Angèle Joséphine Aimée Van Laeken, dite Angèle, née le 3 décembre 1995 à Uccle (Belgique), est une auteure-compositrice-interprète belge.

Son premier album, Brol, est sorti en octobre 2018.

Biographie

Angèle Van Laeken est la fille du chanteur Marka et de la comédienne Laurence Bibot (fondateurs du duo pop rock electro Monsieur et Madame), ainsi que la sœur du rappeur Roméo Elvis^,,.

Elle grandit à Linkebeek, dans la banlieue sud de Bruxelles. Son père l'encourage très tôt à apprendre à jouer du piano, ce qui lui inspirera une carrière musicale.

Angèle a été placée dans un collège catholique à l'éducation stricte auquel elle se sentait étrangère, avant de rejoindre l'École Decroly. Les options artistiques variées de cette école secondaire lui permettent de s'épanouir davantage et de rejoindre une école de jazz avant d'intégrer le groupe de son père.

Carrière musicale

Angèle donne ses premiers concerts dans des cafés de Bruxelles.

Elle s'est fait connaître, notamment en reprenant un titre de Dick Annegarn : Bruxelles, mais également via de courtes vidéos sur son compte Instagram où elle mêle chant et humour. Durant l'année 2017, elle assure les premières parties d'Ibeyi et du rappeur belge Damso, qu'elle accompagne notamment sur son album Lithopédion.

Son premier single, La Loi de Murphy, sort fin 2017 et fait des millions de vues sur YouTube. Un second single intitulé Je veux tes yeux a été publié début 2018. Les deux clips ont été réalisés par la photographe belge Charlotte Abramow.

En mai 2018, elle donne son premier concert parisien au Trianon accompagnée de MC Solaar sur la reprise de son titre Victime de la mode, et participe ensuite à de grands festivals d'été en Belgique, en France et en Suisse, comme Les Ardentes, Dour, Garorock, Rock Werchter et surtout Les Vieilles Charrues.

Angèle enchaîne dans le même temps avec La Thune, son troisième single.

Elle annonce dans la foulée la sortie de son premier album sur le label Initial, intitulé Brol, dont les titres sont présentés en août 2018. L'album sort le 5 octobre 2018, en même temps que son quatrième single en duo avec son frère, Roméo Elvis. Cet album connaîtra un certain succès, Angèle faisant notamment le tour de différentes grandes émissions télévisées Françaises, comme Taratata le 27 octobre.

En novembre 2018, dans une interview pour le site de Télérama, elle affirme sentir un fort sexisme dans le monde de la musique, et constate que certains ont du mal à intégrer le fait qu'elle écrit, compose et produit ses chansons elle-même.

Le 6 décembre 2018, son premier album Brol est certifié disque de platine, deux mois après sa sortie.

Influences musicales

Elle confie être une grande fan d'Ella Fitzgerald et d'Hélène Ségara. Elle s'inspire de tout : de la chanson française mais également de l'électro et du rap, qu'elle boycottait étant adolescente. En grandissant, elle s'est ouverte à ce style de musique, notamment en chantant avec son frère Roméo Elvis, ou les rappeurs Caballero et JeanJass. Plus jeune, elle écoutait le rappeur belge James Deano, connu pour son humour, mais aussi Sheryfa Luna, Zaho, Vitaa ou Diam’s.

Discographie

Album studio

• 2018 : Brol

Singles

Participations

Elle apparaît sur le second album studio Morale 2 de son frère Roméo Elvis dans le morceau J'ai vu et sur Lithopédion le troisième album studio de Damso dans le morceau Silence.

Tournée

• 2018 - 2019 : Brol Tour

Notes et références

Il est révélé au grand public en 2000, en composant avec Keren Ann l'album d'Henri Salvador, Chambre avec vue qui comprend notamment la chanson Jardin d'hiver. Benjamin Biolay est récompensé par 6 victoires de la musique : l'album révélation de l'année pour Rose Kennedy en 2002, l'interprète masculin de l'année et l'album de chansons pour La Superbe en 2010, Palermo Hollywood en 2017 et en 2021 l'interprète masculin et l'album de l'année pour Grand Prix.

Également acteur, il tourne avec Lætitia Masson, Anne Giafferi, Olivier Assayas, Tonie Marshall, Emmanuel Finkiel, Christophe Honoré, entre autres. Son rôle dans Stella de Sylvie Verheyde lui vaut une nomination au César du meilleur acteur dans un second rôle en 2009.

Biographie

Enfance, formation et débuts

Benjamin Biolay naît le 20 janvier 1973 à Villefranche-sur-Saône dans un univers musical. Sa mère est la petite-fille de Joseph Opinel, fondateur de la célèbre fabrique de couteaux Opinel. Son père est agent de maîtrise à la MNEF^,, clarinettiste amateur et joue dans l'orchestre municipal. Son arrière-grand-père paternel possédait une distillerie à Villefranche-sur-Saône.

En dépit de cette ascendance de grands industriels, Benjamin Biolay grandit dans un milieu modeste, ses deux grands-pères ayant vécu pour l'un une brouille familiale, pour l'autre un échec commercial. Il fait ses études au collège et lycée Notre-Dame de Mongré à Villefranche-sur-Saône.

Il acquiert dans sa jeunesse la pratique du violon et du tuba notamment dans une fanfare puis intègre le conservatoire à rayonnement régional de Lyon où il apprend le trombone et en sort en 1990 avec deux premiers prix. Parallèlement au conservatoire, il s'initie, en autodidacte, à la guitare et à la pop et il suit aussi les enseignements des classes musicales du lycée Saint-Exupéry à Lyon.

Au début des années 1990, il s'installe à Paris et sort quelques maquettes confidentielles et enregistre avec son groupe de l'époque, Matéo Gallion, un live (Live au Barbar, 1994) avant d'être remarqué par EMI chez qui il signe en 1996 et sort ses premiers singles, La Révolution (1997) puis Le jour viendra (1998), qui obtiennent peu d'échos. Il coécrit en 1998 avec Keren Ann le titre 1 + 1 du groupe Shelby, composé de Keren Ann, Karen Brunon et Xavier Druot.

Succès critique (2000-2007)

Benjamin Biolay obtient son premier succès commercial et public en 2000 en tant qu'auteur grâce aux titres qu'il coécrit avec Keren Ann pour Henri Salvador sur l'album Chambre avec vue. L'album vendu à un million d'exemplaires, reçoit une victoire de la musique en 2001.

C'est en mai 2001 que sort son premier album : Rose Kennedy, une histoire fantasmée de la famille Kennedy, sur fond de pop jazzy aux arrangements parfois intimistes, parfois sombres. L'album remporte la Victoire de la musique de l'Album révélation de l'année en 2002 et est disque d'or^,. Un EP live enregistré au Casino de Paris sort en 2002 avec le single Los Angeles.

En 2003 sort son deuxième album Négatif, dans lequel il marie le folk à son univers de cordes, de piano et de claviers de collection, avec une nonchalance un brin gainsbourgienne^,. Chiara Mastroianni, son épouse de 2002 à 2005, a contribué aux chœurs sur ce disque, signe avant-coureur du projet Home (2004) : pour cet album intimiste en forme de road movie, elle partage les parties voix avec Benjamin Biolay. La même année, il écrit la bande originale du film Clara et Moi de Arnaud Viard. Hélas, le couple très people intéresse davantage que leurs productions musicales.

Début 2005, Benjamin Biolay publie À l'origine. Ce recueil de quatorze chansons, qu'il dit plus personnelles, est plutôt sombre tel que sur le titre L'histoire d'un garçon. Cet album marque aussi l'apparition de ses premières boucles électroniques. Toujours salué par la presse française, jugeant cet album plus offensif que les autres, c'est le New York Times qui lui consacre un long article le 27 mars 2005 intitulé Le Pop Star.

En 2007, il publie Trash Yéyé que l'auteur considère comme le tome II d'À l'origine. Toujours sombre, toujours largement autobiographique, le spleen et les ruptures amoureuses en sont les thèmes principaux. Si le single Dans la Merco-Benz obtient un certain succès, les ventes de l'album sont plus délicates.

Le succès public n'est pas au rendez-vous. Son premier album, Rose Kennedy, disque d'or - plus de 75 000 exemplaires vendus - reste, avant 2009, son plus grand succès de vente. Les albums suivants connaissent une réception critique excellente mais les chiffres de ventes ne suivent pas : À l'origine et Trash Yéyé ne se vendront, respectivement, qu'à 35 800 et 19 800 exemplaires. Tant et si bien que, comme l'explique l'artiste, dans un contexte de crise du disque, après des ventes mitigées de son dernier album, Trash Yéyé, dont la promotion avait déjà été négligée par la maison de disques, produire un nouveau disque de Benjamin Biolay n'est plus une priorité pour EMI.

En marge de sa carrière musicale, Benjamin Biolay fait ses premiers pas au cinéma et il est nommé aux César en 2009 pour son second rôle dans Stella.

Rencontre avec le public (2009-2017)

En 2009, il quitte Virgin Music (label d'EMI) pour la maison d'édition Naïve, label indépendant fondé par Patrick Zelnik, fondateur de Virgin France. Son cinquième album studio, La Superbe, dont il est le producteur, paraît le 19 octobre 2009. Cordes, cuivres, guitares, boucles électroniques, quoique toujours largement introspectif dans ses thèmes, l'album semble plus lumineux et optimiste et Benjamin Biolay présente une voix plus affirmée que sur ses précédents albums. « Garder la superbe dans le chaos, dans mes moments difficiles, puisque, j'ai traversé, à tous points de vue, une sale période de ma vie. Ce double album est une grande épopée intime, un mini-opéra urbain, treize mois d'errance sentimentale et existentielle ». La semaine de sa sortie l'album entre à la troisième place du classement des meilleures ventes d'albums en France. Il est disque d'or avec 160 000 exemplaires vendus et est doublement récompensé aux Victoires de la musique 2010 en recevant la Victoire de l'artiste-interprète masculin et celle du meilleur album. « Le succès m'a à la fois surpris et rassuré, notamment sur scène, où pour la première fois les salles étaient remplies, avec des gens enfin heureux de me voir débarquer ».

En 2011, il sort un album de seize titres qui illustre le film Pourquoi tu pleures ? composé entre autres de trois duos, puis, en fin d'année, sort une compilation de dix-neuf titres dont un inédit intitulé L'eau claire des fontaines. Il rend hommage à Alain Bashung sur l'album de reprises Tels Alain Bashung, dans lequel il interprète Ma petite entreprise. Le concert du Casino de Paris sort en dvd, réalisé par Laetitia Masson.

Le 5 novembre 2012, il publie son sixième album intitulé Vengeance dans lequel il s'oriente davantage vers le hip hop. L'album comprend plusieurs duos, notamment avec Orelsan, Vanessa Paradis, Carl Barat et Oxmo Puccino. « C’est un album joyeux. La Superbe était un disque de dépits, de constats. Vengeance, c’est plutôt la vie est belle, ce qui dans mon langage romantique signifie ballades un peu noires ».

Le 22 avril 2016, il sort Palermo Hollywood, façonné en grande partie en Argentine. « Ce disque a été pensé entre deux villes et deux hémisphères, pour mieux nous raconter en seize nouveaux titres une audio pelicula où se croisent Ennio Morricone, ballade française, néo cumbia, lyrisme et grand orchestre, percussions latines et bandonéon électrique ». L'album obtient la Victoire de l'album de chansons, variétés lors des Victoires de la musique 2017.

Le 19 mai 2017, Benjamin Biolay revient avec l'album Volver, deuxième volet d'un diptyque entamé avec Palermo Hollywood. Cette même année, il participe en tant que membre du jury à la treizième saison du télé-crochet Nouvelle Star. À partir de l'année suivante, il est un invité récurrent de Burger Quiz sur TMC.

Grand Prix (2020) et Saint-Clair (2022)

Le 24 avril 2020 sort le single Comment est ta peine ?, premier extrait du 9^e album studio Grand Prix. Le titre de l'album fait référence à une passion du chanteur : la course automobile. « C'est un album concept. La course, le voyage, la route, la vie, la victoire, la défaite.... Ce sont les fils conducteurs. En tournée, on passe notre temps sur les routes. C'est un peu comme un pilote qui fait des tours en rond. On a toujours l'impression de faire ce grand voyage pour se retrouver au même endroit, l'après-midi, quand la salle est vide. Et puis la magie redémarre le soir. Cela fait partie des choses qui ont inspiré cet album ». L'album a été enregistré dans deux studios, français et belge, avec entre autres Johan Dalgaard et Philippe Entressangle. L'album plus rock que le précédent, obtient un succès critique et public. Comment est ta peine ? comptabilise 20 millions de streamings. L'album, n°1 des ventes à sa sortie, est disque de platine avec 150 000 exemplaires vendus^,,. La tournée de 70 dates commencée puis suspendue en octobre en raison de la crise sanitaire reprend en janvier 2021. Aux Victoires de la musique 2021, Benjamin Biolay reçoit la Victoire de l'artiste interprète masculin et la Victoire de l'album de l'année.

Le 9 juin 2022 sort le single Rends l'amour!, premier extrait du 10^e album studio Saint-Clair prévu le 9 septembre 2022^,.

Collaborations

Dans un premier temps, c'est grâce à ses collaborations avec d'autres artistes qu'il acquiert progressivement de la notoriété. En 1995, il écrit des arrangements pour L'Affaire Louis Trio, dont le chanteur Hubert Mounier est un ami. En 1999, il participe à l'écriture, la réalisation et la composition du premier album de Keren Ann : La Biographie de Luka Philipsen. Ce travail à deux est remarqué et le duo est invité à travailler sur l'album Chambre avec vue d'Henri Salvador. Ils sont ainsi les auteurs, entre autres, du titre phare Jardin d'hiver qui aura en 2000 un beau succès. Cette collaboration achèvera de faire connaître au grand public les noms de Keren Ann et de Benjamin Biolay.

Benjamin Biolay continue ses multiples collaborations les années qui suivent. Avant même la sortie de son premier album, il est crédité, en 2000 et 2001, sur les albums de Raphael, de Coralie Clément (sa sœur), d'Hubert Mounier et de Lulu Gainsbourg et Bambou. Après Chambre avec vue, il connaît un nouveau succès en réalisant l'album Mieux qu'ici-bas d'Isabelle Boulay écoulé à 1,5 million d'exemplaires. Par la suite, il continue à collaborer avec de nombreux artistes (voir le paragraphe « Collaborations »), notamment avec La Ceinture, single du second album d'Élodie Frégé, Le Jeu des 7 erreurs, dont il signe la moitié des textes et des musiques, single salué à la fois par ses pairs (il reçoit en 2007 le Grand prix de l'Union nationale des auteurs compositeurs pour ce titre) et le public (l'album sera disque d'or).

En 2013, il réalise et produit le sixième album de Vanessa Paradis, Love Songs dont il écrit et compose huit titres ainsi qu'un duo avec la chanteuse : Les Roses roses. L'opus, encensé par les critiques, s'écoule à plus de 200 000 exemplaires et obtient un double disque de platine.
Du 12 octobre au 19 décembre 2013, puis, du 10 juin au 28 juillet 2014, il accompagne Vanessa Paradis en tournée sur le Love Songs Tour en tant que musicien et pour un duo sur Les Roses roses, Station Quatre-septembre ou le titre inédit Pas besoin de permis.

En 2014, il réalise, co-écrit et co-compose le premier album sorti le 13 octobre de son amie d'enfance la violoniste Karen Brunon, déjà chanteuse du groupe Circus.

Le 15 juin 2015, il coproduit l'album de reprises Trenet accompagné de Denis Benarrosh et Nicolas Fiszman dans lequel il reprend treize titres de Charles Trenet.

À l'été 2018, Benjamin se produit sur scène (à Sète et aux Folies Bergère à Paris) en compagnie de Melvil Poupaud dans un spectacle intitulé Songbook mêlant musique, théâtre et cinéma, composé de reprises de grandes chansons françaises (Charles Aznavour, Juliette Gréco, Nino Ferrer...). L'album composé de 18 titres sort en novembre et sont annoncées quarante dates de concert pour l'hiver 2019 avec notamment un passage à l'Olympia^,.

Vie privée

En 2002, quelques mois après leur rencontre, il épouse Chiara Mastroianni. Ils ont une fille, Anna, née le 22 avril 2003. Ils divorcent en 2009.

Le 13 mai 2014, lors d'un défilé Chanel à Dubaï, Vanessa Paradis officialise sa relation avec le chanteur français. Ils se séparent en mai 2015.

Il est également le père d'une fille qui vit en Argentine.

Prises de positions politiques

En 2011, Benjamin Biolay déclare être « militant socialiste » et soutient François Hollande contre Martine Aubry à la primaire socialiste. En 2012, il appelle à voter pour le candidat Hollande.

En 2014, il compose, enregistre et met en ligne une chanson intitulée Le Vol noir en réaction aux résultats des élections européennes qui placent le Front national en tête.

Benjamin Biolay fait partie des signataires, en novembre 2016, d'une tribune publiée dans Le Journal du Dimanche pour dénoncer le « Hollande-bashing » rappelant « tout ce qui a été accompli » notamment « la sanctuarisation du budget de la culture ».

Lors du premier tour de l'élection présidentielle de 2017, il vote en faveur de Benoît Hamon, commentant à ce sujet en janvier 2018 : « juste parce que c'était le candidat du parti ». Il estime être « militant de pensée socialiste, ouais, mais pas militant du Parti socialiste. Il ne me parle plus, je n'ai plus de nouvelles de lui. Même à travers les médias, rien ne me connecte au PS ».

En septembre 2018, à la suite de la démission de Nicolas Hulot, il signe avec Juliette Binoche la tribune contre le réchauffement climatique intitulée « Le plus grand défi de l'histoire de l'humanité », qui paraît en une du journal Le Monde, avec pour titre L'appel de 200 personnalités pour sauver la planète.

Il annonce quelques jours avant le premier tour de l’élection présidentielle de 2022 qu’il votera pour Anne Hidalgo.

