northern Songs contenant la majorité des chansons composées par John Lennon et Paul McCartney et enregistrées par les Beatles - est mise en vente. Michael Jackson se montre immédiatement intéressé, mais il est averti qu’il va devoir faire face à une rude compétition. « Je m’en fiche. Je veux ces chansons, apporte-moi ces chansons, Branca », dit-il à son avocat. John Branca contacte l’avocat de Paul McCartney qui lui explique que son client n’est pas intéressé : « trop cher ». Après que Jackson a démarré les négociations en vue d’acquérir le catalogue, McCartney change d’avis et tente de persuader Yoko Ono, veuve de John Lennon, de se joindre à lui, mais elle décline l’offre. Jackson remporte cette « compétition » qui va durer dix mois, et achète le catalogue pour 47,5 millions de dollars. En un quart de siècle, sa valeur estimée serait passée à 1 milliard de dollars^,.

En 1986, Michael Jackson tient le rôle principal dans le film 3D Captain Eo produit par George Lucas et réalisé par Francis Ford Coppola. Le film, diffusé dans les parcs d'attractions Disney jusqu'au 17 août 1998, a coûté plus de 17 millions de dollars à produire (un record pour un court-métrage). Prouesse technologique et scénique pour l'époque, le court-métrage impressionne par ses effets spéciaux avec lumières, lasers, fumée et technologie 3-D. Il contient des chansons telles que We Are Here To Change The World et Another Part of Me.

Bad (1986-1990)

En 1987, Michael Jackson sort l'album Bad et part pour la première fois en tournée mondiale sans ses frères. L'année suivante, il sort un film réunissant plusieurs de ses clips, Moonwalker, dans lequel jouent notamment Joe Pesci et Sean Lennon, ainsi qu'une biographie intitulée Moonwalk. Moonwalker devient la vidéo musicale la plus vendue de tous les temps (battant ainsi son propre record de The Making of Thriller). Pendant un certain temps^[Combien ?], Bad a été le deuxième album le plus vendu, avec plus de 39 millions de copies à travers le monde, dont 10 aux États-Unis et 5 en Angleterre, record inégalé^{[réf. nécessaire]}.

Bad est encore un énorme succès pour Jackson. Même si l'album n'atteint pas les records de ventes de Thriller, il contient néanmoins plus de numéro 1. I Just Can't Stop Loving You est enregistré en espagnol et en français sous les titres respectifs de Todo Mi Amor Eres Tu et Je ne veux pas la fin de nous. Le clip du morceau Bad, réalisé par Martin Scorsese, est tourné dans le métro new-yorkais, dans une station désaffectée, qui est détruite une semaine après le début du tournage (l'équipe a dû reconstituer la station dans les moindres détails). Par ailleurs, les clips de The Way You Make Me Feel, Man in the Mirror (appel à la paix et à l'amour, dont le clip montre les grands moments du XX^e siècle et dénonce la pauvreté dans le monde), Dirty Diana (où Jackson reproduit un mini-concert rock avec en guest star le guitariste Steve Stevens), Another Part Of Me (clip live du Bad Tour 88), Smooth Criminal (reprenant les moments forts du film Moonwalker), Liberian Girl puis Leave Me Alone sont une nouvelle série de succès.

Michael Jackson entre à nouveau dans l'histoire musicale en devenant le premier artiste à avoir cinq singles d'un même album classés n^o 1 aux billboards américains. Neuf singles en ont été extraits. Selon le producteur Quincy Jones, dans la réédition de cet album en 2001, la chanson-titre Bad devait être un duo avec son rival de longue date le chanteur Prince, mais finalement ce dernier déclina la proposition^{[réf. nécessaire]}. À la différence de Thriller et de Off The Wall, Michael Jackson est le compositeur principal de l'album puisque sur onze titres, il en compose neuf. Sa voix y est plus rocailleuse et, musicalement, Bad a un son beaucoup plus brut et métallique que Thriller ; une rythmique plus complexe (Smooth Criminal notamment) ; et il n'y a aucun répit, tous les titres étant rythmiques sauf seulement trois lents : I Just Can't Stop Loving You, Man in the Mirror et Liberian Girl.

Dangerous (1991-1995)

Le 20 mars 1991, Michael Jackson signe avec Sony un contrat de 65 millions de dollars, d'une durée de quinze ans au cours desquels il doit produire six albums pour Epic, ainsi qu'apparaître dans des films et des courts-métrages. Les revenus que ce contrat pourrait générer sont évalués entre 890 millions et un milliard de dollars^,. Le premier de ces albums, Dangerous, sort le 26 novembre 1991 et devient n^o 1 des classements en trois jours. Le total des ventes de Dangerous atteint 7 millions d'exemplaires vendus aux États-Unis et devient le deuxième album le plus vendu dans la carrière de Michael Jackson, avec plus de 35 millions de copies vendues, devant Bad avec plus de 34 millions de copies vendues.

L'album Dangerous contient quatorze chansons dont neuf singles sortent successivement : Black or White (novembre 1991), Remember the Time (janvier 1992), In the Closet (avril 1992), Who Is It (juillet 1992), Jam (septembre 1992), Heal the World (novembre 1992), Give in to Me (février 1993), Will You Be There (juin 1993) - qui devient plus tard le générique de fin du film Sauvez Willy - et Gone Too Soon, une chanson en hommage à Ryan White, un jeune garçon victime du SIDA (novembre 1993).

Les vidéos accompagnant les singles comprennent de nombreuses stars parmi lesquelles : Michael Jordan (Jam), Kris Kross (Jam), Naomi Campbell (In the Closet), Eddie Murphy, Magic Johnson et Iman (Remember the Time), Macaulay Culkin (Black Or White) et Slash (Give in to Me). Quant à la voix féminine de In the Closet, elle n'est autre que celle de la Princesse Stéphanie de Monaco. Une série de quatre heures résumée en deux épisodes fait son apparition sur la chaîne ABC s'intitulant The Jacksons: An American Dream (« Les Jacksons : un rêve américain »). La série aborde principalement la carrière des Jacksons Five et explore en profondeur leur vie au quotidien, notamment les préoccupations de Michael et l'éducation que Joe Jackson infligeait à ses enfants.