Discographie

Albums studio

En concert

Autres albums

Bandes originales

DVD

Collaborations

Filmographie

Acteur

Cinéma

Télévision

Compositeur

• 2011 : La guerre est déclarée de Valérie Donzelli ? chanson Ton grain de beauté
• 2014 : L'Homme qu'on aimait trop de André Téchiné

Réalisateur

• 2014 : Office du tourisme (court-métrage)

Distinctions

• Victoires de la musique 2002 : Victoire de l'album révélation de l'année pour Rose Kennedy
• 15 juillet 2004 : Chevalier de l'ordre des Arts et des Lettres
• Grand prix de l'Union nationale des auteurs et compositeurs en 2007 pour la chanson La Ceinture écrite pour Élodie Frégé
• César 2009 : nomination au César du meilleur acteur dans un second rôle pour Stella
• Grand prix international du disque de l'académie Charles Cros dans la catégorie chanson pour La Superbe le 7 janvier 2010 (figure sur l'album éponyme).
• Globes de Cristal 2010 : artiste masculin de l'année
• Victoires de la musique 2010 :
  • Victoire de l'album de chansons, variétés pour La Superbe
  • Interprète masculin de l'année
• Janvier 2010 : Officier de l'ordre des Arts et des Lettres(La médaille lui est remise par la ministre Aurélie Filippetti, le 10 octobre 2012.)
• Victoires de la musique 2017 : Victoire de l'album de chansons, variétés pour Palermo Hollywood
• Victoires de la musique 2021 :
  • Victoire de l'artiste masculin
  • Victoire de l'album de l'année pour Grand Prix
  • Nomination chanson originale pour Comment est ta peine ?

Notes et références

Annexes

Bibliographie

• Sylvain Raggianti (photogr. Olivier Roller, couverture par Pierre Cornuel), Benjamin Biolay, l'histoire d'un garçon, Chatou, Mustang éditions, 1^er mars 2010, 248 p. (ISBN 978-2-9535727-0-4, présentation en ligne)
• Jérémy Attali (photo de couverture par Jessica Calvo), Benjamin Biolay - Paroles de fans, aux éditions Camion Blanc, 23 mai 2017, 248 pages. (ISBN 9782357799622)

Liens externes

• Site officiel
• Ressources relatives à la musique :
  • Discogs
  • SoundCloud
  • Taratata
  • (en) MusicBrainz
  • (en) Muziekweb
  • (en) Rate Your Music
  • (en) Songkick
• Ressources relatives à l'audiovisuel :
  • Allociné
  • Unifrance
  • (en) AllMovie
  • (de + en) Filmportal
  • (en) Internet Movie Database
• Ressource relative au spectacle :
  • Les Archives du spectacle

Elle est désignée en 2009 comme étant l'artiste de la décennie 2000 par The Guardian, tandis que New Musical Express la voit comme l'une des artistes ayant défini la décennie 2010 ; selon Entertainment Weekly, personne n'a dominé la musique comme elle dans cette dernière décennie. Les critiques musicales du New Yorker décrivent Beyoncé comme étant la musicienne la plus populaire, la plus importante et la plus influente de ce début de XXI^e siècle.

En janvier 2017, elle dénombre plus de 185,5 millions de disques vendus dans le monde, auxquels peuvent s'ajouter les 65,5 millions d'exemplaires vendus avec le groupe Destiny's Child dont elle a été la meneuse. Celui-ci est d'ailleurs le troisième groupe féminin ayant vendu le plus d'albums derrière les Spice Girls et TLC. Beyoncé se classe ainsi parmi les artistes ayant vendu le plus de disques au cours des années 2000.

En 2003, pendant une pause avec les Destiny's Child, Beyoncé sort son premier album solo Dangerously in Love, qui contient les singles populaires Crazy in Love, Baby Boy et Naughty Girl. Le disque devient l'un des albums à succès de l'année, il se vend à plus de 12.5 millions d'exemplaires dans le monde dont 5 millions aux États-Unis et obtient également le record de cinq Grammy Awards^,. Après la dissolution du groupe en 2005, Beyoncé sort son second album studio, B'Day, sorti le jour de son 25^e anniversaire en 2006. Il contient les succès Déjà Vu, Irreplaceable et Beautiful Liar ; en décembre 2014, il dénombre plus de 9,5 millions d'exemplaires vendus, dont 3 millions aux États-Unis. Son troisième album solo I Am? Sasha Fierce, sorti en 2008, inclut le tube Single Ladies (Put a Ring on It). L'album et ses singles gagnent six Grammy Awards, battent le record du nombre de Grammy Awards remportés par une artiste féminine au cours de la même cérémonie^,, et se vendent à plus de 9 millions d'exemplaires dans le monde dont 5 millions aux États-Unis. En 2011, son quatrième album intitulé 4 contient les singles Run the World (Girls), Best Thing I Never Had et enfin Countdown ; l'album se vend à 5,1 millions d'exemplaires. En 2013, son cinquième album éponyme contient le single Drunk in Love en collaboration avec Jay-Z. L'album s'est vendu à 8,5 millions d'exemplaires en novembre 2016. Le 23 avril 2016, elle crée l'évènement avec la sortie surprise de son sixième album Lemonade, qui a été vendu à plus de 3 millions d'exemplaires dont plus d'1.7 million aux États-Unis. Elle est la première artiste dont les six premiers albums sont en tête du Billboard 200.

Beyoncé remporte de nombreuses récompenses au fil de sa carrière ; elle est la deuxième artiste la plus récompensée au monde juste après Michael Jackson. Aux Grammy Awards, elle est l'artiste féminine la plus récompensée avec 24 récompenses. En 2020, Beyoncé totalise 70 nominations, ce qui fait d'elle l'artiste féminine la plus nominée de l'histoire des Grammy Awards. En 2007, elle marque l'histoire en devenant la première artiste féminine à gagner le prix de l'artiste internationale aux American Music Awards. Elle est classée comme la quatrième artiste des années 2000 selon Billboard et le 11 décembre 2009, le magazine Billboard la classe comme l'artiste féminine ayant eu le plus de succès et comme l'artiste la plus diffusée en radio lors de la décennie 2000-2009. En février 2010, la RIAA la classe comme l'artiste la plus certifiée de la décennie^,.

En 2010, le magazine Forbes classe Beyoncé à la deuxième place de sa liste des 100 célébrités les plus puissantes et influentes dans le monde et la désigne comme la personnalité la plus puissante et influente de la musique^,,. La même année, elle est classée neuvième dans la liste des femmes les plus puissantes du monde selon Forbes. Le périodique Time l'inclut également dans sa liste des « 100 personnes les plus influentes dans le monde ». En 2013, le magazine Forbes la classe 17^e dans la liste des femmes les plus puissantes et 4^e dans la liste des stars les plus puissantes du monde, ce qui fait d'elle la deuxième chanteuse la plus puissante au monde, derrière Lady Gaga et devant Madonna. Le 21 janvier 2013, elle chante l'hymne national lors de la seconde investiture du président américain Barack Obama. En février 2013, elle chante lors de la mi-temps du Super Bowl XLVII. Elle chantera à nouveau lors du Superbowl 50 en février 2016 accompagnée de Coldplay et Bruno Mars. Les deux spectacles font partie des mi-temps les plus vues de tous les temps. En fin août 2016, Beyoncé est nommée 11 fois aux MTV Video Music Awards 2016 où elle remporte 8 trophées et livre une performance de cinq chansons de son dernier album. en 2016 Beyonce a reçu le CFDA Fashion Icon Award qui récompense les célébrités les plus influentes dans le monde de la mode. Son tube Formation devient la chanson la plus récompensée de toute l'histoire, surpassant le tube Thriller de Michael Jackson.

En 2014, elle figure en tête de la liste établie par le magazine Forbes des célébrités les plus influentes au monde.

Beyoncé Knowles commence sa carrière d'actrice en 2001, en apparaissant dans le film musical Carmen: A Hip Hopera. En 2006, elle interprète le rôle principal dans le film adapté de la comédie musicale de Broadway datant de 1981, Dreamgirls, pour lequel elle obtient deux nominations aux Golden Globes. Elle interprète également l’un des premiers rôles du thriller Obsessed en 2009.

Beyoncé et sa mère Tina lancent leur ligne de mode familiale, House of Deréon, en 2004. Elle fait également de la publicité pour des marques comme Pepsi-Cola, Tommy Hilfiger, Giorgio Armani et L'Oréal.

Beyoncé est mère de trois enfants nés du couple qu'elle forme depuis 2008 avec son mari rappeur et homme d'affaires Jay-Z.

Biographie

Jeunesse et débuts

Beyoncé Giselle Knowles naît le 4 septembre 1981 à Houston au Texas. Elle est la fille de Mathew Knowles, producteur de musique professionnel et de Celestine Ann « Tina » Beyoncé, styliste, couturière et coiffeuse d'origine afro-américaine, amérindienne et française. Par sa mère, Beyoncé est une descendante du chef acadien Joseph Brossard^,. Beyoncé est prénommée ainsi en hommage à sa mère dont le nom de jeune fille est « Beyoncé ». Sa sœur cadette Solange Knowles sera aussi chanteuse.

Beyoncé est scolarisée à l'école primaire St. Mary au Texas, où elle suit des cours de danse. Son talent pour le chant est découvert quand son professeur de danse commence à fredonner une chanson qu'elle termine, en atteignant des notes aiguës. L'intérêt de Beyoncé pour la musique et le spectacle naît après sa participation à un spectacle scolaire où elle chante Imagine de John Lennon et remporte le concours^,. À sept ans, Beyoncé commence à attirer l'attention de la presse, en étant mentionnée dans le Houston Chronicle comme candidate pour les récompenses locales des arts du spectacle The Sammy.

À l'automne 1990, elle est inscrite à l'école primaire Parker, une école spécialisée dans la musique à Houston, où elle s'exerce sur scène avec la chorale de l'école. Elle va également à la Kinder High School for the Performing and Visual Arts de Houston et entre ensuite à la Alief Elsik High School (en) localisée dans une municipalité de la banlieue de Houston, Alief^,. Beyoncé est soliste dans la chorale de son église, l'église méthodiste unie St. John. Elle reste dans la chorale pendant deux ans.

À neuf ans, Beyoncé rencontre LaTavia Roberson lors d'une audition pour rejoindre un groupe de divertissement entièrement féminin. Avec Latavia et sa cousine Kelly Rowland, elles rejoignent toutes trois un groupe de six jeunes filles qui fait du rap et de la danse, appelé à l'origine Girl's Tyme. Le producteur RnB de la côte Ouest Arne Frager se rend à Houston pour les rencontrer, et, convaincu, les emmène enregistrer dans son studio The Plant Recording Studios, en Californie du Nord, avec la voix de Beyoncé en vedette. Dans le cadre des efforts pour faire signer un contrat à Girl's Tyme chez un label majeur, la stratégie de Frager est au début de les faire participer à Star Search, la plus grande émission de recherche de talents du moment. Girl's Tyme participe à la compétition, mais échoue parce que, selon Beyoncé, la chanson interprétée n'était pas la bonne^,. Beyoncé connaît son premier « échec professionnel » avec cette défaite, mais retrouve confiance après avoir appris que les pop stars Britney Spears et Justin Timberlake avaient eux aussi vécu la même humiliation.

Pour gérer le groupe, le père de Beyoncé, à cette époque vendeur d'équipement médical, démissionne, en 1995, de son travail, il met en place un « camp d'entraînement » pour leur formation. Ce qui réduit de moitié le budget de la famille de Beyoncé, et ses parents sont forcés de déménager dans des appartements séparés. Peu de temps après l'inclusion de Rowland, Matthew réduit le groupe à quatre, avec LeToya Luckett qui les rejoint en 1993. Répétant dans le salon de coiffure de Tina et dans son arrière-boutique, le groupe continue à se produire, comme pour la première partie d'un concert de groupes RnB féminin de cette époque ; Tina contribue en créant leurs costumes, ce qu'elle continuera à faire pendant toute l'ère Destiny's Child. Grâce au soutien continu de Matthew, elles auditionnent auprès des maisons de disques et signent finalement chez Elektra Records. Elles déménagent à Atlanta pour travailler sur leur premier enregistrement, avant que la maison de disques ne rompe le contrat en 1995. Le groupe retourne à la maison pour recommencer à zéro et le nom du groupe est changé en Destiny's Child. Ceci apporte la discorde chez les Knowles, les parents de Beyoncé se séparent brièvement quand elle a 14 ans. En 1996, la famille se reforme, et au même moment, les filles signent un contrat avec Columbia Records sous le nom de Destiny's Child.

Destiny's Child (1997-2001)

Le groupe change son nom en Destiny's Child en 1993 d'après un passage du Livre d'Isaïe. Ensemble, elles se produisent dans des concerts locaux et, après quatre ans sur la route, le groupe signe chez Columbia Records à la fin de l'année 1997. Cette même année, Destiny's Child enregistre leur première chanson, Killing Time, pour la bande-originale du film de 1997, Men in Black^,. L'année suivante, le groupe sort son premier album, qui contient leur premier tube, No, No, No. Cet album installe le groupe dans l'industrie musicale, avec des ventes modérées et faisant gagner au groupe trois Soul Train Lady of Soul Awards pour le « Meilleur single RnB/soul » avec No, No, No, le « Meilleur album RnB/soul de l'année » et le « meilleur nouvel artiste RnB/soul ou rap ». Le groupe sort son second album qui sera plusieurs fois disque de platine, The Writing's on the Wall, en 1999. Le disque comporte certaines des chansons les plus connues du groupe telles que Bills, Bills, Bills, le premier single numéro un du groupe, Jumpin', Jumpin', et Say My Name, qui va devenir leur chanson remportant le plus de succès à ce moment-là, et qui restera une de leurs chansons phares. Say My Name remporte le prix de la Meilleure prestation RnB par un duo ou un groupe avec chant et le prix de la Meilleure chanson RnB lors de la 43^e cérémonie des Grammy Awards en 2001. The Writing's on the Wall s'est vendu à plus de huit millions d'exemplaires.

Luckett et Roberson découvrent sur le clip de Say My Name qu'elles ont été remplacées par Michelle Williams et Farrah Franklin. Elles intentent alors un procès au groupe pour rupture de contrat. Finalement, Luckett et Roberson quittent le groupe. Franklin les suit cinq mois plus tard, comme en témoignent ses absences lors des promotions et des concerts. Elle attribue son départ à des ondes négatives dans le groupe, résultant de la séparation. Après la décision sur leur nombre définitif, le trio enregistre Independent Women Part I, qui apparaît en 2000 sur la bande originale du film, Charlie et ses drôles de dames. Il devient leur single le mieux classé, restant en tête du classement officiel des singles américains pendant onze semaines consécutives. Plus tard dans l'année, Luckett et Roberson retirent leur plainte contre les nouveaux anciens membres du groupe, tout en continuant leur procès contre Mathew. Les deux parties se mettent d'accord : ils conviennent de cesser leur dénigrement public. Luckett et Roberson déposent à nouveau plainte après la sortie du troisième album des Destiny's Child, Survivor qui est sorti en mai 2001, en faisant valoir que les chansons de l'album les visaient. L'album débute numéro un au Billboard 200 américain avec 663 000 exemplaires vendus. Deux ans plus tard, Survivor a été vendu à plus de dix millions d'exemplaires dans le monde entier, dont plus de 40 % uniquement aux États-Unis. L'album engendre d'autres singles numéro un comme Bootylicious et le titre éponyme de l'album, Survivor ; ce dernier vaudra au groupe un Grammy Award de la meilleure prestation R&B par un duo ou un groupe avec chant. Après la sortie de leur album de Noël, 8 Days of Christmas, le groupe annonce prendre une pause pour que chacune poursuive des projets en solo.

Dangerously In Love et dissolution du groupe (2000-2005)

Avant de se lancer dans une carrière solo, lorsqu'elle était encore avec les Destiny's Child, Beyoncé faisait déjà des apparitions en solo. Elle fait notamment un duo avec son partenaire de label Marc Nelson sur la chanson After All Is Said and Done pour la bande originale du film de 1999 The Best Man. Au début de 2001, alors que les Destiny's Child terminent l'enregistrement de Survivor, Beyoncé décroche un des rôles principaux dans le téléfilm de MTV, Carmen: A Hip Hopera, aux côtés de l'acteur américain Mekhi Phifer. Tourné à Philadelphie, le film est une interprétation moderne de l'opéra du XIX^e siècle Carmen écrit par le compositeur français Georges Bizet.

En 2002, Beyoncé est la co-vedette de la comédie Austin Powers dans Goldmember, en jouant Foxxy Cleopatra aux côtés de Mike Myers. Beyoncé enregistre son premier single solo, Work It Out, pour la bande originale de ce film. L'année suivante, elle joue aux côtés de Cuba Gooding Jr. dans la comédie romantique The Fighting Temptations, et enregistre de nombreuses chansons pour la bande originale du film, dont Fighting Temptation et une reprise de Fever^,.

Cette même année, Beyoncé est présente sur le single de son petit ami Jay-Z, 03 Bonnie & Clyde. Elle enregistre également une version de In da Club de 50 Cent qui sort en mars 2003. Luther Vandross et Beyoncé reprennent le duo The Closer I Get to You, qui a été originellement enregistré par Roberta Flack et Donny Hathaway en 1977. Leur version gagne un Grammy Award de la meilleure prestation R&B par un duo ou un groupe avec chant l'année suivante, tandis que Dance with My Father, une reprise de Vandross, récompense Beyoncé avec le Grammy Award de la meilleure prestation vocale R&B masculine^,.

Après que Williams et Rowland ont sorti leur album respectif en solo, Beyoncé sort à son tour son premier album solo, Dangerously in Love, en juin 2003. Avec de nombreux collaborateurs musicaux, l'album contient une combinaison de chansons comprenant des rythmes élevés et des mélodies RnB. L'album débute à la première place du Billboard 200, se vendant à 317 000 exemplaires dans sa première semaine. Certifié quadruple disque de platine le 5 août 2004 par le Recording Industry Association of America, l'album s'est vendu à 6,7 millions d'exemplaires à ce jour aux États-Unis. L'album a produit deux singles numéro un. Crazy in Love, contenant un couplet rappé de Jay-Z, est diffusé comme premier single de l'album et est resté numéro un dans le Billboard Hot 100 pendant huit semaines consécutives et dans de nombreux classements dans le monde. Beyoncé a également été simultanément en tête des classements des singles et des albums au Royaume-Uni^,. Le second single de l'album, Baby Boy, dans lequel intervient le chanteur de dancehall Sean Paul, devient également un des plus grands succès de 2003, dominant le classement des diffusions dans les radios américaines et restant pendant neuf semaines numéro un au Billboard Hot 100 soit une semaine de plus que Crazy in Love^,. Comme ce dernier, les trois singles suivants deviennent également des succès commerciaux, ce qui propulse l'album au sommet des classements et l'y maintient, le disque finissant par être certifié multi-disque de platine. Beyoncé remporte le nombre record à cette époque de cinq Grammy Awards lors de la 48^e cérémonie des Grammy Awards en 2004 pour son travail en solo, qui comprend le Grammy Award de la meilleure prestation vocale R&B féminine pour Dangerously in Love 2, celui de la meilleure chanson RnB pour Crazy in Love, et celui du meilleur album de 'B contemporain. Elle partage ce record avec quatre autres artistes féminines : Lauryn Hill en 1999, Alicia Keys en 2002, Norah Jones en 2003 et Amy Winehouse en 2008. Elle bat son propre record en 2010, avec 6 Grammy Awards en une seule cérémonie. En 2004, elle gagne un Brit Award pour l'artiste internationale féminine solo. Au début de l'année 2004, Beyoncé interprète l'hymne national américain au Super Bowl XXXVIII au Reliant Stadium de Houston. Elle participe le 27 février 2005 à la 77^e cérémonie des Oscars en interprétant Vois sur ton chemin, la chanson du film Les Choristes de Christophe Barratier nominée pour l'Oscar de la meilleure musique de film.