Pendant sa tournée mondiale Dangerous Tour, du 27 juin 1992 au 11 novembre 1993, Jackson annonce la création de son organisation caritative Heal the World, association qui est rejointe par Heal The Kids en 2001 (les deux sont finalement dissoutes cette même année). Le 31 janvier 1993, il chante lors de la mi-temps de la finale du Super Bowl, interprétant plusieurs de ses titres : Jam, Billie Jean, Black or White et Heal the World. Le 17 août 1993, durant sa tournée de promotion pour l'album, Michael Jackson est accusé d'abus sexuel sur mineur par Evan Chandler, père de l'enfant de treize ans Jordan Chandler. Il aurait auparavant menacé Michael Jackson et exigé 20 millions pour la vente de quatre scénarios de films. À la suite du refus de Michael, les accusations publiques fusent. Après une cure de désintoxication rendue nécessaire par la prise de calmants, Michael se dit prêt pour affronter un procès, mais son entourage, les compagnies d'assurances et les gestionnaires de sa fortune l'en dissuadent. Un montant jamais révélé officiellement ni précisément (estimé entre 15 et 25 millions de dollars) sera versé à la famille Chandler. L'affaire s'arrête là, mais elle a un fort retentissement sur l'état de santé de Michael. Il est d'ailleurs contraint d'annuler quelques concerts de la fin de sa tournée.

HIStory (1994-2001)

HIStory : Past, Present and Future - Book I

HIStory: Past, Present and Future - Book I, un double album, sort en juin 1995. C'est le double album le plus vendu du monde, devant The Wall de Pink Floyd; il s'est écoulé à plus de 25 millions d'exemplaires (et 55 millions de singles). Le premier disque contient quinze des plus grands succès, remastérisés, de Michael Jackson. Une seizième piste est présente sur ce premier disque, mais uniquement pour les fans français. Cette piste bonus contient un message audio remerciant les fans français de leur soutien, et le second disque quinze nouvelles chansons (dont une reprise des Beatles, Come Together, enregistrée des années auparavant pour le film Moonwalker). L'album a poussé de nouveaux singles et clips en tête des classements américains. En mai 1995, sort le premier extrait de l'album, Scream, en duo avec sa sœur Janet. Le clip est, avec un budget de plus de sept millions de dollars, le plus cher jamais réalisé.

Suivent quatre autres singles : You Are Not Alone (août 1995) (la première épouse de Jackson, Lisa Marie Presley, fait une brève apparition dans le clip) ; Earth Song (novembre 1995) qui est un hymne pop-gospel contre la destruction de l'environnement ; They Don't Care About Us (avril 1996) ; et Stranger in Moscow (novembre 1996). Contrairement à You Are Not Alone, qui devint le premier et l'unique single à se placer directement à la première position au Billboard, et Scream/Childhood, qui débuta à la cinquième place, les trois autres singles de l'album ont eu un succès limité aux États-Unis, à l'inverse de l'Europe. Au Royaume-Uni, Earth Song est resté six semaines en tête des palmarès, et est le single de Michael le plus vendu dans ce pays (devant Billie Jean). En décembre 1995, This Time Around, qui apparait en piste 4 du second disque d'HIStory, sort en tant que single promotionnel. En juillet 1997, pendant la deuxième partie de la tournée HIStory, une version remixée de la chanson titre HIStory sort partout sauf aux États-Unis. Le titre est accompagné de Ghosts, un titre extrait de l'album de remixes Blood On The Dance Floor. Enfin, en octobre 1997, un autre titre de l'album aurait dû voir le jour, Smile, hommage à Charlie Chaplin, mais fut annulé peu avant sa distribution par Sony.

Le titre They Don't Care About Us déclencha une polémique à sa sortie à cause de ses paroles controversées, que certains considèrent comme antisémites, ce dont Jackson se défend (les phrases « Jew me, sue me / Kick me, kike me » sont modifiées dans une deuxième vague de sortie de l'album). Dans cette chanson, le chanteur exprime son désir de ne pas être enfermé dans des catégories liées à sa couleur de peau ou à ses origines : « Ne me traitez ni de blanc ou de noir » (« Don't you black or white me »). Spike Lee tournera deux versions de ce clip. L'une où Jackson danse dans les favelas de Salvador de Bahia, l'autre, boycottée par les chaînes musicales américaines^{[réf. nécessaire]}, qui refusent de la diffuser avant 21 heures, où Jackson interprète le titre dans une cellule de prison tapissée d'écrans qui diffusent des images d'actualités de guerre, de famine et de bavures policières (on y voit notamment les célèbres images de Rodney King passé à tabac). La version intégrale du vidéo-clip They Don't Care About Us incluant ces images demeure disponible sur certains DVD officiels, édités par SonyMusic et en téléchargement légal en Europe.

Blood on the Dance Floor, HIStory in the mix (1997-2001)

En 1997, Sony impose à Michael Jackson de sortir Blood on the Dance Floor, un album de remixes de quelques chansons de HIStory ainsi que cinq nouveaux titres. Cet album est destiné à accompagner la partie européenne du HIStory World Tour. La chanson titre, Blood on the Dance Floor, sort en single, accompagnée d'un clip coréalisé par Jackson. L'album est passé presque inaperçu aux États-Unis, mais a encore une fois été plus populaire en Europe. C'est l'album de remix le plus vendu de tous les temps (plus de neuf millions d'exemplaires).

Michael Jackson produit également Ghosts, un court métrage à sensation de 40 minutes réalisé par Stan Winston, écrit par Michael Jackson et Stephen King, qui a été diffusé hors compétition au Festival de Cannes de 1997 puis dans quelques salles de cinéma. Le film utilise les chansons 2 Bad, Ghosts et Is It Scary (deux titres inédits de l'album Blood on the Dance Floor). Ghosts est le second single de l'album de remix, accompagné d'un clip réunissant des images du court-métrage. Celui-ci est occasionnellement diffusé sur les chaînes télévisées musicales, surtout pendant la période d'Halloween. Au début du printemps 1998, John Mc Clain, cofondateur du label A&M et responsable du succès de Janet Jackson, devient le nouveau manager de Michael Jackson.

Invincible (2001-2003)

Six ans après HIStory, Michael Jackson sort Invincible le 31 octobre 2001. Jackson commence l'enregistrement de l'album en octobre 1997, et finit les enregistrements de l'album avec You Are My Life, seulement huit semaines avant la sortie de l'album. Avec un budget estimé à 30 millions de dollars, Invincible est l'album le plus cher de l'industrie musicale. Pour accompagner sa promotion qui s'éléve a 25 millions de dollars selon Sony^,, CBS diffuse Michael Jackson : 30th Anniversary Special, un événement spécial organisé afin de célébrer les trente ans de carrière solo de Michael Jackson.

L'album débute n^o 1 au classement américain Billboard et dans treize pays différents. Il est certifié double disque de platine aux États-Unis le 3 décembre 2001. À la suite de mésententes profondes entre Sony et Jackson, la compagnie de disques écourte la promotion de l'album, qui ne dure que trois mois. Seuls trois singles sont extraits de l'album : You Rock My World, Cry et Butterflies. En août 2009, l'album se vend à 13 millions d'exemplaires dans le monde dont 2,5 millions d'exemplaires aux États-Unis. Bien que les chiffres restent impressionnants pour n'importe quel artiste, Invincible est considéré comme un semi-succès, et ses chiffres de ventes restent très décevants en comparaison avec les albums précédents. Certains rejettent la responsabilité de cet échec sur Michael Jackson en l'accusant d'avoir refusé de faire des tournées promotionnelles ; tandis que Jackson accuse Sony Music de ne pas avoir suffisamment fait la promotion de l'album, d'avoir annulé la sortie de plusieurs singles, et d'avoir annulé la production de vidéoclips accompagnant les chansons. Ultimement, il reprochera aussi d'avoir fait paraître le 16 octobre 2001 une ré-édition spéciale de son album Dangerous, tout juste deux semaines avant la sortie d'Invincible, en plus d'avoir fait paraître trop peu de temps après la compilation Number Ones, une orchestration qui éclipsa Invincible et qui prit des allures de sabotage orchestré par le PDG Tommy Mottola. À la suite de cette série d'incidents, Mottola sera congédié.

En décembre 2009, l'album refait parler de lui. Il est nommé meilleur album des années 2000 par 570 000 votants, essentiellement des lecteurs du magazine Billboard. Le 13 juin 2002, Michael Jackson a été introduit, pour son travail de compositeur, au Songwriters Hall of Fame. Le clip vidéo à gros budget de You Rock My World affiche plusieurs stars au casting : Marlon Brando, Michael Madsen, Chris Tucker et Billy Drago. Lancée en grande pompe, la chanson a été un succès en Europe, notamment n^o 1 en France, n^o 2 en Norvège, Finlande, au Danemark et en Belgique, n^o 3 en Italie et n^o 5 en Suède et en Suisse, et elle se classe à la dixième position aux États-Unis (Billboard Hot 100). Le titre Butterflies est rentré dans le Top-20 américain et est même monté à la deuxième place du classement R'n'B sans avoir un single de commercialisé.

Les titres de l'album n'ont pas été interprétés sur scène, sauf aux deux concerts Michael Jackson : 30th Anniversary Special, où Jackson interprète la chanson You Rock My World. En 2009, le titre Speechless a été répété pour les concerts avortés This Is It, et un extrait réorchestré de Threatened est inclus à la fin de la prestation de Thriller (tous deux visibles dans le film issu du projet).

Compilations, best-of et nouvelles récompenses (2003-2007)

En 2003, Sony sort une compilation CD et DVD de tous les titres de Michael Jackson ayant été n^o 1, intitulée Number Ones. La compilation contient également une nouvelle chanson, One More Chance, composée par R. Kelly. Le disque se vend à 6 millions d'exemplaires dans le monde durant sa promotion^,. Le 16 novembre 2004, Michael Jackson sort un box set de quatre CD et un DVD, intitulé The Ultimate Collection, retraçant l'ensemble de sa carrière et contenant d'anciens morceaux inédits, des démos, des versions inédites et quelques nouvelles chansons. Cheater, sorti sous forme de CD promo dans quelques pays, sert de façon restreinte à la promotion du coffret, et son clip composé d'extraits du DVD Dangerous Tour est diffusé sur certaines chaînes musicales. Un autre clip est diffusé, Beat It, extrait du même DVD. Ce coffret fut le dernier produit auquel Michael Jackson collabora avec sa maison de disques Sony BMG Music Entertainment et qui mettra fin à leur contrat signé en 1990.

Le 30 juin 2005, Michael quitte les États-Unis pour s'installer au Bahreïn où il est reçu en tant qu'invité du cheikh Abdullah Bin Hamad Bin Isa Al-Khalifa, le fils du roi. Le 19 juillet 2005, une nouvelle compilation The Essential Michael Jackson sort, ainsi qu'un DVD contenant le concert de Bucarest du Dangerous World Tour. Le CD compilation et le DVD se vendent très bien (respectivement n^o 1 en France avec plus de 350 000 exemplaires vendus et n^o 1 des ventes de DVD musicaux en France).

Le 18 avril 2006, Michael Jackson quitte le label Epic Records (et donc sa maison de disques Sony BMG), sous lequel il produisait tous ses albums solo depuis Off The Wall en 1979. Il signe un contrat avec le producteur de musique anglais Guy Holmes, PDG du label indépendant 2 Seas Records. Le contrat, rompu en septembre 2006, prévoyait la production d'au moins un nouvel album dont la sortie était prévue pour fin 2007. En novembre 2006, Michael Jackson se rend à Londres afin de visiter les bureaux du Livre Guinness des records. Il reçoit à cette occasion un prix pour avoir battu huit records dont celui de « Premier artiste à avoir gagné plus de 100 millions de dollars en un an », « Premier artiste à avoir vendu plus de 100 millions de disques en dehors des États-Unis » ou encore « Meilleur artiste de tous les temps »^,. Michael Jackson est également présent aux World Music Awards pour y recevoir le Diamond Award, récompense réservée aux artistes ayant vendu plus de 100 millions d'albums.