Elle prévoit ensuite de sortir une suite à Dangerously in Love, qui utilisera certains de ses enregistrements laissés de côté. Cependant, ses aspirations musicales ont été mises en pause en raison d'un agenda chargé, notamment par l'enregistrement avec les Destiny's Child de ce qui sera leur dernier album. Après trois ans consacrés à des projets solo, Beyoncé, Rowland et Williams sortent Destiny Fulfilled en novembre 2004. L'album atteint la deuxième place du Billboard 200, et engendre trois singles qui entrent dans le top 40 dont Lose My Breath et Soldier. Pour accompagner l'album, les Destiny's Child lancent en 2005 la tournée mondiale Destiny Fulfilled? And Lovin' It, qui se déroule d'avril à septembre. Lors de leur visite à Barcelone, le groupe annonce sa dissolution après la fin de la partie nord-américaine de la tournée^,. En octobre 2005, le groupe sort une compilation, appelée Number 1's, qui comporte tous les singles numéro un des Destiny's Child et la plupart de leurs chansons connues. La compilation inclut également trois nouvelles chansons. Destiny's Child est honoré par une étoile sur le Hollywood Walk of Fame en mars 2006. Elles ont été également reconnues comme le groupe féminin ayant vendu le plus dans le monde de tous les temps par les World Music Awards^,.

B'Day et Dreamgirls (2006-2007)

Continuant sa carrière au cinéma, Beyoncé joue le rôle de Xania, une pop star internationale dans le film La Panthère rose, aux côtés de Steve Martin, qui joue l'inspecteur Jacques Clouseau^,. Le film sort le 10 février 2006, et débute numéro un au box-office, avec 21,7 millions de dollars en recette dans sa première semaine. Beyoncé enregistre Check on It pour la bande originale du film, avec Slim Thug, et atteint la première place du Billboard Hot 100. À la fin 2005, elle met à nouveau son deuxième album en attente après avoir décroché un rôle dans Dreamgirls, une adaptation cinématographique de la comédie musicale de Broadway du même nom datant de 1981 qui évoque un groupe des années 1960, librement inspiré par le groupe entièrement féminin de la Motown, The Supremes. Dans le film, elle joue un personnage inspiré par Diana Ross, Deena Jones^,. Dreamgirls, dont les têtes d'affiche sont Jamie Foxx, Eddie Murphy, et Jennifer Hudson, sort en décembre 2006. Beyoncé enregistre plusieurs chansons pour la bande originale du film, dont la chanson Listen. Le 14 décembre 2006, Beyoncé est proposée pour deux Golden Globes grâce au film : le Golden Globe de la meilleure actrice dans un film musical ou une comédie et le Golden Globe de la meilleure chanson originale pour Listen. Inspirée par son rôle dans Dreamgirls, Beyoncé travaille sur son second album sans plan précis, indiquant à MTV News, « [Lorsque le tournage s'est terminé] J'avais tant de choses refoulées, tant d'émotions, tant d'idées ». Beyoncé s'entoure de ses anciens collaborateurs musicaux, dont Rich Harrison, Rodney Jerkins et Sean Garrett, aux Sony Music Studios à New York. Elle coécrit et coproduit la quasi-totalité des chansons de l'album, qui est enregistré en trois semaines. B'Day sort dans le monde le 4 septembre 2006, et le lendemain aux États-Unis pour coïncider avec la célébration de son vingt-cinquième anniversaire. L'album débute à la première place dans le Billboard 200, avec plus de 541 000 exemplaires vendus dans la première semaine, son plus haut score de ventes en première semaine en tant qu'artiste solo. L'album a été certifié trois fois disque de platine aux États-Unis par le Recording Industry Association of America (RIAA). Le premier single, Déjà Vu, en duo avec Jay-Z est numéro un au Royaume-Uni. Irreplaceable sort en octobre 2006 comme le second single de l'album dans le monde et le troisième single aux États-Unis. La chanson prend la tête du Billboard Hot 100 pendant 10 semaines consécutives, le record de Beyoncé. Bien qu'il ait été un succès commercial, la production relativement courte de l'album fait l'objet de critiques^,,.

Beyoncé sort à nouveau B'Day le 3 avril 2007, dans une édition de luxe, comprenant cinq nouvelles chansons et les versions en espagnoles de Irreplaceable, et de Listen. En même temps, la B'Day Anthology sort avec 10 clips vidéos^,. En parallèle de l'album, Beyoncé entame la longue tournée de concerts The Beyoncé Experience, qui visite plus de quatre-vingt-dix sites dans le monde entier, et est filmé pour le concert en DVD The Beyoncé Experience Live!. À la 49^e cérémonie des Grammy Awards en 2007, B'Day fait gagner à Beyoncé le prix du meilleur album de RnB contemporain. L'artiste marque l'histoire lors de la 35^e cérémonie annuelle des American Music Awards en devenant la première femme à gagner le prix de l'artiste internationale.

I Am? Sasha Fierce et Cadillac Records (2008-2010)

Beyoncé sort son troisième album studio, I Am... Sasha Fierce, le 18 novembre 2008. Elle déclare que Sasha Fierce est le nom de la personnalité qu'elle adopte quand elle est sur scène. L'album est précédé par la sortie de ses deux singles, If I Were a Boy et Single Ladies (Put a Ring on It). Alors que If I Were a Boy est en tête de nombreux classements dans le monde, surtout dans les pays européens, Single Ladies (Put a Ring on It) s'est classée numéro un au classement Billboard Hot 100, pour quatre semaines non-consécutives, donnant à Beyoncé son cinquième single numéro un aux États-Unis.

Beyoncé joue le rôle de la chanteuse de blues Etta James dans le film biographique musical, Cadillac Records. Sa prestation dans le film lui vaut des éloges de la part des critiques. La chanson Once in a Lifetime, qui est une collaboration avec le chanteur britannique Scott McFarnon, est proposée pour un Grammy Award et un Golden Globe. Beyoncé joue également avec Ali Larter et Idris Elba dans un thriller intitulé Obsessed, qui était en production depuis mai 2008. Le film s'avère être un succès commercial, sort aux États-Unis le 24 avril 2009 et rapporte 11,1 millions de dollars le jour de sa sortie. Il termine le week-end d'ouverture à la première place, avec un total de 28,6 millions de dollars.

Halo, le quatrième single de I Am? Sasha Fierce prend la cinquième position dans le Billboard Hot 100, devenant le 12^e single dans le top 10 de ce classement de Beyoncé en tant qu'artiste solo. Cela fait de Beyoncé l'artiste féminine avec le plus de top dix dans le Hot 100 cette décennie^,. Elle est également l'artiste féminine avec le plus de semaines cumulées à la première place de ce classement cette décennie, avec un total de 36 semaines à la première place, le plus de top cinq et également le plus de top dix de la décennie avec quatorze^,, ainsi que le plus de singles dans le top 40 pendant la décennie avec 19 singles.

Beyoncé remporte le prix de la meilleure artiste féminine aux NAACP Image Awards 2009. Elle gagne aussi le prix de la meilleure artiste RnB lors des Teen Choice Awards 2009. Beyoncé est le 18 janvier 2009, aux festivités du Lincoln Memorial en l'honneur de l'investiture de Barack Obama, le 44^e président des États-Unis. Elle chante également sa version de la plus célèbre chanson de RnB classique de Etta James, At Last, au président Obama et à sa femme Michelle qui font à cette occasion leur première danse en tant que président et première dame d'Amérique, le 20 janvier 2009, au Neighborhood Inaugural Ball.

En soutien de l'album, Beyoncé lance la longue tournée de concerts I Am? World Tour à partir de l'été 2009, parcourant le monde entier. Elle conclut la partie nord-américaine de sa tournée avec un engagement de quatre jours limité au très intime théâtre Encore de 1 500 places au complexe Encore de Steve Wynn à Las Vegas, du 30 juillet jusqu'au 2 août 2009. Au 2 août 2009, la tournée de Beyoncé est officiellement classée l'attraction numéro un grâce aux records de fréquentation et un parcours inédit avec de nombreuses étapes. Le journaliste de Billboard Bob Allen confirme le succès de la tournée, indiquant : « Avec un bénéfice annoncé atteignant les 36 millions de dollars depuis que la tournée a commencé, son show se classe parmi les 15 premières grosses tournées de l'année. »

Le clip vidéo de Single Ladies (Put a Ring on It) remporte le BET Awards 2009 de la vidéo de l'année. De plus, il est proposé pour un total de neuf récompenses lors des MTV Video Music Awards 2009, et finalement remporte celle de la vidéo de l'année ainsi que deux autres prix, même si son échec dans la catégorie Meilleure vidéo féminine remporté par Taylor Swift et sa chanson You Belong with Me conduit à une controverse lors de la cérémonie^,,. En octobre 2009, Beyoncé reçoit le prix de la « femme de l'année » du magazine Billboard. En novembre 2009, elle est annoncée comme la gagnante du concours de la chaîne anglaise 4Music appelé « Les plus grandes popstars du monde ». Plus de 100 000 personnes ont voté.

Après le séisme de 2010 à Haïti, Beyoncé participe au téléthon Hope for Haiti Now: A Global Benefit for Earthquake Relief. Elle apparaît à Londres avec Jay-Z, Rihanna, Bono et The Edge de U2, où elle interprète une version acoustique de sa chanson Halo. Beyoncé domine la 52^e cérémonie des Grammy Awards, en recevant 10 nominations, dont le Grammy Award de l'album de l'année pour I Am? Sasha Fierce, celui de l'enregistrement de l'année pour Halo, et celui de la chanson de l'année pour Single Ladies (Put a Ring on It). Ses deux autres nominations sont le Grammy Award de la meilleure prestation vocale R&B traditionnel pour At Last et la meilleure chanson écrite pour un film, la télévision ou un autre média visuel pour Once in a Lifetime tirée de Cadillac Records en 2009. Ainsi, elle atteint avec Lauryn Hill le plus de nominations aux Grammy Awards pour une seule cérémonie par une artiste féminine. Elle établit finalement le record du plus grand nombre de Grammy Awards remportés lors d'une seule cérémonie par une artiste féminine le 31 janvier 2010, où elle remporte six prix sur ses dix nominations. Elle gagne le prix de la chanson de l'année, de la meilleure chanson RnB, et la meilleure prestation vocale RnB féminine pour Single Ladies (Put a Ring on It), la meilleure prestation vocale pop féminine pour Halo, le meilleur album de RnB contemporain pour I am? Sasha Fierce et la Grammy Award de la meilleure prestation vocale RnB traditionnel pour At Last.

Les deux dernières semaines de la tournée I Am? World Tour ont lieu en février 2010 en Amérique du Sud et dans les Caraïbes. En mars 2010, le single de Lady Gaga Telephone, où Beyoncé apparaît, passe à la première place du classement Pop Songs, devenant le sixième numéro un dans ce classement pour les deux chanteuses. Avec cette performance, elles égalent le record obtenu par Mariah Carey pour le plus de numéros un depuis le lancement en 1992 du classement Nielsen BDS basé sur les diffusions à la radio. Telephone devient le cinquième titre numéro un de Beyoncé dans le UK Singles Chart, en tant qu'artiste solo, comme artiste principal ou pas.

Plus tôt dans l'année, Beyoncé déclare dans une interview pour USA Today qu'elle prendra une pause musicale en 2010 : « Il est certainement temps de prendre une pause, de recharger mes batteries. Je voudrais prendre environ six mois et ne pas aller en studio. J'ai juste besoin de vivre ma vie, d'être inspirée par de nouvelles choses. » Beyoncé déclare également vouloir aller au restaurant, prendre des cours, aller voir des films, des spectacles de Broadway et prévoir également de passer plus de temps avec son neveu, Julez (le fils de sa sœur, Solange Knowles)^,,,,.

Durant sa pause, Beyoncé est interviewée par le magazine Allure en février 2010 où elle révèle que « Sasha Fierce n'est plus. Je l'ai tuée. » Elle poursuit en disant qu'elle est assez à l'aise avec elle-même pour s'assumer sans alias. Elle explique en outre : « Je n'ai plus besoin de Sasha Fierce, parce que j'ai grandi et maintenant je suis capable d'unifier les deux. » Aux BET Awards 2010, Beyoncé remporte le BET Award de la vidéo de l'année pour sa collaboration avec Lady Gaga sur Video Phone.

4 (2011-2012)

En janvier 2011, il est annoncé que Beyoncé jouera dans un remake d'Une étoile est née, réalisé et produit par Clint Eastwood pour Warner Bros. Le remake sera la quatrième adaptation de l'histoire de Une étoile est née et la plus récente depuis la version de 1976 avec Barbra Streisand et Kris Kristofferson. Toutefois, le 9 octobre 2012, Beyoncé déclare à E! News qu'elle a abandonné son rôle prévu dans le film à cause de problèmes de calendrier. Elle affirme : « Depuis des mois, nous avons essayé de coordonner nos emplois du temps afin d'amener ce remake à la vue mais c'est tout simplement impossible. Espérons que dans le futur, nous aurons une chance de travailler ensemble ». En février 2011, des documents obtenus par le site web WikiLeaks révèlent que Beyoncé avec Usher, Mariah Carey et Nelly Furtado avaient reçu pas moins de 1 million de dollars pour chanter devant les membres de la famille du dirigeant libyen, à ce moment-là, Mouammar Kadhafi^,. Le magazine Rolling Stone a signalé que l'industrie musicale les a exhortés de rendre l'argent qu'ils ont gagné pour ce concert. Le 2 mars 2011, un porte-parole de la chanteuse déclare à The Huffington Post qu'elle avait reversé l'argent au Clinton Bush Haiti Fund qui a été créé pour aider les victimes du séisme de 2010 à Haïti. Le 28 mars 2011, il est annoncé que le père de Beyoncé et manager de longue date Matthew Knowles ne gère plus sa carrière. L'attaché de presse de la chanteuse adresse un communiqué à Associated Press, indiquant qu'elle et son père se sont séparés « sur le plan professionnel ». Elle se gère désormais elle-même et a embauché sa propre équipe de management. En juin 2011, Forbes la place à la huitième place de sa liste des « célébrités de moins de 30 ans les mieux payés » pour avoir gagné 35 millions de dollars entre mai 2010 et mai 2011. Le magazine explique que le faible classement de Beyoncé est dû au fait qu'elle a passé la plupart de cette période sur la route et qu'elle était en train d'enregistrer son quatrième album.

Le quatrième album studio de Beyoncé, 4, sort le 24 juin 2011. L'album est inspiré par différents artistes dont Fela Kuti, The Stylistics, Lauryn Hill, Stevie Wonder et Michael Jackson. Il débute à la première place du Billboard 200 avec 310 000 exemplaires vendus en première semaine. Cela donne à la chanteuse son quatrième album consécutif à la première place des albums aux États-Unis et elle devient la seconde artiste féminine et la troisième artiste, à avoir ses quatre premiers albums studio à la première place du Billboard 200. Cependant, les ventes en première semaine de 4 sont les plus faibles ventes en première semaine de Beyoncé avec un album studio à ce jour. Son premier single Run the World (Girls) atteint la 29^e place du Billboard Hot 100 et devient le premier single le moins bien classé de la chanteuse en tant qu'artiste solo. Le second single de l'album Best Thing I Never Had sort le 1^er juin 2011. Il atteint la 16^e place du Billboard Hot 100. Beyoncé est la tête d'affiche du Glastonbury Festival 2011 et donne un concert de 90 minutes le dernier jour du festival le 26 juin 2011. Elle chante également au festival T in the Park Festival en Écosse le 9 juillet 2011 et le Oxegen Festival en Irlande le lendemain. Beyoncé monte sur la scène du Roseland Ballroom de New York pour quatre soirs de concerts spéciaux. La programmation des concerts de 4 Intimate Nights with Beyoncé est l'ensemble de l'album 4. Durant quatre soirées, le 14, 16, 18 et 19 août, elle interprète ses nouvelles chansons à un public debout.

Le 28 août, aux MTV Video Music Awards 2011, Beyoncé annonce qu'elle et Jay-Z attendent leur premier enfant. Elle en fait l'annonce durant son apparition sur le tapis rouge et à la fin de son interprétation de Love on Top en frottant son ventre^,. The Huffington Post confirme plus tard que la chanteuse était enceinte de 5 mois et que cette annonce de grossesse bat le record du « plus de tweets enregistrés par seconde pour un seul évènement » sur Twitter avec 8 868 tweets par seconde. MTV rapporte que la prestation de Beyoncé sur Love on Top et l'annonce de sa grossesse lors de la cérémonie de prix a aidé les MTV Video Music Awards 2011 à devenir le programme le plus vu dans l'histoire de MTV avec 12,4 millions de téléspectateurs. En plus, les données de Google Insights montrent que le terme le plus recherché du 29 août au 4 septembre 2011 était « Beyoncé enceinte » qui atteint des niveaux d'« éclatement » - un terme utilisé par Google pour décrire une recherche avec une augmentation de plus de 5 000 %. L'annonce par Beyoncé de sa grossesse a entraîné une augmentation des ventes de ses disques, en particulier 4, qui s'était vendu à 700 000 exemplaires en août 2011. L'album est certifié disque de platine par la RIAA. 4 s'est vendu à 1 400 000 exemplaires aux États-Unis et à plus de 3 millions d'exemplaires dans le monde entier.