De Thriller 25, au grand retour prévu sur scène (2008-2009)

À l'occasion des 25 ans de la sortie de l'album Thriller, Michael Jackson sort Thriller 25, le 11 février 2008. Il comprend deux titres inédits, For all time et Gots the hots (uniquement sur la version japonaise du disque), ainsi que des titres originaux remastérisés, et cinq titres remixés ou en featuring avec des artistes comme Akon, Fergie, will.i.am des Black Eyed Peas et Kanye West. Deux singles extraits de Thriller 25, The Girl is Mine 2008 (avec Will.I.Am) et Wanna Be Startin' Somethin' 2008 (avec Akon) sortent simultanément. L'album comprend également un DVD des vidéoclips de Billie Jean, Beat It, Thriller et la prestation de Michael Jackson lors des 25 ans de la Motown. Thriller 25 se classe en première place des ventes dans de nombreux pays européens et en deuxième place aux États-Unis. L'album se vend en tout à plus de 5 millions d'exemplaires. Le 29 août 2008, pour célébrer le cinquantième anniversaire de Michael Jackson, sort King of Pop, une compilation de dix-huit chansons dont la liste a été choisie par des fans. Le disque n'est pas sorti aux États-Unis, mais a été classé parmi les dix meilleures ventes dans de nombreux pays. En décembre 2008, le magazine Rolling Stone le classe au 25^e rang des plus grands chanteurs de tous les temps.

En janvier 2009, Michael Jackson retourne vivre définitivement aux États-Unis, à Bel Air. Le 5 mars 2009, lors d'une conférence de presse dans l'O2 Arena, Michael Jackson lui-même annonce qu'il entamera ses dernières représentations scéniques, les This is it shows. Jackson précisa tout de même que ces shows auraient été ses derniers, montrant clairement l'utilisation appropriée du nom des concerts This is it (en français « C'est tout » ou « C'est fini. »). Selon Randy Phillips, le président du promoteur de concerts AEG Live, Michael Jackson devait faire des concerts s'étalant sur trois ans et lancer un nouvel album, dans le cadre de son grand retour. Au départ, Michael Jackson ne devait faire que dix concerts à Londres en juillet, mais à l'issue de la prévente, le 12 mars, toutes les places pour quarante-cinq dates avaient été vendues. Cinq nouvelles dates ont été ajoutées le lendemain, pour les ventes générales. Soit un total de cinquante concerts à Londres, s'étalant de juillet à septembre 2009 et de janvier à février 2010. Les représentations devaient originalement démarrer le 8 juillet 2009, mais les quatre premiers concerts furent finalement reportés au mois de mars 2010, les producteurs invoquant un manque de temps « pour créer une expérience de musique live exceptionnelle », le programme de concerts étant par conséquent prévu pour commencer le 13 juillet 2009. This is It est cité comme l'évènement musical de l'année.

Après la mort du chanteur, Kenny Ortega réalisa un film documentaire également intitulé Michael Jackson's This Is It, montrant entre autres les répétitions de Michael Jackson en préparation de la tournée qui devait se tenir à Londres. Les séquences ont été filmées au Staples Center de Los Angeles. Le film est sorti sur les écrans le 28 octobre 2009. Le 10 août 2009, le juge de la Cour supérieure de Los Angeles a approuvé un accord entre AEG Live, le promoteur de la tournée Michael Jackson's This Is It, et Sony Pictures concernant la succession des droits d'auteur sur les séquences filmées durant sa préparation. Sony Pictures peut donc éditer des centaines d'heures d'images contre 60 millions de dollars pour les droits cinématographiques. Dans une déclaration publiée sur le site web de Jackson, il a été confirmé que les séquences sélectionnées seront en 3D et que le film comprendra une rétrospective de la carrière de Michael Jackson ainsi que des entretiens avec d'anciens amis de la star.

Mort

Le 25 juin 2009, Michael Jackson se trouve dans sa maison d'Holmby Hills, un quartier de Los Angeles, lorsqu'il perd connaissance peu avant midi. Les secours paramédicaux du Los Angeles Fire Department arrivent rapidement sur place, où ils constatent que son médecin personnel est déjà en train de procéder à une réanimation cardio-pulmonaire. Transporté au Ronald Reagan UCLA Medical Center, Michael Jackson meurt malgré plus d'une heure de tentatives de réanimation. Sa mort est annoncée officiellement à la presse américaine quelques minutes plus tard par son frère aîné Jermaine Jackson. Une première autopsie médico-légale est pratiquée, puis à la demande de la famille, une deuxième dans un cadre privé quelques jours plus tard, le père de l'artiste ayant des doutes sur les raisons de la mort.

Au fur et à mesure de l'enquête, les accusations se portent toutes sur son médecin personnel, Conrad Murray, criblé de dettes, qui lui aurait injecté du Propofol et du sédatif lorazepam. Les médecins légistes parlent alors d'« homicide accidentel » lié aux médicaments. Selon l'institut médico-légal, ces deux médicaments seraient à l'origine de la mort du chanteur. Mais il aurait été trouvé aussi, lors de l'autopsie, les médicaments suivants : midazolam, diazepam, lidocaïne et éphédrine. La publication du rapport d'autopsie pratiquée au bureau du medecin légiste de Los Angeles par les docteurs Sathyavagiswaran et Rogers, que s'est procuré l'Associated Press, révèle que Michael était en bonne santé. Le rapport révèle que Michael Jackson souffrait d'arthrite au bas de la colonne vertébrale et dans les mains et d'une inflammation des poumons. Ce qui est assez courant pour un quinquagénaire. Son cœur, ses reins et ses autres organes fonctionnaient normalement et il pesait un poids normal.

Le 21 novembre 2009, la police de Los Angeles informe la presse de nouvelles informations prouvant la culpabilité du docteur Murray dans la mort de la star.

Funérailles

Le 2 juillet 2009, la direction du Staples Center, à Los Angeles, annonce la tenue d'une cérémonie d'hommage, dont les dix-sept mille billets d'accès seront attribués par tirage au sort parmi les demandeurs. Le lendemain, un million six cent mille personnes auraient participé au tirage au sort qui aurait été effectué par l'huissier Gerard Tillobat, ce qui fait de Michael Jackson la célébrité défunte dont l'hommage a rassemblé le plus de personnes dans le monde. C'est à Ken Ehrlich, le producteur des Grammy Awards, qu'est confiée l'organisation de toute la cérémonie. AEG, propriétaire du Staples Center ainsi que des droits sur la tournée de Michael Jackson, a autorisé sa retransmission gratuite en mondovision.

Lors de la cérémonie, la ville de Los Angeles était sous haute sécurité, les quartiers autour du Staples Center étaient bouclés et plus de mille quatre cents policiers étaient placés en renfort pour l'occasion, le tout pour un budget de sécurité estimé à plus de quatre millions de dollars pour la ville. Le 7 juillet 2009, un service funèbre privé se tient à huis-clos au Forest Lawn Memorial Hollywood Hills à côté de Burbank. Le même jour, ses funérailles publiques ont lieu au Staples Center de Los Angeles, en Californie. Retransmises en direct et en mondovision, elles auraient été suivies par un milliard de téléspectateurs. En France, la cérémonie est diffusée en même temps sur trois des six chaînes hertziennes : TF1, France 2 et M6 ainsi que plusieurs chaines de la TNT (BFM TV, I-Télé) du câble et du satellite, un événement rare pour une personnalité civile. De nombreux artistes, figures politiques et les proches de Michael Jackson se sont succédé durant deux heures et demie sur la scène, lui rendant de vibrants hommages à proximité de son cercueil exposé. À l'issue de la cérémonie, la fille de Michael Jackson, Paris, est apparue pour la première fois à visage découvert.

Michael Jackson est enterré le 3 septembre 2009 sur la terrasse du grand mausolée du Forest Lawn Memorial Park de Glendale au nord de Los Angeles.

Hommage planétaire

À l'annonce de sa mort, de nombreuses personnes se sont rassemblées spontanément pour lui rendre hommage et les membres de la Chambre des représentants des États-Unis ont observé une minute de silence en son honneur. La vague d'émotion qui a suivi sa mort a également provoqué un phénomène de média sans précédent, notamment au travers de l'audience mesurée par Akamai, qui a fait état d'une progression de la consultation des sites d'information de plus de 50 %. « Sur Facebook, le nombre de statuts à la minute s'est envolé. [...] La fiabilité des sites d'information est tombée de 100 % à 86 %, alors que le temps pour afficher les pages d'accueil doublait [...]. Google, submergé de requêtes « michael jackson », a d'abord cru à une attaque de spammeurs. Vendredi 26 juin, le sujet était toujours qualifié de « volcanique », le plus haut niveau d'intérêt dans l'échelle de Google. » De plus, du jour au lendemain, l'écoute des musiques de Michael Jackson sur un site de musique, musicMe, a augmenté de 949 %. Durant les semaines suivantes, les ventes de disques de la star atteignent un pic inattendu induisant une rupture de stock parmi les plus grandes chaînes de ventes^{[réf. souhaitée]}. Parallèlement, les principaux classements musicaux de ses albums et singles sont relancés et atteignent une nouvelle fois le premier rang au hit-parade. Certains singles dépassent même les statistiques établies lors de leur sortie officielle comme ce fut le cas par exemple pour Will You Be There au Swiss Singles Chart.

Sept semaines après sa mort, plus d’un million et demi d’albums de Michael Jackson ont été vendus en France et plus de dix-huit millions dans le monde entier^,,. Un de ses gants blancs couvert de brillants est vendu aux enchères et a été remporté par le Hard-Rock Hotel de Las Vegas au prix de 49 000 $. Son gant blanc couvert de strass, acheté trente dollars à l'époque, qui a été utilisé lors de la cérémonie célébrant les vingt-cinq ans de la Motown en 1983 et durant laquelle il interprétait Billie Jean en exécutant pour la première fois son moonwalk, a été vendu aux enchères pour la somme de 325 000 $ à un homme d'affaires chinois.

De nombreux artistes de milieux différents rendent hommage au « Roi de la pop » :

• Madonna, lors de ses concerts du Sticky & Sweet Tour 2009, fait danser un sosie de Michael Jackson sur la musique de Billie Jean et de Wanna Be Starting Somethin' et demande à son public de se lever pour « un des plus grands artistes de tous les temps ». Plus tard dans l'année, Madonna prononcera un discours à sa mémoire en ouverture de la cérémonie des MTV VMA 2009^,.

• Lors de cette même cérémonie, Janet Jackson reprend la chanson Scream, qu'elle chantait en duo avec son frère en 1995. Elle reprend également, durant sa tournée mondiale, Up Close and Personal 2011, la chanson Scream, et met des photos d'elle et Michael enfant sur les écrans durant la chanson Together Again.

• Britney Spears, durant sa tournée mondiale Circus en 2009, dit un mot pour Michael avant sa chanson Everytime. Durant l'intro destinée au danseur, une danseuse danse sur Don't Stop 'Til You Get Enough.

• Beyoncé reprend I Can't Help durant son concert à Philadelphie, et lui dédie sa chanson Halo, tout au long de sa tournée mondiale.

• Jamie Foxx lui rend hommage sur la scène des BET Awards, fin juin 2009.

• Stevie Wonder, lui rend un vibrant hommage lors de sa tournée en reprenant des chansons de la période Motown, comme Never Can Say Good Bye.

• P.Diddy, Usher, Chris Brown, The Game, Boyz II Men, Mario Winans se réunissent pour enregistrer Better on the Other Side.

• Le rappeur 50 Cent enregistre le titre Where You Are.

• Robbie Williams écrit une chanson inspirée par la disparition de Michael Jackson sur son dernier album.

• Le chanteur Akon, qui avait chanté sur son album Thriller 25, enregistre le titre Cry Out of Joy.

• Bono, le chanteur du groupe U2 chante Wanna Be Startin' Somethin', et bien d'autres chansons du Roi de la pop à plusieurs reprises sur scène durant les semaines suivant sa mort.

• Tracy Chapman interprète I'll Be Theren lors de son concert à Lille, en France, le lendemain de la mort de l'artiste.

• Deux hommages sont rendus à Michael Jackson les 22 et 23 août 2009 à Montréal, au Québec. Après la cérémonie de remise des Jupiters de l'International de feux, le tableau pyrotechnique d'une dizaine de minutes regroupera onze grands succès de Jackson. Le parc a finalement décidé d'en faire un thème et, pour compléter l'hommage, on a prévu une soirée de danse à ciel ouvert, où l'on aura mis l'accent sur la musique des années 1980, dont les succès de Michael Jackson.

• Miley Cyrus, lors des Teen Choice Awards 2009, chante une version modifiée de sa nouvelle chanson Party in the USA en hommage à Michael Jackson.

• R. Kelly écrit une chanson pour Michael Jackson, qu'il interpréta lors d'un concert au Nokia Theater de Los Angeles à la suite d'un discours.

• Céline Dion, Usher, Jennifer Hudson, Carrie Underwood et Smokey Robinson reprennent Earth Song lors des Grammy Awards 2010.