Le 8 octobre, une prestation pré-enregistrée de Beyoncé interprétant I Wanna Be Where You Are de Michael Jackson est diffusée au concert hommage Michael Forever au Millennium Stadium à Cardiff en Pays de Galles. En novembre 2011, Beyoncé Knowles est désignée comme l'interprète qui gagne le plus à la minute dans le monde par le site web de médias sociaux, en gagnant 1,25 million de livres sterling pour un concert de cinq chansons lors d'une fête pour le réveillon du nouvel an 2010 sur l'île de Saint-Barthélémy, ce qui équivaut à 71 040 livres par minute passée sur scène. Le 30 novembre 2011, elle reçoit deux nominations pour la 54^e cérémonie des Grammy Awards : une pour la meilleure collaboration rap/chant pour Party et celle de la meilleure vidéo musicale de format long pour le I Am... World Tour. En décembre 2011, la chanteuse se place à la quatrième place de la liste 2011 du magazine Forbes des « femmes les mieux payées dans la musique » pour avoir gagné 35 millions de dollars. Le 20 décembre 2011, il est révélé que Knowles a travaillé avec le producteur The-Dream pour enregistrer de nouvelles chansons. Dans une interview avec The Boombox, The-Dream explique : « Elle est prête à travailler ... Elle est folle ! Elle n'arrête jamais de faire quelque chose. Je sais pas si [la grossesse] va la ralentir. Elle est tout simplement incroyable de faire des choses, je ne sais pas comment elle va le faire, elle est juste folle ... dans le bon sens. »

The Mrs. Carter World Tour et Beyoncé (2013-2015)

Le 21 janvier 2013, Beyoncé chante l'hymne national lors de la seconde investiture du président américain Barack Obama. Le 29 janvier 2013, les Destiny's Child sortent une compilation intitulée Love Songs avec une chanson inédite Nuclear, leur première chanson originale depuis leur séparation en 2005. Le 3 février 2013, elle chante lors de la mi-temps du Super Bowl XLVII qui est devenue une des mi-temps les plus vues de tous les temps avec 104 millions de téléspectateurs et est le deuxième évènement le plus commenté sur Twitter. Quelques jours plus tard, lors de la 55e cérémonie des Grammy Awards, elle remporte le prix de la meilleure chanson RnB traditionnelle pour Love on Top.

Elle apparaît dans son propre documentaire qu'elle réalise et produit intitulé Life Is But a Deam diffusé sur HBO le 16 février 2013 où elle parle de sa vie professionnelle et personnelle dont sa grossesse^,. Le DVD, accompagné d'un live faisant partie du Revel Presents: Beyoncé Live sort en novembre 2013 avec une chanson exclusive; God Made You Beautiful.

Beyoncé entame sa cinquième tournée de 132 dates The Mrs. Carter Show World Tour le 15 avril 2013 à Belgrade en Serbie et qui s'achève le 27 mars 2014, à Lisbonne, au Portugal et qui est sa tournée ayant le plus eu de succès et une des tournées les plus rentables de tous les temps.

Le 4 avril 2013, elle figure dans une publicité Embrace your past, but live for now pour la marque de boisson Pepsi-Cola où une partie du titre inédit Grown Woman est diffusée. Le lendemain, est diffusée dans une publicité pour la marque de vêtements H&M, une nouvelle chanson Standing on the Sun. En mai 2013, elle participe à la bande originale produite par Jay-Z de Gatsby le Magnifique en reprenant Back to Black d'Amy Winehouse en collaboration avec André 3000. Elle prête sa voix à Queen Tara dans le film d'animation Epic : La Bataille du royaume secret qui sort le 24 mai 2013, et elle enregistre le titre Rise-Up co-écrit avec Sia pour le film. En juillet 2013, elle est présente sur l'album Jay-Z, Magna Carta... Holy Grail avec le titre Part II (On the Run) qui sera le troisième single de l'album en février 2013.

Le 13 décembre 2013, Beyoncé fait paraître son cinquième album éponyme BEYONCÉ incluant 14 chansons et 17 vidéos, sans annonce, ni promotion qui est arrivé en tête du Billboard 200 durant trois semaines consécutives et elle devient la première artiste féminine ayant cinq albums consécutifs ayant atteint la première place du classement. Après 3 jours de vente sur iTunes, il a réussi à se classer numéro 1 dans 104 pays, et le total d'albums vendus est de 828 773 exemplaires en trois jours, ce qui devient le record mondial absolu sur une période aussi courte. L'album s'est vendu à 420 000 exemplaires en 24 heures juste aux États-Unis et la sortie surprise de son opus a généré 1,2 million de tweets en 12 heures. En cinq jours, il se vend à un million d'exemplaires sur iTunes. À compter de novembre 2014, l'album a été vendu à plus de 5 millions d'exemplaires dans le monde.

Les deux premiers singles de l'album sortent quelques jours après la sortie de ce dernier, XO arrive à la quarante-cinquième place du Billboard Hot 100 tandis que Drunk in Love en collaboration avec Jay-Z connaît un grand succès commercial, se classant à la deuxième place de classement et le couple interprète la chanson en performance d'ouverture de la 56e cérémonie des Grammy Awards. Le 25 février 2014 sort Partition qui se classe vingt-troisième du classement, suivi de Pretty Hurts le 10 juin 2014 qui, comme Partition, arrive en tête du Hot Dance Club Songs. Une réédition de l'album sort le 24 novembre 2014; dont est extrait trois singles: un remix de Flawless en collaboration avec Nicki Minaj le 12 août 2014, puis 7/11 le 24 novembre 2014 qui s'est placé à la treizième place du Billboard Hot 100 et en tête du Hot Dance Club Songs ainsi que du Hot R&B/Hip-Hop Songs, ainsi que Ring Off qui sort quelques jours plus tard. Le 2 juin 2014 sort sa collaboration avec Kelly Rowland et Michelle Williams, Say Yes qui figure sur l'album de cette dernière Journey to Freedom sorti en septembre 2014.

En avril 2014, après plusieurs semaines de rumeurs, Beyoncé et Jay-Z annonce leur tournée commune de vingt-et-une dates intitulée On The Run Tour qui a débuté aux États-Unis le 25 juin 2014 et s'est achevée au Stade de France les 12 et 13 septembre 2014. Lors de la 57e cérémonie des Grammy Awards, elle est nommée dans six catégories dont elle en remporte trois ; celle de la meilleure performance RnB et de la meilleure chanson RnB pour Drunk in Love et du meilleur album son surround pour son album éponyme, elle ne remporte cependant pas le prix de l'album de l'année, à la surprise générale^,.

Lemonade et Everything is Love (2016-2018)

Le 6 février 2016, elle sort le single Formation dont le clip est diffusé en exclusivité sur Tidal, qui a atteint la dixième place du Billboard Hot 100. Le jour suivant, elle chante la chanson lors du Superbowl où elle fait le spectacle de la mi-temps en compagnie de Coldplay et de Bruno Mars. À la suite de cette performance elle annonce sa septième tournée mondiale, Formation World Tour qui a débuté le 27 avril 2016.

Le 23 avril 2016, elle crée l'évènement avec la sortie surprise de son sixième album studio, Lemonade. Elle avait annoncé le 16 avril 2016 qu'un documentaire de 60 minutes appelé Lemonade sera diffusé sur HBO sans dire la nature du projet, même si les fans et les médias viennent rapidement a déduire que ce sera un album. Le même jour que l'opus est diffusé sur Tidal et sort officiellement dans le monde le lendemain. Il débute à la première place du Billboard 200 se vendant à 653 000 exemplaires lors de sa première semaine de sortie. Elle a battu le record de DMX étant la seule artiste à avoir ses six premiers albums en tête de ce classement et bat également Taylor Swift étant la première artiste à avoir douze chansons du même album classés dans le Billboard Hot 100 (celui de Taylor était de onze). L'album est acclamé par la critique et est son projet le mieux reçu toutes critiques confondus. Le 3 mai 2016, elle sort le deuxième single, Sorry qui atteint la onzième place du Billboard Hot 100, puis suivi par le troisième single Hold Up qui atteint la treizième place de ce même classement. Beaucoup de médias et de fans relatent que cet album est un sous-entendu aux multiples tromperies de son mari Jay-Z, malgré leurs multiples collaborations. Lors des MTV Video Music Awards en août 2016 elle remporte huit prix sur ses onze nominations dont le plus important celui du clip de l'année pour Formation et devient l'artiste la plus récompensé de l'histoire de cette cérémonie. En janvier 2017, L'annonce de sa grossesse Instagram devient la photo la plus aimée du site en moins de quelques heures.

Lors de la 59^e cérémonie des Grammy Awards en février 2017, elle est l'artiste la plus nominée comptabilisant neuf nominations, ce qui lui permet d'être l'artiste féminine la plus nommé de l'histoire de cette cérémonie. Elle n'a remporté que deux prix : celui de meilleur clip pour Formation et du meilleur album urbain pour Lemonade. Elle n'a pas remporté, et ce encore une fois à la surprise générale, le prix de l'album de l'année pour Lemonade ce qui a été sujet à la controverse par les médias et les réseaux sociaux^,,. Le prix a été remporté par Adele qui a déclaré lors de son discours que Lemonade méritait le prix et l'a cassé pour donner l'autre partie à Beyoncé^,. En septembre 2017 Beyoncé sort le remix de "Mi Gente" en collaboration avec J Balvin et Willy William. Tous les bénéfices de cette musique furent reversés à des associations d’aide aux victimes des ouragans Harvey et Irma qui ont touché le Texas, le Mexique, Porto Rico et d’autres îles des Caraïbes. "Mi Gente" est considéré par le Billboard comme l’une des 100 chansons qui ont défini les années 2010 après s’être placé troisième sur le Hot 100.

Le 10 novembre 2017, Eminem dévoile "Walk on Water", le single principal de son album Revival, en collaboration avec Beyoncé.

Le 30 novembre, Ed Sheeran annonça que Beyoncé chantera dans le remix de sa musique "Perfect" qui est publiée le 1er décembre 2017 sous le nom de "Perfect Duet". La chanson devient la numéro 1 du classement Billboard aux Etats-Unis. C’est la sixième chanson de la carrière solo de Beyoncé à accomplir cela.

Le 4 janvier 2018, le vidéo-clip de la collaboration entre Beyoncé et Jay-Z sur le nouvel album de ce dernier, 4: 44, "Family Feud" est publié. Il est réalisé par Ava DuVernay.

Le 1er mars 2018, DJ Khaled dévoile "Top Off" en collaboration avec Beyoncé, Jay-Z et Future. C'est premier single de l'album Father of Asahd de DJ Khaled^{, Sun, 18 Aug 2019 12:27:00 +0000 http://stereochic.radio-site.com/artistes/billie-eilish-68 http://stereochic.radio-site.com/artistes/billie-eilish-68}

Billie Eilish Pirate Baird O'Connell, connue plus simplement sous le nom de Billie Eilish, née le 18 décembre 2001 à Los Angeles, est une auteure-compositrice-interprète américaine.

À l’âge de 8 ans, elle intègre le Los Angeles Children’s Chorus, une chorale d'enfants.

Son premier single, Ocean Eyes,(sorti en mars 2016) est devenu viral, enregistrant près de 87 millions d'écoutes durant le seul mois de juillet 2018. Son premier EP (ou mini-album), Don't Smile at Me, est sorti en août 2017. Deux mois plus tard, suite au succès de l'EP, Apple fait de Billie Eilish son nouvel artiste Apple Music Up next. Le 29 mars 2019 sort son premier album. When We All Fall Asleep, Where Do We Go? (traduisible par « Quand nous nous endormons tous, où allons-nous ? ») dont Finneas O'Connell, son frère, a produit les quatorze titres avec son aide. Celui-ci a été classé n^o 1 du Billboard 200 américain avec le troisième plus grand nombre de diffusions en continu pour l'album d'une artiste féminine, avec 313 000 unités équivalentes à un album (y compris 170 000 ventes d'albums « physiques », la deuxième plus grande semaine de vente pour un album en 2019). Il a atteint la première place au Royaume-Uni, au Canada et en Australie. L'album comportait quatre des quarante meilleurs singles américains : When the Party's Over, Bury a Friend, Wish You Were Gay et Bad Guy.

Grâce à la RIAA, Eilish a remporté sept singles d'or et deux de platine. Cela a également fait d'elle la première musicienne née au 21^e siècle à être en tête du classement, ainsi que la plus jeune chanteuse figurant en tête du classement en dix ans depuis Demi Lovato. L'album s’est également classé au premier rang du classement britannique des albums, avec 48 000 exemplaires vendus, faisant d'Eilish la plus jeune auteure solo ayant jamais figurée en tête du classement.

Biographie

Débuts - Ocean Eyes

Billie O'Connell grandit à Los Angeles dans le quartier de Highland Park, dans une famille d'acteurs et de musiciens irlandais^,,,. Ses parents, Maggie Baird et Patrick O'Connell, sont comédiens, musiciens et scénaristes^,,. Elle effectue sa scolarité à la maison et rejoint le Los Angeles children's Chorus (en français la « chorale des enfants de Los Angeles ») à l'âge de huit ans. À onze ans, elle commence à écrire et chanter ses propres chansons, comme le faisait déjà son frère aîné Finneas O'Connell avec son groupe. En octobre 2015, elle enregistre la chanson Ocean Eyes (initialement écrite par Finneas pour son groupe) et envoie l'enregistrement à son professeur de danse qui confectionne une chorégraphie pour le titre^,.

Elle révèle sur le plateau du Ellen DeGeneres Show souffrir du syndrome de Gilles de la Tourette pour lequel elle a été diagnostiquée à l'âge de onze ans et qu'elle souffrait de dépression.

Le titre Ocean Eyes est le premier single de Billie Eilish, qu'elle publie sur SoundCloud début 2016. Un clip vidéo sort le 24 mars 2016. Cette même année, elle sort le single Six Feet Under. Ocean Eyes qui fut édité dans le monde entier par les labels Darkroom et Interscope Records le 18 novembre 2016 bénéficie d'un accueil globalement favorable de la part des critiques. « La chanson est de la pure pop ; une ballade sur le désir de réconciliation avec un ex. On peut raisonnablement penser que ce titre va devenir un tube » déclare Chris DeVille du blog Stereogum. Depuis le 22 novembre 2016, une vidéo de Billie Eilish dansant sur ce titre est également disponible. Le 14 janvier 2017, Billie Eilish sort un EP avec quatre remixes de Ocean Eyes.

2016-2017 : percée - Don't Smile at Me

Après le succès des remixes d'Ocean Eyes, Billie Eilish sort le single Bellyache (qui deviendra également le nom d'un donut chez Donut Friend, magasin qu'elle fréquente à Los Angeles) le 24 février 2017, produit et co-écrit par Finneas O'Connell, avec un clip vidéo réalisé par Miles et AJ et publié le 22 mars 2017. Le 30 mars, elle sort Bored qui apparaît dans la bande originale de la série télévisée de 13 Reasons Why. Le 30 juin 2017, elle sort le single Watch et dans la foulée Copycat le 11 juillet 2017 avec l'annonce d'un EP Don't Smile at Me. Durant ce mois de juillet, tous les vendredis, Billie Eilish ajoute un autre single dans le nouvel EP et c'est ainsi que les singles Idontwannabeyouanymore et My Boy sont publiés. Don't Smile at Me sort le 12 août 2017. Ensuite, elle collabore avec le rappeur Américain Vince Staples pour un remix de Watch intitulé &Burn, qui sera inclus par la suite dans une réédition de l'EP. En janvier 2018, elle annonce la préparation de sa tournée Where's My Mind qui commence en août 2018.

Pour le Record Store Day 2018, Billie Eilish annonce un vinyle avec une version acoustique de sa chanson Party Favor et une reprise acoustique Hotline Bling de Drake.

Depuis 2019 : premier album When We All Fall Asleep, Where Do We Go?

Billie Eilish collabore avec le chanteur américain Khalid pour le single lovely publié en avril 2018 et ajouté à la bande-son de la deuxième saison de 13 Reasons Why. 2018 est également l'année de sortie des singles bitches broken hearts, you should see me in a crown et when the party's over. Le 30 janvier 2019 sort le single Bury a Friend. Dans la foulée, Billie Eilish annonce son premier album intitulé When We All Fall Asleep, Where Do We Go?, qui sort le 29 mars 2019. Quelques semaines avant l'album, elle sort le single Wish You Were Gay. L'album se place n^o 1 du Billboard 200 dès la première semaine, durant laquelle il se vend à 313 000 exemplaires dont 170 000 « physiques ». Son single Bad Guy se place au top des ventes sur iTunes et des streams sur Spotify dès sa sortie.

Discographie

Album

• When We All Fall Asleep, Where Do We Go? (2019)

EPs

• Don't Smile at Me (2017)

Singles

Autres textes

Clips

Filmographie

Podcasts

Tournées

En tête d'affiche

• Where's My Mind (titre des Pixies) Tour (2018)
• 1 By 1 Tour (2018)
• When We All Fall Asleep, World Tour (2019)
• Coachella Festival

Ouverture

• Florence and the Machine : High as Hope Tour (2018-2019)

Notes et références

• (en) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en anglais intitulé « Billie Eilish » (voir la liste des auteurs).

Liens externes

• Ressource relative à l'audiovisuel :
  • (en) Internet Movie Database
• Ressources relatives à la musique :
  • AllMusic
  • BBC Music
  • Genius
  • MusicBrainz
  • Shazam
  • Songkick
  • (en) Billboard
  • (en) Discogs
• (en) Site officiel

Bob Marley, né Robert Nesta Marley le 6 février 1945 à Nine Miles (Jamaïque), et mort le 11 mai 1981 à Miami (États-Unis), est un auteur-compositeur-interprète, chanteur et musicien jamaïcain.

Bob Marley rencontre de son vivant un succès mondial, et reste à ce jour le musicien le plus connu et le plus vénéré du reggae, tout en étant considéré comme celui qui a permis à la musique jamaïcaine et au mouvement rastafari de connaître une audience planétaire. Il a vendu plus de 200 millions de disques à travers le monde.

Biographie

Robert Nesta Marley est né le 6 février 1945 à Rhoden Hall, près de Nine Miles dans la paroisse de Saint Ann.