• Mylène Farmer, lors de ses concerts au stade de France en 2009, rend hommage en laissant ses danseurs interpréter des pas de danse de Michael Jackson lors d'un interlude intitulé Outro Haka Je m'ennuie^,.

• En 2012, l'album Unity: The Latin Tribute to the King of Pop est en préparation avec des grands noms de la musique latine et de la salsa tels que Michael Stuart, Tito Nieves, India, Obie Bermúdez, Jennifer Peña, Jan Rodríguez (le frère de Luis Fonsi) et Kevin Ceballo.

• En 2014, lors de sa tournée À l'infini Tour, la chanteuse Tal rend hommage chaque soir à l'idole de son enfance en reprenant Wanna Be Startin' Somethin'.

• Demi Lovato, lors de son Demi World Tour à Baltimore, rend hommage à Michael Jackson en interprétant Thriller sur scène.

Style artistique et influences

Musique

Bien qu'il soit considéré comme le « roi de la pop », Michael Jackson s'est attaqué à plusieurs styles musicaux. D'un registre disco-funk dans Off The Wall, il est passé à un style mélangeant funk, hard rock (Beat It), ballade, soul (Thriller) jusqu'au R'n'B dans ses derniers albums.

L’identité sonore de Michael Jackson, outre ses constituants m&]]> Sun, 18 Aug 2019 12:03:00 +0000 http://stereochic.radio-site.com/artistes/morcheeba-61 19a2716ee868420b74e54715467990e97aba73a2

Morcheeba est un groupe de musique britannique originaire de Londres, mélangeant downtempo, trip hop, rhythm and blues et pop. Il est formé des frères Paul Godfrey (DJ) et Ross Godfrey (guitare et clavier) ainsi que de la chanteuse Skye Edwards. Skye Edwards a quitté le groupe en 2003, en raison de divergences musicales, selon les membres du groupe. Elle a été remplacée en 2005, pour l'album The Antidote par la chanteuse Daisy Martey. Daisy Martey a quitté le groupe en juin 2005 et a été remplacée par la choriste/saxophoniste australienne Jody Sternberg. En 2008, pour la sortie de l'album Dive Deep, c'est la chanteuse française Amanda Zamolo, découverte via MySpace, qui est la chanteuse principale. Skye fait son retour dans la formation en 2010 pour le septième album Blood Like Lemonade.

Formation

La formation originale du début des années 1990 comprenait Paul Godfrey (platines), Ross Godfrey (guitare et clavier) et Skye Edwards (chant). La voix de Skye est rapidement devenue la marque de fabrique de Morcheeba. Le nom du groupe peut se comprendre comme "More Cheeba", c'est-à-dire « Plus d'herbe (à fumer) ! » ou « Encore de l'herbe ! »^,. Ce sens a été confirmé sans ambiguïté par Paul Godfrey lors du concert à l'Olympia en juin 2005^{[réf. nécessaire]}. « Mor » signifie également « Middle of the road » pour indiquer que la musique de Morcheeba flirte entre une musique populaire et une musique plus expérimentale.

Daisy Martey (précédemment dans le groupe Noonday Underground) rejoint le groupe en 2005 après le départ de Skye Edwards, qui se lançait alors dans une carrière solo. La voix de Skye Edwards était devenue un élément primordial du son de Morcheeba dans les esprits de nombre de fans du groupe, aussi ce changement engendra-t-il des réactions partagées. C'est d'ailleurs pour cette raison que les frères Godfrey remplacèrent Daisy par une autre chanteuse - Jody Sternberg - pour leurs représentations scéniques, sans formellement l'exclure.

L'album Dive Deep des frères Godfrey est paru en février 2008. Différents artistes y furent invités dont Judie Tzuke, Manda Zamolo, Thomas Dybdahl, Bradley Burgess et Cool Calm Pete. Sur la tournée de l’album Dive Deep, les chansons sont interprétées par Manda Zamolo et Bradley Burgess.

L'album Blood Like Lemonade, sorti le 7 juin 2010, marque le retour de Skye Edwards au sein du groupe et un retour aux sources musicales du groupe.

Après s'être à nouveau réunis, les membres de Morcheeba sortent l'album Blaze Away en juin 2018, cinq ans après Head Up High.

Discographie

Albums

• 1996 : Who Can You Trust?
• 1998 : Big Calm
• 2000 : Fragments of Freedom
• 2002 : Charango
• 2005 : The Antidote
• 2008 : Dive Deep
• 2010 : Blood Like Lemonade
• 2013 : Head Up High
• 2018 : Blaze Away

Compilations

• 1998 : Beats and B-Sides
• 2001 : Back to Mine (compilation multi-artistes mixée par Paul Godfrey)
• 2003 : Parts of the Process
• 2005 : The Platinum Collection
• 2005 : Get Mashed ! (compilation multi-artistes)
• 2007 : The Works - A 3 CD Retrospective

Live

• 1998 : La Boule noire
• 2003 : From Brixton to Beijing

Singles

• De Who Can You Trust? :
  • Trigger Hippie (1996)
  • Never an Easy Way (1996)
  • Tape Loop (1996)
  • The Music That We Hear (Moog Island) (1997)
• De Big Calm :
  • Shoulder Holster (1997)
  • The Sea (1998)
  • Blindfold (1998)
  • Let Me See (1998)
  • Part of the Process (1998)
• De Red Hot + Rhapsody :
  • Summertime (1998)
• De Fragments Of Freedom :
  • Rome Wasn't Built in a Day (2000)
  • Be Yourself (2000)
  • World Looking In (2001)
• De Charango :
  • Otherwise (2002)
  • Way Beyond (2002)
• De Parts of the Process :
  • What's Your Name ? (2003)
• De The Antidote :
  • Wonders Never Cease (2005)
  • Lighten Up (2005)
  • Everybody Loves a Loser (2005)
• De Dive Deep :
  • Enjoy the Ride (2008)
  • Gained the World (2008)
• De Blood Like Lemonade :
  • Even Though (2010)
  • Blood Like Lemonade (2010)
• De Head Up High :
  • Gimme Your Love (2013)

DVD

• 2002 : Brixton to Beijing, concert et documentaire.

Notes et références

Liens externes

• (en) Morcheeba sur AllMusic

Parcels est un groupe de musique australien originaire de Byron Bay, fondé en 2014. Il est basé à Berlin. Leur premier album sort en 2018.