Bob Marley est né d'une mère noire jamaïcaine (afro-caribéenne) âgée de 18 ans, Cedella Booker, épouse Marley Booker (1926-2008), et d'un père blanc d'origine anglaise né en Jamaïque, Norval Sinclair Marley (1885-1955) qui prétendait être capitaine de la Royal Navy, mais qui était en réalité contre-maître dans les plantations. Robert a très peu connu son père souvent en voyage mais qui apporte son soutien financier à Cedella et son fils. Ses grands-parents paternels sont Albert Thomas Marley, un anglais du Sussex et Ellen Broomfield une bourgeoise jamaïcaine colorée. D'après Michael George Marley (fils de Noel Marley, frère de Norval Marley), qui l'aurait appris de sa famille puis vérifié, les Marley seraient des Juifs syriens passés par l'Angleterre avant de s'installer en Jamaïque.

Période ska

À l'adolescence, Bob Marley quitte la misère de la campagne pour celle du ghetto de Trenchtown à Kingston. Ayant arrêté l'école à 14 ans, il y rencontre Neville Livingston, dit Bunny Wailer, et Winston Hubert McIntosh, dit Peter Tosh, avec qui il chante des cantiques et des succès de soul américaine qu'ils entendent sur les radios de Miami. Le chanteur Joe Higgs leur donne des cours de chant. Bob Marley enregistre sa première chanson Judge Not pour le producteur Leslie Kong, du label Beverley's, en 1962, à l'âge de 17 ans, ainsi qu'une reprise d'un succès de country de Claude Gray : One Cup of Coffee en 1962. Ces titres n'ont aucun succès, mais Bob continue à s'investir dans la musique.

En 1963, il forme avec Junior Braithwaite, Peter Tosh et Bunny Wailer, le groupe vocal The Wailers (les gémisseurs). Ils obtiennent un contrat avec Studio One en 1964 et leurs premiers morceaux de ska, gospel, rhythm and blues et soul sont produits par le grand producteur local Clement « Sir Coxsone » Dodd, qui a pour assistant en studio Lee « Scratch » Perry (Scratch assure aussi la promotion). Coxsone Dodd et les Wailers signent un contrat pour cinq ans. En février 1964, le titre Simmer Down cartonne et devient n^o 1 en Jamaïque : 80 000 copies du titre sont vendues. Les Wailers enregistrent Rude Boy, I'm Still Waiting, Put It On et une première version de One Love. Bob quitte son métier de soudeur. Après l'album intitulé The Wailin' Wailers, le trio se sépare de Coxsonne, qui ne leur a pas versé grand-chose en contrepartie des dizaines de titres qu'ils ont enregistrés pour lui.

Période rocksteady

Vers le milieu des années 1960, le rocksteady succède au ska. Plus lent et chaloupé que ce dernier, le rocksteady marque une étape dans l'évolution de la musique jamaïcaine, qui s'affranchit de plus en plus des rythmiques rapides du ska. Reprenant la soul nord-américaine et le rhythm and blues, le style est marqué par plus de chants et de claviers, et moins de cuivre. Les chansons reprennent des thèmes d'amour et de religion et les paroles s'imprègnent peu à peu de croyances rastafari. Les chanteurs s'adressent à la jeunesse et aux rudes boys des ghettos, et tentent de leur redonner espoir.

Le lendemain de son mariage avec Rita Anderson le 11 février 1966, Bob Marley, à la demande de sa mère, remariée avec un Jamaïcain nommé Booker installé à Wilmington dans le Delaware, part la rejoindre aux États-Unis. Bob y travaille à l'hôtel Dupont, mais continue à écrire des chansons. Il est provisoirement remplacé par Constantine « Dream » Walker. Souhaitant retrouver sa liberté, il retourne dans son île après l'été 1966. Il s'intéresse de plus en plus au mouvement rastafari, qui a émergé dans les années 1930 en Jamaïque, et fonde avec Peter Tosh et Bunny Livingston le label indépendant Wail'n Soul'm. Leur premier titre, autoproduit, dans le nouveau style rocksteady, s'intitule Bend Down Low. À Kingston, Mortimer Planno, un rasta jamaïcain d'origine cubaine qui a voyagé en Éthiopie et rencontré Haïlé Sélassié Ier au début des années 1960, lui transmet une partie de sa culture rasta. Métis clair rejeté par les noirs jamaïcains, Bob Marley se sent accepté par ce mouvement. Sans le soutien d'un distributeur professionnel, ses disques se vendent très mal, et Bob Marley est trop pauvre pour vivre en ville avec sa femme Rita et ses deux enfants Cedella (en) et Ziggy. Il retourne dans son village natal en 1967 pour un ressourcement spirituel, mais continue à enregistrer et à publier nombre de 45 tours obscurs pour sa petite marque Wail'n Soul'm, comme les futurs classiques Hypocrites et Nice Time, qui sortent sous le nom de Bob Marley and the Wailers.

Rita, Bob Marley et Peter Tosh rencontrent, en janvier 1968, le chanteur américain Johnny Nash, qui est décidé à lancer le style rocksteady aux États-Unis, et son manager Danny Sims, avec qui ils signent un contrat international exclusif pour les disques et éditions JAD. Bob Marley leur fournit quantité de compositions inédites, dont Stir It Up, qui deviendra bientôt un succès pour Nash. Johnny Nash a beaucoup de succès avec le rocksteady (tube américain Hold Me Tight en 1968), mais l'album de Bob Marley and the Wailers qu'il a financé ne sort pas (il ne sera finalement publié qu'en 1997 chez JAD). Seule une nouvelle version de Bend Down Low avec des cuivres américains ajoutés à New York sort en France et au Canada (JAD-CBS) en 1968, mais sans aucun succès. Bob Marley écrit parallèlement son premier morceau rasta, Selassie Is the Chapel, en 1968. Cet enregistrement important, dans le style nyabinghi (tambours rastas), est financé par Mortimer Planno, qui en interprète la face B, A Little Prayer. Quelques producteurs locaux se succèdent, mais le trio vocal n'a plus aucun succès depuis son départ du giron de Coxsone Dodd.

Période reggae

Sans ressources, Bob Marley repart aux États-Unis rejoindre sa mère en 1969. Il travaille plusieurs mois comme ouvrier, de nuit, dans une usine automobile Chrysler, ce qui lui inspire les paroles de la chanson It's Alright (1970). Sa femme et ses jeunes enfants le rejoignent. À son retour, il fonde les disques Tuff Gong, du nom du ghetto (dérivé du surnom de Leonard Howell, le « Gong » fondateur du mouvement rastafari), et enregistre une reprise de James Brown (Say It Loud) I'm Black and I'm Proud rebaptisée Black Progress, dans le nouveau style reggae, avec de jeunes musiciens, les frères Carlton (à la batterie) et Aston « Family Man » Barrett (à la basse), qui ne le quitteront plus. Mais les disques indépendants Tuff Gong n'ont toujours aucun succès. Marley va voir son vieil ami Lee « Scratch » Perry, qui est allé, fin 1969, en Angleterre accompagné par les frères Barrett sous le nom des Upsetters. Perry obtient un succès anglais avec l'instrumental The Return of Django et accepte de produire le trio vocal Bob Marley and the Wailers. Ils collaboreront jusqu'en 1978. Perry donne une nouvelle couleur au groupe, qui enregistre plusieurs chefs-d'œuvre avec lui, dont Duppy Conqueror, Sun Is Shining, Soul Rebel, Kaya et le (I've Gotta) Keep on Moving de Curtis Mayfield. Il réunira certains de ces 45 tours sur l'album Soul Rebels sorti en Angleterre en 1973 chez Trojan.

Toujours sans succès, Bob Marley and the Wailers gravent une dizaine de chansons avec l'équipe de musiciens de Leslie Kong « Beverley’s All-Stars » (Lloyd Parkes, Jackie Jackson, Paul Douglas, Gladstone ?Gladdie? Anderson, Winston Wright, Rad Bryan, Lynn Taitt, et Hux Brown), un producteur jamaïcain (Kong avait déjà produit les deux premiers 45 tours solo de Bob Marley en 1962), qui a du succès en Angleterre grâce à un son professionnel capable de percer sur le marché britannique (disques Trojan à Londres). Il publiera ces titres en 1971 sous le nom de The Best of the Wailers. Bunny Wailer, superstitieux, pense que leur « meilleur » est encore à venir et lui lance une malédiction^{[réf. nécessaire]}. Leslie Kong meurt peu après d'une crise cardiaque^{[réf. nécessaire]}, et le trio ne touche aucun argent. Bob Marley se rapproche de l'organisation rasta des Douze Tribus d'Israël fondée par Prophet Gad, alias Vernon Carrington. Ils continuent à alterner les auto-productions pour Tuff Gong et les séances financées par Lee « Scratch » Perry pour sa marque Upsetter. Malgré la qualité de leur travail prolifique, ils n'ont aucun succès local jusqu'à leur autoproduction Trench Town Rock (Tuff Gong 1971).

À la demande de Johnny Nash - qui cherche des compositions pour la musique du film suédois Vil Sa Garna Tro (L'amour n'est pas un jeu) dans lequel il joue le rôle principal - Bob Marley part pour Stockholm en 1971. Il y écrit plusieurs morceaux, et collabore à la musique du film. Nash signe alors avec les disques CBS à Londres où il enregistre le plus gros succès de sa carrière, I Can See Clearly Now. Marley l'a rejoint, et signe lui aussi avec CBS grâce à Nash et son manager, avec qui il est toujours sous contrat. Comme l'album de Nash, le 45 tours Reggae on Broadway sort en 1972, mais Bob Marley n'a aucun succès. Le son et les musiciens anglais apportés par Nash ne lui conviennent pas. Quelques concerts à Londres, avec les frères Barrett, sont organisés en première partie de Nash, mais sans succès. Nash part vers la gloire et abandonne son poulain. Marley contacte alors Chris Blackwell, le fondateur des labels Trojan et Island Records. Blackwell est Jamaïcain, il a déjà distribué en Angleterre les disques Beverley's de Leslie Kong, et connaît le nom de Marley. Il rachète le contrat de production à Danny Sims et confie de l'argent à Bob Marley qui part enregistrer à Kingston. À ce point charnière de sa carrière, Bob Marley a déjà contribué à au moins 350 morceaux enregistrés en studio (dont une trentaine environ en tant que choriste), dont une grande partie ne seront révélés au public international que beaucoup plus tard, bien après sa mort, notamment dans la série de dix CD The Complete Bob Marley and the Wailers 1967 to 1972 (JAD) réalisée entre 1998 et 2003 par le français Bruno Blum et l'américain Roger Steffens. Marley réenregistrera par la suite une partie de ces compositions, comme Satisfy My Soul, Sun Is Shining ou Lively Up Yourself.

Succès

À la suggestion de Blackwell, les deux premiers albums pour Island sont remixés à Londres, où des solos de guitare sont ajoutés, ainsi que des parties de claviers qui apportent un son plus accessible au grand public. Catch a Fire puis Burnin' sortent chez Island sous le nom des Wailers en avril et octobre 1973. Mais, après une tournée anglaise non payée car les Wailers doivent gagner leur public britannique, Bunny Wailer quitte le groupe, remplacé par Joe Higgs pour la tournée suivante (album Talking Blues), puis c'est Peter Tosh qui s'en va, laissant Bob à sa carrière solo. Le trio vocal féminin « I Threes » avec Rita Marley, Marcia Griffiths et Judy Mowatt prend en charge les chœurs. Le nom des Wailers sera désormais celui de ses accompagnateurs, parmi lesquels les frères Barrett (basse et batterie), les pianistes Earl « Wire » Lindo et Tyrone Downie, le guitariste Earl « Chinna » Smith, l'harmoniciste Lee Jaffee et le percussionniste Alvin « Seeco » Patterson. Son troisième album est le chef-d'œuvre Natty Dread, dans lequel il incorpore une influence blues avec le guitariste américain Al Anderson. Un autre guitariste soliste américain, Junior Marvin, est ensuite engagé. Suivra Live! enregistré le 18 juillet 1975 à Londres, qui contient son premier succès international No Woman No Cry, où il console une femme affectée par la violence des ghettos, puis l'essentiel Rastaman Vibration (1976) qui sera le disque de Bob Marley le plus vendu de son vivant, et son premier succès américain.

En 1973, Bob Marley rencontre Eric Clapton en Jamaïque et celui-ci reprend, l'année suivante, I Shot the Sheriff, qui sera gage de succès et contribuera à la vague du reggae en Occident.

Le 3 décembre 1976 à Kingston, peu avant le grand concert gratuit en plein air Smile Jamaica qui a lieu à la demande du premier ministre jamaïcain Michael Manley, Bob Marley échappe à une fusillade déclenchée à son domicile par six hommes armés, alors qu'il répétait avec son groupe dans l’Island House au 56 Hope Road. Une balle érafle sa poitrine et vient se loger dans son bras gauche, tandis qu'une autre touche Rita à la tête, mais sans la tuer. Don Taylor, leur manager américain, en sort très gravement blessé de cinq balles. Des membres des Wailers reconnaissent parmi les agresseurs Jim Brown, un tueur proche du parti travailliste de Jamaïque (JLP), parti d'opposition de droite pro-américain. Bob Marley évoquera cet épisode dans sa chanson Ambush in the Night sur l'album Survival publié en 1979.

Deux jours après l'attentat, Bob Marley participe comme prévu au concert Smile Jamaica à Kingston. Aux journalistes qui lui demandaient pourquoi il tenait tant à jouer lors de ce concert, il répondit : « Les gens qui tentent de rendre ce monde mauvais ne prennent jamais de jours de congés. Comment le pourrais-je ? ». Family Man Barrett, caché dans les collines, est remplacé ce jour-là par Cat Coore de Third World. Bob montre ses bandages à la foule. Il ne se sent plus en sécurité en Jamaïque et part en exil en janvier 1977. Il fait escale à Nassau, puis se réfugie à Londres. Il y enregistre les albums à succès Exodus et Kaya, ainsi que le single Punky Reggae Party avec Lee Scratch Perry, qui scelle un pacte rebelle avec le mouvement punk anglais en plein essor. Les titres Jamming et Waiting in Vain notamment, sont des tubes mondiaux. Sa relation avec la Jamaïcaine Cindy Breakspeare, Miss Monde 1976, contribue à le projeter à la une des médias. En mai 1977, une blessure au gros orteil, faite en jouant au football, se rouvre lors d'un match amical à l'hôtel Hilton de Paris, ce qui l'oblige à annuler sa tournée américaine. Un médecin lui suggère des analyses. Le diagnostic est réalisé à Londres : Bob Marley souffre d'un mélanome malin (maladie de la peau qui ne représente que 4 % des cancers, mais qui, de tous, est la plus dangereuse), sans doute dû à une trop longue exposition au soleil. Un médecin américain lui prescrit une amputation urgente de l'orteil, mais un mélange de superstition de son entourage (selon ses proches, cette amputation l'empêcherait de danser sur scène ou de rejouer au football et surtout la religion rastafari interdit toute amputation) et de pression en pleine tournée européenne où il rencontre enfin son public, contribuent à retarder l'opération. Finalement, un médecin de Miami lui retire uniquement le lit unguéal, croyant à tort arrêter la progression du cancer.

En avril 1978, Bob Marley and the Wailers font un retour triomphal en Jamaïque. Lors du One Love Peace Concert, Bob parvient à réunir sur scène les deux ennemis politiques qui se disputent le pouvoir, Edward Seaga (JLP) et le Premier Ministre Michael Manley (PNP). C'est le sommet de sa carrière. Sans arrêt en tournée, Bob Marley and The Wailers enregistrent l'album en public Babylon by Bus au Pavillon de Paris de la porte de Pantin en 1978. Bob fait alors construire son studio, Tuff Gong, où il enregistre l'album Survival. Les succès se multiplient. Ils vont jouer jusqu'en Nouvelle-Zélande, où ils sont accueillis chaleureusement par les M?ori. En 1979, en pleine gloire, il est la grande attraction du festival Reggae Sunsplash, près de Kingston, où participent également Burning Spear et Peter Tosh.

En 1980, après une perte de connaissance lors d'un jogging à Central Park à New York, Bob Marley passe un examen aux rayons X où l'on découvre cinq tumeurs, trois au cerveau, une aux poumons et une à l'estomac : son cancer s'est généralisé. Il ne dit rien à son entourage et continue ses concerts dont celui au Bourget en Seine-Saint-Denis, en France, le 3 juillet 1980 qui rassemble plus de 50 000 personnes ; il joue un dernier concert enregistré à Pittsburgh, le 23 septembre 1980 avant que sa tournée Uprising soit définitivement annulée. Il subit des séances de radiothérapie et de chimiothérapie qui lui font perdre ses dreadlocks au Memorial Sloan-Kettering Cancer Center de New York et se convertit le 4 novembre à l'Église orthodoxe éthiopienne, dont la plus haute autorité était feu l'empereur d'Éthiopie Hailé Sélassié I^er, considéré par les rastas comme étant la réincarnation de Jésus annoncée dans l'Apocalypse (« le roi des rois, seigneur des seigneurs »). Il se fait baptiser Berhane Sélassié (???? ??? (Berhanä Sellasé) : lumière de la Trinité en amharique) dans l'église orthodoxe de Miami puis part cinq jours plus tard pour une clinique de Rottach-Egern en Bavière, où il suit un traitement anticancéreux controversé (transfusions sanguines, séances d’hyperthermie et des injections de THX, un agent anticancérigène ) avec le docteur Josef Issels, spécialiste allemand en médecine holistique qui prend en charge les cancéreux en phase terminale considérés comme perdus par la médecine traditionnelle. Ce traitement prolonge sa vie au prix de dures souffrances.

À la fin de sa vie, Bob Marley souhaite finir ses jours en Jamaïque, mais il est finalement placé en soins intensifs le 9 mai 1981 à l’hôpital Cedars of Lebanon de Miami. Il y meurt le 11 mai 1981, trop faible pour faire le voyage en avion jusqu'à Kingston. Il est enterré le 21 mai dans sa paroisse de naissance, à St Ann, en Jamaïque, après des funérailles nationales à Kingston, qui attirent des centaines de milliers de personnes.

Maladie et mort

En juillet 1977, Marley révèle avoir un Mélanome malin sous l'ongle d'un orteil. Contrairement à la Légende urbaine, cette lésion n'a pas été principalement causée par une blessure lors d'un match de football de la même année, mais était plutôt un symptôme du cancer déjà existant. Marley a rejeté les conseils de ses médecins pour amputer son orteil, citant ses croyances religieuses, et au lieu l'ongle et le lit d'ongle ont été enlevés et une greffe de peau prélevé sur sa cuisse pour couvrir la zone^[pas clair]. En dépit de sa maladie, il a continué les tournées et était dans le processus de planification d'une tournée mondiale en 1980.

L'album Uprising (album de Bob Marley and the Wailers) a été publié en mai 1980. Le groupe a réalisé un grand tour de l'Europe, où il a joué son plus grand concert à plus de 100 000 personnes à Milan. Après la visite Marley est allé en Amérique, où il a effectué deux spectacles au Madison Square Garden à New York dans le cadre du Tour Uprising.

Bob Marley est apparu au Théâtre Stanley (maintenant appelé le Benedum Center (en) For The Performing Arts) à Pittsburgh , en Pennsylvanie, le 23 septembre 1980; ce serait son dernier concert. Les photographies connus de la série ont été présentés dans Kevin Macdonald film documentaire de Marley.

Peu de temps après, la santé de Marley se détériore dù au cancer qui s'est répandu dans son corps. Le reste de la tournée a été annulée et Marley a cherché un traitement à la clinique bavaroise de Josef Issels, où il a reçu un traitement controversé de la thérapie du cancer (Issels treatment (en)) basé en partie sur l'évitement de certains aliments, de boissons et d'autres substances. Après avoir combattu le cancer sans succès pendant huit mois Marley est monté à bord d'un avion pour sa maison en Jamaïque.

Alors que Marley volait de l'Allemagne à la Jamaïque, ses fonctions vitales ont empiré. Après l'atterrissage à Miami (Floride), il a été emmené à l'hôpital pour des soins médicaux immédiats. Bob Marley est mort le 11 mai 1981 au Cedars of Lebanon Hospital à Miami (aujourd'hui Université de Miami Hospital ) à l'âge de 36 ans. La propagation du Mélanome à ses poumons et le cerveau a causé sa mort. Ses derniers mots à son fils Ziggy étaient « L' argent ne peut pas acheter la vie. »

Marley a reçu des funérailles d'État en Jamaïque le 21 mai 1981, qui a combiné des éléments d'Église éthiopienne orthodoxe et Rastafari tradition. Il a été enterré dans une chapelle près de sa ville natale avec sa guitare rouge Gibson Les Paul (certains contes^[Quoi ?] disent que c'était une Fender Stratocaster).

Le 21 mai 1981, le Premier ministre jamaïcain Edward Seaga fait l'éloge de Marley en déclarant : « Sa voix était un cri omniprésent dans notre monde électronique. Ses traits anguleux, regards majestueux, et le style de caracolant une gravure vive sur le paysage de nos esprits. Bob Marley n'a jamais été vu. Il a été une expérience qui a laissé une empreinte indélébile à chaque rencontre. Un tel homme ne peut pas être effacé de l'esprit. Il fait partie de la conscience collective de la nation. »

Héritage

Bob Marley a fait découvrir au monde le reggae, un riche dérivé du blues qui a considérablement influencé la musique populaire occidentale. Sa musique a touché tous les publics, transcendant les genres, comme en témoigne un large culte, encore en pleine expansion dans le monde entier à la fin du vingtième siècle. La dimension de Bob est bien plus large que celle du simple chanteur capable de produire des succès populaires comme Is This Love ou Could You Be Loved. Exprimant à l'origine l'affirmation de la dignité et la valorisation d'une identité noire pour son peuple bafoué par des siècles d'esclavage (Slave Driver, Redemption Song), de colonialisme (Music Lesson, Crazy Baldhead) et d'oppression économique (Revolution), il incarne avec le mouvement rastafarien (Positive Vibration, War) l'éveil de son peuple à une révolution spirituelle contre un oppresseur qu'il décrit d'abord comme étant le fruit d'une imposture chrétienne (Get Up, Stand Up), voire païenne (Heathen), capitaliste (Rat Race), corrompu, raciste et hypocrite (Who the Cap Fit) à la fois. Parolier remarquable capable de s'approprier avec naturel des formules du langage populaire, n'hésitant pas à aborder les thèmes les plus universels, Bob Marley reste d'abord un symbole d'émancipation et de liberté. Il est aussi devenu l'un des symboles universels de la contestation (Soul Rebel), voire de la légitime défense (I Shot the Sheriff). Son message est d’abord d'ordre spirituel et culturel, et assorti d’une incitation à la consommation du chanvre (Kaya, Easy Skanking), qui fait partie de la culture rastafari.

Il a dénoncé la négation de la personne noire, la falsification des cultures africaine et afro-américaine par le pouvoir et les religions de l'Occident, le travail des historiens à la solde de ces régimes (Zion Train, Music Lesson). Grâce au mouvement rasta (Forever Loving Jah, Rastaman Chant), Bob Marley a ouvert une voie qui ne se limite pas à la protestation d'ordre colonial et post-colonial. Il a souhaité montrer à l'humanité, la falsification de l'histoire des peuples noirs. Il a aussi une approche de la Bible jusque là essentiellement inédite et de plus en plus largement étudiée et reprise depuis. Son approche théologique rastafarienne, relayée par sa célébrité, fait ainsi de Marley l'objet d'un certain nombre de réflexions de nature hagiographique.

Enfants

Bob a reconnu onze enfants de sept relations différentes, dont les cinq de sa femme Rita, bien que deux d'entre eux ne soient pas de lui. Il n'a pas reconnu sa première fille Imani Carole, née le 22 mai 1963 d'une relation avec Cheryl Murray, mais a adopté Sharon après son mariage avec Rita en 1966. La plupart ont entrepris une carrière musicale, et avec succès pour Ky-Mani Marley, Damian Marley, Ziggy Marley, Julian Marley et Stephen Marley notamment. Rohan Marley a été joueur professionnel de football américain et, un temps, compagnon de la mannequin brésilienne Isabeli Fontana.

Discographie

Lieux portant son nom

1. Musée Bob Marley à Kingston, Jamaïque
2. Place Bob Marley, inaugurée en 2008, à Montpellier, France
3. Rue Robert Nesta Marley, à Port-Louis, Guadeloupe, France
4. Bob Marley straat, à Almere, Pays-Bas
5. Bob Marley way, à Londres, Royaume-Uni

Annexes

Notes

Références

Voir aussi

Bibliographie

Filmographie

• Sunsplash (film), film documentaire et musical (live) de Stephan Paul, 1979
• Bob Marley,live in concert, film documentaire et musical de Stephan Paul, 1980
• Bob Marley, time will tell, film documentaire irlandais de Declan Lowney, 1991
• Marley (film), film documentaire britannique par Kevin Macdonald, 2012

Liens externes

• Notices d'autorité : Fichier d'autorité international virtuel ? International Standard Name Identifier ? Bibliothèque nationale de France (données) ? Système universitaire de documentation ? Bibliothèque du Congrès ? Gemeinsame Normdatei ? Bibliothèque nationale de la Diète ? Bibliothèque nationale d'Espagne ? WorldCat

• (en) Site officiel de Bob Marley Site officiel
• (en) Soul Rebels, Bob Marley and The Wailers (1962-1972)
• (en) Site du musée de Bob Marley à Kingston, Jamaïque, bobmarley-foundation.com
• « Biographie détaillée de Bob Marley », sur reggae.fr
• jahmarley.com, plus de 170 albums, 150 paroles, 63 traductions et partitions répertoriés
• Bob Marley - Portrait sur ina.fr
• Le reggae et Bob Marley : débat
• Bob Marley et la génération hip-hop aux États-Unis
• The 1970's Reggae Revolution: resistance against Western Imperialism
• Vibrations jamaïcaines : l'histoire des musiques populaires jamaïcaines au 20^e siècle

Cassius est un duo musical français composé de Philippe Cerboneschi (« Zdar ») et Hubert Blanc-Francard (« Boom Bass »). Sous ses différentes incarnations le duo est assimilé au mouvement « French Touch » de musique électronique dans la seconde moitié des années 1990.

Biographie

Hubert Blanc-Francard est le fils du producteur parisien Dominique Blanc-Francard, son frère cadet Mathieu s'est rendu célèbre sous le pseudonyme de Sinclair. Zdar était assistant aux studios +XXX (Plus30) lorsqu'il rencontra Hubert en 1988. Ils ont participé aux quatre premiers albums de MC Solaar: Qui sème le vent récolte le tempo, Prose Combat, Paradisiaque et Mc Solaar.

Étant tous les deux fans de hip-hop, ils proposent des musiques au chanteur et se retrouvent à participer à la production et à la composition de certains morceaux sous le nom de La Funk Mob. C'est grâce à leur participation à ce disque, que James Lavelle du label Mo'Wax les repère (il a adoré l'album) et leur demande des instrumentaux « hip-hop Bizaroïde ». C'est donc sous le nom de La Funk Mob que le duo réalisa les EP Les tribulations extra-sensorielles et Breaking Boundaries, Messing Up Heads, édités par le label britannique Mo' Wax en 1994, avant de remixer des morceaux pour entre autres Depeche Mode ou Björk?

S'intéressant aux rythmes house, Philippe Zdar, ancien assistant du père de Boombass réalisa l'album Pansoul en 1996 sous le nom de Motorbass, en compagnie d'Etienne de Crécy. Après avoir converti Hubert 'BoomBass' à la House (il était à l'époque assez réfractaire à tout ce qui pouvait ressembler de près à de la techno) ils composent leur premier morceau House Foxy Lady sous le patronyme L'Homme Qui Valait Trois Milliards. Le disque a de bonne critique outre-manche, il terminera dans le classement des 50 singles de l'année du magazine Mixmag. Le duo change de nom pour Cassius (en référence au boxeur Cassius Clay) et signe un contrat avec Virgin. En 1998 ils sortent leur premier single 'Cassius 99' qui se classe dans le Top 10 au Royaume-Uni. Quelques mois plus tard, en janvier 1999, ils sortent leur premier album 1999. C'est un mélange de house, de hip-hop et de funk, le titre du disque est le même que celui d'un album de Prince.

Avec plus de 250 000 exemplaires vendus dans le monde (dont 50 000 en France), l'album sera nommé aux victoires de la musique 2000.

En septembre 2002 sort leur deuxième album, Au rêve. L'album réunit de nombreux invités (comme Jocelyn Brown, Ghostface Killah ou M), est produit dans des grands studios américains, mais c'est un échec commercial. Hubert Boombass dira "au Rêve c'est un peu notre Titanic...". Malgré tout, le single The Sound of Violence se positionne en tête des classements dance aux États-Unis en décembre 2002. Il réalise un remix avec le groupe Indochine en mélangeant la chanson The Sound of Violence et Punker. Le remix s'appelle tout simplement Sound of Punker.

Philippe Zdar est nommé chevalier de l'Ordre des Arts et des Lettres en février 2005.

En 2006 sort le troisième album de Cassius, 15 again, qui marque le virage pop-rock du groupe. Cette fois aussi, l'album réunit de nombreux invités (comme Etienne de Crécy, M, Pharrell Williams, Sébastien Tellier, Guy-Manuel de Homem-Christo et Eric Chedevile avec Le Knight Club).

En 2010, Cassius sort un nouvel EP sur le label Ed Banger Records, intitulé The Rawkers. Le single et son clip i <3 u so font un buzz sur internet, devenant même une application pour iPhone et étant repris par la suite dans une publicité pour automobile.

En février 2014, Cassius est retourné en studio pour enregistrer leur nouvel album Ibifornia. Le 16 septembre 2015, le duo annonce via sa page Facebook que leur album sortira sur le label Interscope Records.

Discographie

Singles

• Foxxy (1996)
• Cassius 1999 (décembre 1998, HBF/Justice)
• Feeling for You (mai 1999, Astralwerks)
• La Mouche (octobre 1999, Astralwerks)
• I'm a Woman (juin 2002, Astralwerks)
• The Sound of Violence (oct 2002, Astralwerks)
• Toop Toop (2006)
• Youth, Speed, Trouble, Cigarettes. (2009)
• The Rawkers (2010, Ed Banger Records)
• I <3 U So (2010, Ed Banger Records)

Albums

Samples

• Feeling For You : Gwen McCrae - All this love that I'm giving
• Foxxy : Willy Hutch - Foxy Brown Theme
• Nulife : Dynamic Corvettes - Precious Woman
• Cassius 99 : Donna Summer - (If It) Hurts Just A Little
• Crazy Legs : Two Sisters - B-Boys Beware
• Interlude : Players Association - Disco Inferno
• Planetz : The Whispers - The Planets Of Life
• I <3 u so : Sandra Richardson - I feel a song (in my heart)
• Arcadine : Roberta flack & Donny Hataway - I (who have nothing)
• 20 Years (How Do You See Me Now) : Extortion feat. Dihan Brooks - How Do You See Me Now
• See Me Now : Extortion feat. Dihan Brooks - How Do You See Me Now

Liens externes

• (en) Site officiel

Notes et références

Charlotte Lucy Ginsburg, dite Charlotte Gainsbourg, née le 21 juillet 1971 à Londres (Royaume-Uni), est une actrice et chanteuse franco-britannique.

Elle est la fille de Jane Birkin et Serge Gainsbourg.

Biographie

Carrière cinématographique

Débuts et progression (années 1980-1990)

Elle commence sa carrière cinématographique très tôt, poussée par sa mère Jane Birkin. Charlotte Gainsbourg a été élève au lycée Molière, à Paris. En 1984, Jane Birkin, en tournage sur La Pirate de Jacques Doillon, incite sa fille à passer le casting d’Élie Chouraqui pour Paroles et Musique. Elle obtient ainsi son premier rôle à l’âge de treize ans. L’année suivante, Jacques Doillon lui offre quelques répliques dans La Tentation d'Isabelle qui lui vaut d’être remarquée par Claude Miller. Ce dernier lui offre le rôle principal de son film L'Effrontée. Sa performance est récompensée par le César du meilleur espoir féminin en 1986. Elle travaille ensuite avec Serge Gainsbourg son père (Charlotte for Ever en 1986), puis avec Agnès Varda et sa mère en 1987.

En 1988, Claude Miller fait de nouveau appel à elle pour La Petite Voleuse, sur un scénario de François Truffaut. Avec Merci la vie de Bertrand Blier, Charlotte décide de faire carrière dans le cinéma : « C'est vraiment là que j'ai décidé de continuer à faire ce métier. Avant, je me cachais derrière des prétextes. Je voulais faire bonne figure. Et si on n'allait plus me proposer de rôles ? Cela me terrifiait. Alors je préférais raconter que je ne savais pas si j'allais poursuivre dans cette voie. » (Le Figaro, 23 juin 1996). C’est à ce moment-là que sa carrière semble stagner, malgré ses retrouvailles avec Jacques Doillon dans le rôle principal de Amoureuse.

En 1999, la comédie dramatique La Bûche lui vaut son second César : le César de la meilleure actrice dans un second rôle.

En 2000, elle est à l'affiche du drame Passionnément, de Bruno Nuytten et évolue dans deux téléfilms : Les Misérables, de Josée Dayan, et Nuremberg d'Yves Simoneau.

Regain critique (années 2000)

Sa carrière prend un nouvel élan en 2001 avec la comédie dramatique Ma femme est une actrice avec l'acteur Yvan Attal, son futur mari.

En 2003, elle devient l'égérie de la marque Gérard Darel.

Elle retrouve Attal pour son second film, Ils se marièrent et eurent beaucoup d'enfants, et fait partie du casting du thriller 21 Grammes, où elle joue notamment aux côtés de Sean Penn et Naomi Watts.

En 2005, elle est à l'affiche de deux drames français : L'un reste, l'autre part, de Claude Berri, et Lemming, de Dominik Moll. Les films ne rencontrent cependant pas le succès des précédentes réalisations des cinéastes. De même en 2006, La Science des rêves ne reçoit pas le même accueil critique et commercial du précédent long-métrage de Michel Gondry, Eternal Sunshine of the Spotless Mind.

Cependant, l'actrice surprend en tête d'affiche d'une comédie romantique décalée : Prête-moi ta main, d'Éric Lartigau. L'actrice y donne la réplique à Alain Chabat, qu'elle avait déjà croisé pour La Science des Rêves et Ils se marièrent et eurent beaucoup d'enfants.

En 2007, elle défend deux projets étrangers : le biopic américain décalé I'm Not There, de Todd Haynes, sur la vie du chanteur folk Bob Dylan ; et le drame historique italien Golden Door, d'Emanuele Crialese^{[réf. nécessaire]}.

Dans la nuit du 5 septembre au 6 septembre 2007, elle est opérée d'urgence d'une hémorragie cérébrale, à la suite d'un accident de jet-ski.

En 2008, le drame City of Your Final Destination, de James Ivory, passe inaperçu. Mais l'année suivante, elle est la tête d'affiche de deux projets remarqués et à scandales : Antichrist, de Lars von Trier, et Persécution, de Patrice Chéreau.

La même année, le 27 février, elle préside la 34^e cérémonie des César animée par Antoine de Caunes, aux côtés de Sean Penn^{[réf. nécessaire]}.

Elle reçoit lors du festival de Cannes 2009 le prix d'interprétation féminine pour son rôle dans Antichrist de Lars von Trier. Le film n'est pas sans susciter une certaine controverse due tant à la violence de certaines scènes qu'à l'ambiguïté du propos.

Confirmation (années 2010)

En mai 2010 sort une bande dessinée sur Charlotte : Charlotte Gainsbourg mon amour aux éditions Delcourt, un hommage humoristique du dessinateur Fabrice Tarrin qui la représente sous les traits d'un petit canard à la mâchoire prognathe. Elle a déclaré lors d'une interview à propos de son physique : « Ma mâchoire prognathe vient de mon père alcoolique et ma taille, de ma mère mannequin. ».

Le 23 mai 2010, c'est Charlotte Gainsbourg qui remet la Palme d'or du 63^e festival de Cannes au réalisateur thaïlandais Apichatpong Weerasethakul pour le film Oncle Boonmee, celui qui se souvient de ses vies antérieures.

En 2011, elle retrouve son désormais mentor Lars von Trier pour un second rôle dans Melancholia, cette fois porté par Kirsten Dunst, et en 2013, elle fait partie de la distribution internationale réunie par le cinéaste pour le diptyque Nymphomaniac^,.

Du 9 au 19 février 2012, elle est membre du jury du 62^e festival du film de Berlin, présidé par le réalisateur Mike Leigh

Cette même année, est à l'affiche du drame franco-britannique Confession d'un enfant du siècle, de Sylvie Verheyde ; et retrouve son époux Yvan Attal pour son troisième long-métrage en tant que réalisateur avec le remake Do Not Disturb.

Elle quitte la France et s'installe à Greenwich Village, New York après le décès de sa sœur Kate Barry, en 2013^,.