Biographie

Parcels se forme en 2014 au lycée de Byron Bay en Australie et est actuellement basé en Allemagne, à Berlin.

Le groupe a signé avec le label français Kitsuné. Le duo français Daft Punk assiste à leur première prestation live en France et produit alors leur premier single, Overnight, sorti le 21 juin 2017.

Le premier EP, Clockscared, sort le 2 mars 2015. Le second Hideout, sort le 27 janvier 2017 et est entièrement auto-produit.

Le 25 juin 2017, ils se produisent au Glastonbury Festival. Leur première performance à la télévision américaine était pour la promotion du morceau Overnight à Conan en septembre 2017. Le 8 janvier 2018, ils sont interviewés sur la BBC Radio 1 et interprètent "Overnight", "Anotherclock" et "Older".

Le 27 avril 2018, le groupe sort le single "Tieduprightnow". Le vendredi 13 juillet suivant, ils sortent le single "Bemyself". Le jeudi 6 septembre 2018, ils publient le single "Lightenup".

Leur premier album eponyme, "Parcels", sort le 12 octobre 2018.

Discographie

Collaboration avec Daft Punk

Parcels a collaboré avec Daft Punk sur le titre Overnight.

Overnight, titre entraînant et léger, est produit par Daft Punk et coproduit par Parcels. Thomas Bangalter, Guy-Manuel de Homem-Christo et Parcels sont crédités pour l'écriture.

Style Musical

Influences

Groupe autant hétérogène que soudé, Parcels tire sa richesse sonore d'un large panel musical aux influences variées. Parmi les groupes qui les ont marqués et inspirés on retrouve aussi bien du rock comme les Rolling Stones ou les Beach Boys, que de la musique alternative comme Gorillaz, ou même de la French Touch comme L'Imperatrice ou Justice. C'est ce melting pot sonore qui caractérise le son de Parcels et le rend aussi d'actualité, poussant de grands artistes de la Pop comme Phoenix à rechercher leur côté pop et rafraîchissant pour leurs premières parties, ou des légendes de la French Touch comme Daft Punk à collaborer avec eux sur leur titre Overnight.

Composition du groupe

• Louie Edward Swain (claviers)
• Patrick Scott Hetherington (claviers, guitare, triangle)
• Noah Francis Hill (basse),
• Anatole ?Toto? Serret (percussions)
• Jules Hendrix Crommelin (guitare).

Tous les membres chantent, bien que les principaux chanteurs restent Jules et Patrick.

Notes et références

Notes

Références

Robin Miriam Carlsson, connue sous le pseudonyme de Robyn, est une chanteuse suédoise, née le 12 juin 1979 à Stockholm. Elle devient connue à partir de la fin des années 1990, notamment dans son pays avec des morceaux tels que Show Me Love ou Do You Know (What It Takes) (en) puis au Royaume-Uni, aux États-Unis et aux Pays-Bas. Son single With Every Heartbeat, lui a permis d'occuper la première place des charts anglais. Le titre peut être entendu dans le jeu vidéo Grand Theft Auto V sur la station radio Non Stop FM.

Carrière

1991 à 1993 : débuts

Robyn enregistre en 1991 le générique de l'émission de télévision suédoise Lilla Sportspegeln, appelée Du kan alltid bli nummer ett (« Vous pouvez toujours être numéro un »). C'est cette même année qu'elle interprète sa première chanson, écrite par elle-même, dans une autre émission qui s'appelait Söndagsöppet.

Robyn est découverte au début des années 1990 par la chanteuse suédoise pop Meja. Celle-ci et son groupe Legacy of Sound, alors qu'ils visitaient l'école de Robyn, participent à un atelier de musique. La performance de Robyn captive la chanteuse, à tel point qu'elle contacte ses managers et qu'un rendez-vous est arrangé avec Robyn et ses parents. À la fin de ses années de collège, Robyn signe un contrat avec Ricochet Records Sweden, une division locale de BMG. Elle collabore alors avec les producteurs Max Martin et Denniz PoP qui lui offriront des titres très populaires. Ils sont assistés dans l'écriture par Ulf Lindstrom et Johan Ekhe, qui aident également à la production, et ce jusqu'à la sortie de l'album Don't Stop the Music, en 2003.

1994 à 1997 : Robyn Is Here

Robyn débute donc sa carrière sur la scène pop à l'âge de 16 ans. Elle signe un accord avec RCA Records en 1994 pour sortir un premier single en Suède, You've Got That Somethin'. Plus tard la même année, elle rencontre le succès avec le single Do You Really Want Me. Ces deux titres feront partie de son premier album Robyn Is Here.

Son succès américain commencera en 1997 avec les singles Show Me Love et Do You Know (What It Takes). Ces titres entreront tous deux dans le top10 du Billboard Hot 100. Ils auront également un certain succès au Royaume-Uni. Elle ressort aussi Do You Really Want Me à l'international mais il ne marchera pas aussi bien que les deux précédents titres. Pourtant, bien qu'il n'aurait pas dû être classé ne disposant pas de sortie physique aux États-Unis, il se classa à la 32^e place du Billboard Hot 100 Airplay, de par ses diffusions en radio et télévisées.

De par sa popularité internationale nouvellement acquise, et plus particulièrement aux États-Unis, Robyn est choisie pour faire les premières parties de la tournée des Backstreet Boys en 1997. Mais peu de temps après, épuisée, les médecins lui conseillèrent de se reposer et elle regagna vite la Suède pour récupérer.

Show Me Love fut utilisé en 1998 par Lukas Moodysson dans son film Fucking Åmål, et le titre de la chanson fut même utilisé comme titre du film dans les pays anglophones.

1998 à 2001 : My Truth

L'enregistrement de son deuxième album débute en 1998. My Truth est commercialisé le 17 mai 1999 en Suède, suivi par d'autres sorties dans d'autres pays européens. Le single Electric fut un énorme tube à travers l'Europe, et propulsa My Truth numéro 2 en Suède. My Truth était une autobiographie de Robyn, et incluait les titres Universal Woman et Giving You Back qui parlaient de son avortement secret. Cet album lui offre le respect de la critique qui estime qu'elle a su acquérir le stade de réel artiste.

En 2001, Robyn participe à la bande originale du film On the Line, avec la chanson Say You'll Walk the Distance. Cette chanson fut par la suite reprise par son compatriote, le chanteur Darin Zanyar.