En 2014, elle évolue dans plusieurs projets très différents : d'abord la satire Jacky au royaume des filles, écrite et réalisée par Riad Sattouf, alors couronné du succès des Beaux Gosses. Puis elle retrouve Attal cet fois en tant qu'acteur pour le drame Son épouse, de Michel Spinosa. Elle forme ensuite deux couples atypiques : d'abord avec le comédien belge Benoit Poelvoorde pour le drame Trois cœurs, de Benoît Jacquot ; et le gros projet Samba, d'Éric Toledano et Olivier Nakache. Enfin, elle tient l'un des rôles principaux de la comédie dramatique L'Incomprise, réalisée par l'actrice Asia Argento.

En 2015, elle fait partie du casting international réuni pour le drame Every Thing Will Be Fine par l'acclamé cinéaste Wim Wenders^{[réf. nécessaire]}.

L'année 2016 la voit évoluer dans son premier blockbuster hollywoodien, le remake/suite Independence Day: Resurgence, de Roland Emmerich ; et dans le quatrième long-métrage d'Yvan Attal , le film à sketches Ils sont partout. Les deux films sont accueillis très tièdement.

En 2017 sort discrètement le polar polonais True Crimes, d'Alexandros Avranas, porté par Jim Carrey ; un autre projet sorti confidentiellement, le drame israélien Norman, écrit et réalisé par Joseph Cedar ; une autre co-production internationale, Le Bonhomme de neige, de Tomas Alfredson, avec Michael Fassbender dans le rôle-titre.

Côté cinéma français, elle défend l'acclamé drame Les Fantômes d'Ismaël, d'Arnaud Desplechin, où elle fait face à la star internationale Marion Cotillard. Puis elle partage l'affiche du drame La Promesse de l'aube avec Pierre Niney, devant la caméra d'Éric Barbier.

Carrière musicale

Charlotte a chanté à plusieurs reprises, la première fois, sur l'album de Serge Gainsbourg, Love on the Beat, en 1984, où elle chante en duo Lemon Incest avec lui. Un vidéo-clip où Charlotte apparaît en petite tenue allongée à côté de son père vient compléter cette ambiguïté ; les paroles évoquent « l'amour que nous ne ferons jamais ensemble ».

En 1986, elle récidive avec l'album Charlotte for Ever où, prenant la pose d'une adolescente difficile, elle chante une série de textes au contenu tout aussi provocant : Charlotte for ever, Plus doux avec moi (les deux en duo avec Serge), Élastique, Zéro pointé vers l'infini.

Pendant huit ans elle ne chantera plus jusqu'à ce qu'elle s'embarque dans l'aventure des Enfoirés, les chanteurs soutenant les Restos du cœur : en 1994, dans le spectacle Les Enfoirés au Grand Rex, elle interprète Di doo dah, écrite par son père et créée par sa mère, Un autre monde de Téléphone et La chanson des restos de Jean-Jacques Goldman. Elle travaille à nouveau en 2001 pour les Restos du cœur, dans L'Odyssée des Enfoirés où elle interprète, entre autres, une chanson de Renaud, Manu, avec Francis Cabrel, Julien Clerc et un autre comédien, Thierry Lhermitte.

En 1996, elle participe à la bande originale de Love, etc.. En 2000, on entend sa voix dans l'album Music de Madonna : le début de la chanson What It Feels Like for a Girl contient quelques paroles prononcées par Charlotte dans le film Cement Garden. Son dernier vrai duo en date est If avec Étienne Daho, sur l'album Réévolution (2003) de ce dernier. En 2005, Charlotte participe à la bande originale de L'un reste, l'autre part, en interprétant la chanson du même nom.

Le 28 août 2006 est sorti son second album 5:55 en collaboration avec le groupe Air, Jarvis Cocker, Nigel Godrich, Tony Allen, David Campbell et Neil Hannon de The Divine Comedy. L'album comporte des titres en français et en anglais.

Son troisième album, IRM, sorti en décembre 2009, a été produit par le musicien américain Beck Hansen.

Son quatrième album Stage Whisper sort en 2011.

Son cinquième album, Rest, sort le 17 novembre 2017. Il contient onze titres enregistrés à New York, dont un composé par Paul McCartney. Le premier extrait du même nom, co-écrit et composé par Guy-Manuel de Homem-Christo (Daft Punk), est dévoilé début septembre, suivi par les titres Deadly Valentine et Ring-A-Ring O' Roses. Charlotte fait appel à ses enfants (Alice, Joe et Ben Attal) pour jouer dans les clips qui illustrent ces chansons.

Vie privée

Fille de Serge Gainsbourg et de Jane Birkin, elle est la compagne depuis 1991 d'Yvan Attal, lui-même comédien et réalisateur. Ils ont trois enfants, Ben (1997), Alice (2002) et Jo (2011).

Nièce du réalisateur Andrew Birkin et filleule de Yul Brynner, Charlotte Gainsbourg a également deux demi-sœurs, Kate Barry et Lou Doillon du côté de sa mère ; ainsi que deux demi-frères, Paul et Lucien Gainsbourg (mieux connu sous le diminutif « Lulu », fils de Bambou) et une demi-sœur, Natacha, du côté de son père.

Elle parle longuement de son père Serge Gainsbourg, se souvenant du clip provocant de Lemon Incest et du tournage de Charlotte for Ever : « Et lui, tel que je le connaissais dans la vie, ne correspondait pas à ce que je découvrais sur un tournage, sur un plateau. Il n'était plus le même. [...] Mon père avait plusieurs facettes et je le connaissais, mais devoir au quotidien faire cela et être moi-même dans cette spirale, c'était dur à vivre. » Viendra la disparition, subite, en 1991 : « J'avais 19 ans quand mon père est mort. Je pensais que je ne m'en remettrais pas. [...] J'ai fait comme s'il était encore là. [...] Pendant des années, j'étais une loque. Yvan m'a récupérée très peu de temps après et il a eu la patience d'attendre, je ne sais pas... dix ans... que, petit à petit, j'émerge. Il y avait aussi une complaisance dans le malheur. »

Discographie

Albums

• 1986 : Charlotte for Ever
• 2006 : 5:55
• 2009 : IRM
• 2011 : Stage Whisper
• 2017 : Rest^,

Collaborations

• 1994 : Di doo dah en duo avec Jane Birkin sur l'album Les Enfoirés au Grand Rex
• 1996 : Love etc. / L'Amour etc. sur la bande originale du film Love, etc.
• 2001 : What It Feels Like for a Girl sur l'album Music de Madonna
• 2002 : What Is It Now ? et Using Our Feet sur l'album Have You Fed the Fish ? de Badly Drawn Boy
• 2003 : If en duo avec Étienne Daho sur l'album Réévolution
• 2005 : L'Un reste, l'autre part sur la bande originale de L'un reste, l'autre part
• 2007 : The Duelist sur l'album Pocket Symphony d'Air
• 2011 : Mémoir avec Villagers
• 2013 : Hey Joe, bande originale du film Nymphomaniac

Filmographie

Théâtre

• 1994 : Oleanna de David Mamet, mise en scène Maurice Bénichou, Théâtre de la Gaîté-Montparnasse

Distinctions

Récompenses

• 11^e cérémonie des César 1986 : César du meilleur espoir féminin dans une comédie dramatique pour L'Effrontée (1985).
• 25^e cérémonie des César 2000 : César de la meilleure actrice dans un second rôle dans une comédie dramatique pour La Bûche (1999).
• 2004 : Phoenix Film Critics Society Awards de la meilleure distribution dans un thriller dramatique pour 21 Grammes (21 Grams) (2004) partagée avec Kevin Chapman, Benicio Del Toro, Teresa Delgado, Clea DuVall, Danny Huston, Melissa Leo, Eddie Marsan, Marc Musso, Sean Penn et Naomi Watts
• 2007 : Prix Raimu de la comédie de la meilleure comédienne dans une comédie romantique pour Prête-moi ta main (2006).
• Film Independent Spirit Awards 2008 : Lauréate du Prix Robert Altman de la meilleure distribution dans un drame biographique pour I'm Not There (2007) partagée avec Todd Haynes (director), Laura Rosenthal (casting director), Cate Blanchett, Christian Bale, Richard Gere, Heath Ledger, Ben Whishaw, Marcus Carl Franklin et Bruce Greenwood.
• Festival de Cannes 2009 : Prix d'interprétation féminine dans un drame d'horreur pour Antichrist (2009) de Lars von Trier.
• Bodil Awards 2010 : Meilleure actrice dans un drame d'horreur pour Antichrist (2009) de Lars von Trier.
• 2010 : Festival International du Film de Bratislava de la meilleure actrice dans un drame romantique pour L'Arbre (2010).
• 2010 : Sant Jordi Awards de la meilleure actrice étrangère dans un drame d'horreur pour Antichrist (2009) de Lars von Trier.
• 2010 : SESC Film Festival de la meilleure actrice étrangère dans un drame d'horreur pour Antichrist (2009) de Lars von Trier.
• 2012 : Ole Awards de la meilleure actrice dans un second rôle dans un drame pour Melancholia (2011) de Lars von Trier.
• 2012 : Roberts de la meilleure actrice dans un second rôle dans un drame pour Melancholia (2011) de Lars von Trier.
• Bodil Awards 2014 : Meilleure actrice dans un drame pour Nymphomaniac (2013) de Lars von Trier.
• 11^e cérémonie des Women Film Critics Circle Awards 2014 : Meilleure actrice dans un drame pour Nymphomaniac (2013) de Lars von Trier.

Nominations

• 14^e cérémonie des César 1989 : César de la meilleure actrice dans un drame pour La Petite Voleuse (1988).
• 22^e cérémonie des César 1997 : César de la meilleure actrice dans un drame romantique pour Love, etc. (1996).
• 2003 : Awards Circuit Community Awards de la meilleure distribution dans un thriller dramatique pour 21 Grammes (21 Grams) (2004) partagée avec Danny Huston, Benicio Del Toro, Danny Huston, Melissa Leo, Eddie Marsan, Sean Penn et Naomi Watts.
• 32^e cérémonie des César 2007 : César de la meilleure actrice dans une comédie romantique pour Love, etc. (1996).
• 13^e cérémonie des Chlotrudis Awards 2007 : Meilleure actrice dans un second rôle dans un drame fantastique pour Prête-moi ta main (2006).
• 2007 : Globes de Cristal de la meilleure actrice dans un drame fantastique pour Prête-moi ta main (2006).
• 2008 : International Cinephile Society Awards de la meilleure actrice dans un second rôle dans un drame biographique pour I'm Not There (2007).
• 2009 : Alliance of Women Film Journalists Awards de la performance la plus brave dans un drame d'horreur pour Antichrist (2009) de Lars von Trier.
• Prix du cinéma européen 2009 : Meilleure actrice européenne dans un drame d'horreur pour Antichrist (2009) de Lars von Trier.
• 2009 : Fright Meter Awards de la meilleure actrice dans un drame d'horreur pour Antichrist (2009) de Lars von Trier.
• 2009 : Indiewire Critics' Poll de la meilleure actrice principale dans un drame d'horreur pour Antichrist (2009) de Lars von Trier.
• 2009 : Village Voice Film Poll de la meilleure actrice dans un drame d'horreur pour Antichrist (2009) de Lars von Trier.
• 52^e cérémonie des Australian Film Institute Awards 2010 : Meilleure actrice dans un drame romantique pour L'Arbre (2010).
• 8^e cérémonie des Central Ohio Film Critics Association Awards 2010 : Meilleure actrice dans un drame romantique pour L'Arbre (2010).
• 16^e cérémonie des Chlotrudis Awards 2010 : Meilleure actrice dans un drame d'horreur pour Antichrist (2009) de Lars von Trier.
• 2010 : Italian Online Movie Awards de la meilleure actrice dans un drame d'horreur pour Antichrist (2009) de Lars von Trier.
• Robert 2010 : Robert de la meilleure actrice dans un drame d'horreur pour Antichrist (2009) de Lars von Trier.
• 2010 : Scream Awards de la meilleure actrice dans un drame d'horreur pour Antichrist (2009) de Lars von Trier.
• 36^e cérémonie des César 2011 : César de la meilleure actrice dans un drame romantique pour L'Arbre (2010).
• 24^e cérémonie des prix du cinéma européen 2011 : Meilleure actrice européenne dans un drame pour Melancholia (2011).
• 2011 : Fangoria Chainsaw Awards de la meilleure actrice dans un drame pour Melancholia (2011).
• 2011 : Village Voice Film Poll de la meilleure actrice dans un second rôle dans un drame pour Melancholia (2011).
• Bodil Awards 2012 : Meilleure actrice dans un second rôle dans un drame pour Melancholia (2011).
• 2012 : Italian Online Movie Awards de la meilleure actrice dans un second rôle dans un drame pour Melancholia (2011).
• 38^e cérémonie des Saturn Awards 2012 : Meilleure actrice dans un second rôle dans un drame pour Melancholia (2011).
• 27^e cérémonie des prix du cinéma européen 2014 : Meilleure actrice européenne dans un drame pour Nymphomaniac - Director's Cut (2013).
• 2015 : Italian Online Movie Awards de la meilleure actrice dans un drame pour Nymphomaniac - Director's Cut (2013).
• 20^e cérémonie des prix Lumières 2015 : Meilleure actrice dans un drame romantique pour Trois cœurs (2014) et dans un drame pour Samba (2014).
• Robert 2015 : Robert de la meilleure actrice dans un drame pour Nymphomaniac - Director's Cut (2013).
• Alliance of Women Film Journalists Awards 2017 : Plus grande différence d'âge entre le personnage principal (1952) et sa promise (1971) dans un film de science-fiction pour Independence Day: Resurgence (2016) partagée avec Jeff Goldblum.

Dans la fiction

Dans Serge Gainsbourg : vie héroïque (2010) de Joann Sfar, son rôle est interprété par Orphée Silard.

Références

Liens externes

• Notices d'autorité : Fichier d’autorité international virtuel ? International Standard Name Identifier ? Bibliothèque nationale de France (données) ? Système universitaire de documentation ? Bibliothèque du Congrès ? Gemeinsame Normdatei ? Bibliothèque nationale de la Diète ? Bibliothèque nationale d’Espagne ? Bibliothèque nationale de Catalogne ? WorldCat

• Site officiel de sa musique
• MySpace officiel
• A Tribute to Gainsbourg, Charlotte Gainsbourg interprète
• Fiche personnelle sur le site de son agence artistique VMA

The Chemical Brothers est un duo de musique électronique anglais fondé en 1992 à Manchester et composé de Tom Rowlands et d'Ed Simon deux anciens étudiants en histoire médiévale de l'université de Manchester. Initialement nommé The Dust Brothers, le groupe s'est rebaptisé en The Chemical Brothers afin de ne pas être confondu avec les producteurs américains du même patronyme. . Avec des artistes comme The Prodigy ou Fatboy Slim, ils ont été des pionniers à mettre le genre big beat à l'avant-garde de la culture pop. Ils ont connu un succès généralisé lorsque leur deuxième album Dig Your Own Hole a dominé les charts britanniques en 1997.Le duo est également reconnu pour ses prestations scéniques brillantes.

Enfance

Ed Simons est né à Herne Hill, au sud de Londres, le 9 juin 1970 d'une mère avocate et d'un père absent, les deux principaux intérêts de Simons quand il était jeune étaient des avions et des comédies musicales. Simons fréquenta deux écoles publiques du sud de Londres, Alleyn's School et Dulwich College. Pendant ses années d'école, il a développé un penchant pour le groove et la musique hip hop, après avoir fréquenté un club appelé The Mud Club dès l'âge de 14 ans. Au moment où il a quitté l'école, ses deux principaux intérêts musicaux étaient deux groupes de Manchester, New Order et The Smiths. il a continué à étudier l'histoire, en particulier l'histoire médiévale, à l'Université de Manchester.

Tom Rowlands, un camarade de classe d'enfance de Simons, est né le 11 janvier 1971 à Kingston upon Thames, à Londres. Quand Rowlands était très jeune, sa famille a déménagé à Henley-on-Thames. Plus tard, il a fréquenté Reading Blue Coat School dans le Berkshire. Au début de son adolescence, son intérêt pour la musique s'élargit à d'autres genres. Certains de ses intérêts musicaux favoris incluent la bande originale de "oh What a Lovely War", 2 Tone, le genre rock gothique naissant (Sisters of Mercy, Fields of the Nephilim) et des artistes electro tels que Kraftwerk, New Order, Cabaret Voltaire et Heaven 17. Il a décrit le premier album de Public Enemy, Yo! Bum Rush the Show, comme "le disque qui a probablement changé sa vie", et a commenté que " Miuzi Weighs a Ton" a été "l'un des titres les plus étonnants qu'il ait jamais entendu" Rowlands a également commencé à collectionner des disques de hip hop d'artistes comme Eric B. & Rakim.Tom Rowlands a ensuite rejoint l'Université de Manchester.

Débuts du groupe

1984-1995: Formation et début de carrière

C'est à la fac d'histoire de Manchester que Tom Rowlands et Ed Simons font connaissance en 1989. Rowlands et Simons ont ensuite commencé à mixer dans un club appelé "Naked Under Leather" à l'arrière d'un pub en 1992, sous le pseudonyme de "The 237 Turbo Nutters" (du nom du numéro de leur maison située sur Dickenson Road à Manchester ).Le duo jouera du hip hop, de la techno et de la house. . Après un certain temps, ils ont commencé à manquer de morceaux hip-hop instrumentaux , ils ont donc commencé à créer leurs propres morceaux. À l'aide d'un système hi-fi Hitachi, d'un ordinateur, d'un échantillonneur et d'un clavier, ils ont enregistré "Song to the Siren"

"Song to the Siren" est sorti sur leur propre label appelé "Diamond Records" (d'après le surnom de Ed). En octobre 1992, ils ont gravé 500 copies de leur musiques et les ont emmenées dans divers magasins de disques de dance autour de Londres, mais aucun d'entre eux ne l'a joué, affirmant que la lecture était trop lente (la piste jouait à 111 BPM). Ils ont envoyé une copie au DJ Londonien Andrew Weatherall, qui en a fait un élément permanent dans ses sets de DJ. Weatherall a également fait signé le groupe sur son label Junior Boy's Own.En mai 1993, le label Junior Boy's Own a donc "Song to the Siren" .