2002 à 2004 : Don't Stop the Music

En 2002, Robyn quitte son label RCA Records pour sortir un album sur Jive Records. Don’t Stop the Music est le troisième album de Robyn, il est commercialisé le 30 octobre 2002. En 2003, l’album est certifié disque de platine avec 60 000 disques vendus en Suède. En Mai 2004, le premier best of de Robyn sort aux États-Unis. Robyn’s Best est la version condensée de ses premiers albums avec des titres comme Do You Know (What It Takes).

2005 à 2008 : Robyn

La longue relation entre Robyn et son label cesse en 2004, après des désaccords sur le titre Who’s That Girl ?. Robyn décide alors de produire elle-même sa musique. La chanteuse sort un deuxième best of intitulé Det Bästa Med Robyn exclusivement commercialisé en Suède. Cet album est le dernier qu’elle ait sortit avec BMG. Début 2005, elle quitte Jive Records pour lancer son propre label. Konichiwa Records est créé dans le but de libérer le potentiel artistique de Robyn. La même année, Robyn révèle sur son site internet que l’album sortira plus tôt que prévu et annonce des collaborations avec Klas Åhlund des Teddybears STHLM, The Knife ou encore Alexander Kronlund, producteur de Cheiron.

En Mars 2005, la chanteuse sort le single Be Mine ! suivi un mois plus tard de son quatrième album studio, Robyn. L’album mixant rap, electro, R&B et new age se place numéro un des charts en Suède. En 2006, Robyn remporte trois prix aux Grammy Awards Suédois : Meilleur Album, Meilleure Chanteuse Pop et Meilleure Chanson. Cet album hisse Robyn sur la scène internationale. Les collaborations se multiplient, notamment avec Darin Zanyar, Christian Falk et Basement Jaxx.

Robyn sort trois singles qui ne figureront sur aucun album, Who’s That Girl, Handle Me et Crash and Burn Girl, qui rencontrent un grand succès en Suède. En avril 2007, Robyn sort une nouvelle version de son album Robyn destinée au Royaume-Uni. Handle Me, Be Mine !, Who's That Girl ? and Dream On se classent dans le top trente des charts anglais. En Australie, Robyn atteint le top dix de l’iTunes Store.

Konichiwa Records signe un accord avec Universal Music pour lancer et distribuer la musique de Robyn dans le reste du monde. Les disques sortent au Royaume-Uni sur le label Island Records. En avril 2008, une nouvelle version de Robyn sort aux États-Unis. With Every Heartbeat, Cobrastyle et Handle Me entrent dans le top dix des titres les plus diffusés dans les clubs et Cobrastyle bénéficie d’une large diffusion en radio. Pour promouvoir son nouvel album, Robyn fait une courte tournée aux États-Unis pour ensuite faire la première partie de Madonna lors des dates européennes de sa tournée mondiale Sticky & Sweet Tour.

2009 à 2011 : Body Talk

En janvier 2009, Robyn est récompensée d’un Grammy Award Suédois pour le « Meilleur Live 2008 », dans son discours, elle remercie Madonna pour le prix. Dans une interview accordée à un magazine suédois, Robyn annonce vouloir sortir trois albums pour l’année 2010. Le premier sortirait au printemps, le second en été et le troisième pour l’automne/hiver 2010. Pour promouvoir l’arrivée du nouvel album, Robyn sort les chansons Fembot, Danchall Queen et None of Dem (featuring Röyksopp) en version numérique le 13 avril 2010.

La première partie de la série Body Talk, Body Talk Pt. 1 sort sur EMI le 14 juin 2010 dans les pays Nordiques et le lendemain sur Interscope pour les États-Unis. Le single Dancing On My Own avait précédé la sortie de l’album début Juin. La chanson est numéro un en Suède et numéro quatre du top dix au Royaume-Uni et aux États-Unis. Robyn part en tournée en Juillet-Août 2010 sur le All Hearts Tour avec la chanteuse américaine Kelis pour promouvoir Body Talk. La tournée sera suivie de quatre dates au Royaume-Uni à la fin Octobre.

Le 6 septembre 2010 marque la sortie de Body Talk Pt. 2 au Royaume-Uni avec la version dance de Hang with Me de Body Talk Pt. 1. L’album comprend un duo avec le rappeur américain Snoop Dogg, U Should Know Better.

Dans une interview accordée à BBC Newsbeat, Robyn s’exprime à propos de sa trilogie d’albums, « C’était juste quelque chose que je sentais que je devais faire. Je n’ai jamais pensé à vendre ou non des albums en faisant ce choix. Je l’ai juste fait pour moi. C’est une manière pour moi de rester inspirée et de continuer à faire les choses que j’aime faire. »^{[réf. nécessaire]}

Le 17 novembre 2010 sort le premier single de Body Talk Pt. 3, Indestructible. Une version acoustique de cette chanson était déjà disponible sur l’album précédent. Le titre sort une semaine plus tard au Royaume-Uni. L'album sort quant à lui le 29 novembre 2010.

Robyn est la guest star de l'épisode War at the Roses de Gossip Girl dans lequel elle interprète la version acoustique de Hang with Me et Dancing on My Own.

Depuis 2011

En 2013, Robyn a collaboré sur la chanson Go Kindergarten du groupe The Lonely Island.

En 2014, elle collabore une nouvelle fois avec le duo norvégien Röyksopp le temps d'un mini-album de 5 pistes, Do It Again. Par ailleurs, une tournée, le Röyksopp & Robyn Do It Again Tour 2014, avait été entamée peu avant l'annonce de la sortie du mini-album.

Discographie

• 1997 : Robyn is Here.
• 1999 : My Truth.
• 2002 : Don't Stop the Music.
• 2007 : Robyn.
• 2010 : Body Talk Pt 1.
• 2010 : Body Talk Pt 2.
• 2010 : Body Talk Pt 3.
• 2010 : Body Talk
• 2014 : Do It Again (avec Röyksopp)
• 2018 : Honey

Singles et EP

Notes et références

Liens externes

• Ressources relatives à la musique :
  • AllMusic
  • BBC Music
  • Genius
  • Last.fm
  • MusicBrainz
  • Rolling Stone
  • Songkick
  • (en) Billboard
  • (en) Discogs
  • (en + de) SoundCloud
• (en) Site officiel.