Peu après, ils prennent le nom de « The Dust Brothers ».Plus tard en 1993, les frères Dust ont achevé les travaux de leur EP «Fourteenth Century Sky», publié en janvier 1994. Il contenait les "Chemical Beats" révolutionnaires, qui incarnaient le son big beat qui définit le genre du duo.l'EP contenait également "One Too Many Mornings", qui révélait pour la première fois le côté moins intense et plus décontracté de The Dust Brothers. "One Too Many Mornings" et "Chemical Beats" apparaîtront plus tard sur leur premier album.Fourteenth Century Sky a été suivi plus tard en 1994 par l'EP My Mercury Mouth EP.

"Chemical Beats" faisait également partie de la bande originale de la première édition de la série du jeux vidéo Wipeout .Grâce à leur talent, ils attirent rapidement l'attention, et dès 1992 ils entrent en studio pour enregistrer leur premier morceau intitulé Song to the Siren. Succès au rendez-vous, le duo devient la coqueluche de la scène électronique britannique. En janvier 1994, ils sortent l'EP Fourteenth Century Sky qui ne fait que confirmer leur succès.

En octobre 1994, les Dust Brothers sont devenus des DJ résidents du petit mais influent Social Club Social Heavenly Sunday au Albany Pub de Great Portland Street à Londres. Noel Gallagher et Paul Weller étaient des visiteurs assidus. Les frères Dust ont ensuite été invités à remixer des morceaux de Manic Street Preachers et The Charlatans, ainsi que "Jailbird" de Primal Scream et "Voodoo People" de The Prodigy. Ces deux remixes ont été projetés à la télévision. Au début de 1994, Noel Gallagher, de Oasis - qui était a ce moment le groupes de guitare les plus en vue en Grande-Bretagne - a contacté puis déclaré au duo qu'il avait écrit un morceau inspiré des Baléares et qu'il aimerait que les Dust Brothers le remixent. Cependant, avec le temps, Gallagher changea d’avis et les Frères ne l’ont finalement pas remixé.

En mars 1995, les frères Dust entament leur première tournée internationale, qui inclut les États-Unis - où ils jouent avec Orbital et Underworld - puis une série de festivals européens. C'est également à cette époque que les The Dust Brothers original ont formulé des objections à propos de l'utilisation de leur nom. Rowlands et Simons ont donc dû choisir un nouveau nom . Ils ont alors décidé de s'appeler eux-mêmes "The Chemical Brothers" d'après "Chemical Beats" .

En juin 1995, ils ont sorti leur quatrième single, le premier sous leur nouvelle identité. "Leave Home" est sorti sur le label Junior Boy's Own, en avant-première du premier album imminent et est devenu le premier hit du groupe.

Succès international

1995-1998: Exit Planet Dust and Dig Your Own Hole

Le 15 avril 1995, les Chemical Brothers sorte leur premier album Exit Planet Dust (le titre inspiré par leur changement de nom) sur Freestyle Dust / Junior Boy's Own. L'album est entré dans les charts britanniques en neuvième positions. Il s'est finalement vendu à plus d'un million d'exemplaires dans le monde entier et a été utilisé sur la bande sonore de la série télévisée de science-fiction Virtuality.

Le 15 avril 1995, les deux compères sortent leur premier album intitulé Exit Planet Dust. Le groupe se rebaptise « The Chemical Brothers », avec selon eux un son plus agressif et puissant et avec l'apport de voix. Leur succès international débute avec la sortie du single Life Is Sweet. Le duo entame alors une tournée mondiale avec notamment en première partie Daft Punk, encore à leurs débuts.

Le duo récidive en 1997 avec son album Dig Your Own Hole. Dans les mêmes sonorités techno, rock et big beat, ce nouvel album confirme leur maîtrise des sonorités électroniques, notamment à travers les singles Setting Sun, Elektrobank, Block Rockin' Beats et The Private Psychedelic Reel, et confère à l'album la première place des charts britanniques du 15 au 27 avril 1997.

Deux ans plus tard sort l'album Surrender qui compte onze titres, légèrement plus pop, electro et minimaliste. Ce nouvel opus se révèle finalement être, après quelques critiques, un succès mondial. Le titre Hey Boy Hey Girl est joué dans les clubs au Royaume-Uni et à l'étranger. Une autre chanson, Asleep from Day est utilisée pour une publicité d'Air France réalisée par Michel Gondry.

En 2002, les Chemical Brothers sortent leur 4^e album, Come With Us, qui est plutôt apprécié du grand public. Richard Ashcroft du groupe The Verve y participe pour le morceau The Test. Parmi les autres singles issus de l'album, on trouve It Began In Afrika, Star Guitar, Come With Us / The Test, et American EP

Leur titre Midnight Madness a été mis dans la bande son de la simulation de foot Pro Evolution Soccer 2010, ainsi que dans la simulation de course automobile Midnight Club LA.

On peut également remarquer l'omniprésence de morceaux du groupe en fond sonore dans la plupart des reportages de l'émission Téléfoot sur TF1.

Ils ont composé en 2010 la musique du film Hanna, de Joe Wright avec comme acteurs et actrices Saoirse Ronan, Cate Blanchett et Eric Bana.

En 2011, ils composent Don't Think pour le film Black Swan que l'on peut remarquer lors de la scène dans le club. Ce morceau ne fait cependant pas partie de la bande originale du film.

Leur titre Swoon est également utilisé dans l'épisode 2 de la deuxième saison de Misfits.

En 2012, ils composent l'hymne officiel des jeux olympiques de Londres UK 2012 Olympic Games Official Song Theme for London Velodrome. C'est également durant cette année que sort leur premier album live, Don't Think, enregistré durant un concert au Japon en 2011.

Leur huitième album Born In The Echoes sort en juillet 2015. À la fin de l'été, ils participent à l'Electric Zoo à New York.

Le 9^e album, No Geography est sortie sur les plateformes de streaming le vendredi 12 avril 2019. On voit sur la pochette, en fond, une autoroute et au premier plan un tank avec deux personnes dessus.

Discographie

• Exit Planet Dust (15 avril 1995)
• Dig Your Own Hole (7 avril 1997)
• Surrender (21 juin 1999)
• Come With Us (28 janvier 2002)
• Push the Button (25 janvier 2005)
• We Are the Night (2 juillet 2007)
• Further (14 juin 2010)
• Born In The Echoes (17 juillet 2015)
• No Geography (12 avril 2019)

Notes et références

Liens externes

• (en) Site officiel

Christine and the Queens est le nom de scène d'Héloïse Letissier, une chanteuse, auteur-compositrice-interprète et pianiste française née le 1^er juin 1988 à Nantes.

Elle connaît le succès en 2014, dès la sortie de son premier album Chaleur humaine. Nommée à cinq reprises aux Victoires de la musique 2015, elle obtient deux récompenses, dont celle de l'artiste interprète féminine de l'année.

Biographie

Études

Originaire de Saint-Sébastien-sur-Loire dans la banlieue nantaise, elle étudie d'abord au lycée Clemenceau de Nantes puis fait une hypokhâgne et une khâgne au lycée Fénelon à Paris. Elle entre en 2008 à l'École normale supérieure de Lyon en études théâtrales. À la suite d'une rupture amoureuse et d'une dépression, elle part deux semaines à Londres où elle fait la rencontre de drag queens, dont Russella, aujourd'hui sources de son inspiration et de ses créations. Elle retourne à Paris en 2010 pour se consacrer à son projet Christine and the Queens, mêlant musique, performance, vidéo, dessin et photographie. Ce projet voit le jour fin 2010 à Londres.

Parmi ses influences on peut citer Christophe et Daniel Balavoine, mais aussi David Bowie et Michael Jackson, dont elle s'inspire fortement pour son jeu de scène et ses pas de danse (par exemple, particulièrement flagrant dans le clip Saint Claude). Elle adopte un look androgyne, chantant le plus souvent vêtue d'un costume de coupe masculine Carr. Elle « revendique le droit de ne pas se définir dans son genre comme dans sa sexualité ».

Débuts de carrière (2011-2014)

En 2011, révélée par Marc Lumbroso chez Remark Records sur les conseils de sa fille Jessi, elle sort son premier EP baptisé Miséricorde, suivi d'un deuxième EP en 2012, Mac Abbey, dont sont extraits les titres Narcissus is back et Cripple. Ces deux premiers EP ont été mixés par l'ingénieur du son nantais Jean-François Moreau. Ces deux EP portent le nom de deux de ses cinq Queens, Mathusalem, Mouise, Motus, Miséricorde et Mac Abbey. Christine and the Queens assure alors la première partie de Lykke Li, The Dø ou encore Woodkid, puis en 2013 de Lilly Wood and the Prick et Gaëtan Roussel. Composant seule sur son ordinateur, elle réalise des prestations scéniques entre théâtre, danse et chant, à la manière de Laurie Anderson.

En 2012, elle remporte le prix « Découverte » du Printemps de Bourges et le prix « Premières Francos » lors des Francofolies. À l'automne de la même année, elle signe un contrat d'artiste chez le label indépendant français Because Music et bénéficie de moyens plus importants : des danseurs sont désormais présents lors de ses concerts. Elle prête sa voix en 2012 aux titres Distance et Wasteland du duo électronique The Name. Son troisième EP, Nuit 17 à 52, sort le 3 juin 2013. Son style musical est fréquemment qualifié d'électro-pop. En février 2014, Christine and the Queens est nommée aux Victoires de la musique dans la catégorie Groupe ou artiste révélation scène. Lors de cette soirée, elle interprète Nuit 17 à 52. Elle assure la première partie du concert de Stromae, à Genève le 26 mars, à Nice le 27 mars, à Montpellier le 28 mars et à Pau le 29 mars.

Chaleur humaine (depuis 2014)

Christine and the Queens sort son premier album Chaleur humaine le 2 juin 2014, d'où sont extraits ses deux principaux succès, Saint-Claude et Christine. Elle entame une tournée en 2014 et se produit notamment au festival des Vieilles Charrues le 17 juillet 2014. Elle s'est également produite au Coconut Music Festival à Saintes les 26, 27 et 28 septembre 2014, et au Botanique à Bruxelles le 4 octobre 2014. L'album devient disque d'or le 2 octobre 2014. Une édition spéciale comprenant notamment un DVD est publiée fin d'année. Sa tournée se poursuit en 2015, dans des salles telles que la Cigale ou encore l'Olympia, le 6 mars 2015. Un EP iTunes Session sort le 9 février 2015, comprenant six chansons enregistrées en direct en novembre 2014. Christine fait l'objet d'un nouvel arrangement, et Safe and Holy n'est accompagnée que d'un piano. Des cordes sont également ajoutées sur certains titres avec la participation du collectif c o d e^,.

Le 13 février 2015, lors de la 30^e cérémonie des Victoires de la musique, Christine and the Queens obtient deux récompenses sur cinq nominations, dont celle de l'artiste interprète féminine de l'année. Un autre EP, Saint Claude, sort par ailleurs exclusivement aux États-Unis le 14 avril 2015 sur le label Neon Gold Records. Il comprend cinq chansons en anglais, dont Tilted, une version en anglais de Christine (qui est elle-même une version en français de Cripple, sorti en 2012 sur l'EP Mac Abbey). L'album Chaleur humaine devrait par ailleurs être distribué aux États-Unis.

Un EP, Intranquillité, en version limitée à 1 000 exemplaires, a été publié le 18 avril 2015 dans le cadre du Disquaire Day. Il comprend quatre titres, dont un inédit, Intranquillité, régulièrement joué en concert depuis 2014 sous le titre Dessassossego, ainsi que la reprise d'Amazoniaque (déjà présent sur l'EP Mac Abbey), dans un arrangement différent. Les chorégraphies des clips et de la tournée sont de Marion Motin, également chorégraphe de Stromae. Un premier extrait de l'album international, dont la parution est prévue le 16 octobre 2015, est publié le 9 septembre. Il s'agit de No Harm Is Done, interprété en anglais. Elle en réalise elle-même le clip. Elle sort en tant que second extrait le 9 février 2016 le titre Here qui est un duo avec le rappeur Booba.

Vie privée

Elle se définit comme pansexuelle.

Son père est professeur d'anglais à l’université de Nantes et sa mère professeur de français et de latin au collège.

Elle a également un frère aîné, Florentin, qui est professeur de sciences économiques et sociales et élu écologiste à Paris^,.

Discographie

Album studio

EP

Concerts et représentations

Tournée Chaleur humaine

Titres interprétés par l'artiste (setlist) :

1. Starshipper
2. Half Ladies
3. iT
4. Science Fiction
5. Photos Souvenirs (reprise de William Sheller)
6. Paradis Perdus (reprise de Christophe) et refrain repris de Heartless (chanson de Kanye West))
7. Christine
8. Who Is It (reprise de Michael Jackson) (+ avec Olivia Merilahti le 6 mars 2015 à l'Olympia de Paris, le 29 avril 2015 au Printemps de Bourges et le 12 juillet 2015 au festival Musilac à Aix-Les-Bains)
9. Narcissus Is Back
10. Ugly-Pretty
11. Intranquillité (titre inédit)
12. Chaleur humaine
13. Saint Claude
14. Here

Premier rappel :

1. Safe and Holy
2. The Loving Cup

Second rappel :

1. Nuit 17 à 52

Distinctions

• Victoires de la musique 2015 : Victoire de l'artiste interprète féminine et Victoire du vidéo-clip pour Saint Claude
• Victoires de la musique 2016 : Victoire du spectacle musical, tournée ou concert et Victoire du vidéo-clip pour Christine

Notes et références

Voir aussi

Articles connexes

• Liste de personnes nées à Nantes

Liens externes

• Site officiel
• Notices d'autorité : Fichier d'autorité international virtuel ? Bibliothèque nationale de France (données) ? Système universitaire de documentation ? Gemeinsame Normdatei

Le succès de sa synthpop au style très empreint de musique industrielle est constant jusqu'en 1990 avec l'album Violator, incluant les titres Personal Jesus, Policy of Truth et surtout Enjoy the Silence. Les années 1990 sont marquées par la dépendance à la drogue, la surdose et la tentative de suicide du chanteur principal, Dave Gahan, qui n'est désintoxiqué qu'en 1996, et par le départ d'Alan Wilder en 1995. Le groupe, qui ne comporte plus que trois membres, continue à sortir des albums (Ultra en 1997, Exciter en 2001, Playing the Angel en 2005, Sounds of the Universe en 2009, Delta Machine en 2013 et Spirit en 2017).

La quasi-totalité des chansons de DM est composée par Martin L. Gore, sauf celles du premier album (Speak and Spell) qui sont majoritairement l'œuvre de Vince Clarke, rapidement parti fonder Yazoo puis Erasure. Depuis 2005, le chanteur Dave Gahan participe à l'écriture de certains morceaux. Martin L. Gore œuvre beaucoup pour que Depeche Mode ne soit pas uniquement considéré comme un groupe « de synthés », en utilisant notamment la guitare.

Le groupe se classe cinquante fois dans le UK Singles Chart, et plusieurs albums ont été numéro un au Royaume-Uni, aux États-Unis et dans d'autres pays européens. Selon Mute Records, en 2008 le groupe compte 75 millions d'albums vendus dans le monde et plus de 100 millions de disques en incluant les singles. En novembre 2020, Depeche Mode est intronisé au Rock and Roll Hall of Fame.

Biographie

Genèse (1977-1980)

En 1977, à Basildon (dans l'Essex), Vince Clarke et Andrew Fletcher, alors adolescents, décident de créer un groupe nommé No Romance in China et de centrer leur créativité sur un nouvel instrument, le synthétiseur, peu utilisé à l'heure où le Royaume-Uni résonne au son du punk rock. Le groupe est influencé par The Cure peu après sa création. Ils fondent le groupe Composition of Sound en 1980, rapidement rejoints par un ami de lycée, Martin L. Gore. Le groupe, influencé par Orchestral Manoeuvres in the Dark, trouve en Dave Gahan, repéré lors d'une audition plus tard dans l'année, alors que ni Gore ni Clarke ne se voient comme chanteur principal, la voix que le trio recherchait. Ce dernier est par ailleurs à l'origine du nouveau nom du groupe inspiré par un magazine français : Dépêche Mode. Les Anglais, désireux d'en comprendre la signification s'amusent à traduire ce nom par « Fast Fashion » ou bien encore « Hurry up fashion », commettant ainsi une erreur de sens car ils confondent alors le terme « dépêche » (dispatch en anglais, mot d'ailleurs issu de l'ancien français despeche) avec le verbe « se dépêcher » (« to hurry up » en anglais).

Leurs premières compositions sont refusées par des maisons de disques qui n'apprécient guère la surcharge de synthétiseurs utilisés (instruments de prédilection du groupe à ses débuts).

Premiers albums et succès (1981-1983)

Stevo Pearce, manager du groupe Soft Cell et fondateur du label Some Bizzare Records, les repère et fait paraître leur titre Photographic sur une compilation intitulée Some Bizzare Album (1981) où ils côtoient alors d'autres futures formations des années 1980 telles The The et Soft Cell. Puis c’est lors d’un concert dans un club londonien que Daniel Miller repère le groupe et décide de le signer sous son nouveau label : Mute Records. En 1981, Depeche Mode sort son premier single Dreaming of Me, qui se classe dans le Top 75 anglais, suivi peu après du titre New Life qui devient le premier vrai succès du groupe en Angleterre ; en fin d'année paraît le troisième single qui devient un tube au Royaume-Uni comme au niveau international : Just Can't Get Enough. Ces premiers titres sont extraits de l’album Speak and Spell dont les compositions sont principalement de Vince Clarke (Martin L. Gore n'y est l'auteur que de deux chansons). Les synthétiseurs y tiennent une place prépondérante sur fond de boîtes à rythme.

Mais, aussitôt le succès acquis, Vince Clarke quitte Depeche Mode et part fonder le duo à succès Yazoo avec Alison Moyet (une connaissance du lycée de Basildon), puis l'éphémère The Assembly. Vince Clarke se stabilisera finalement en 1985 en créant son groupe Erasure qui publie régulièrement des albums, dont certains obtiendront un grand succès international (générant plusieurs disques de platine et albums numéro un au Royaume-Uni) et permettront même au groupe de remporter un Brit Award du « meilleur groupe britannique » de l'année 1989 et d'être plusieurs fois récompensé ou nominé par la suite, mais sans susciter d'intérêt en France.

Depeche Mode devient alors un trio sans parolier et son avenir paraît compromis. Les trois acolytes décident néanmoins de poursuivre l'aventure : Martin L. Gore est désormais l'auteur-compositeur du groupe qui recrute finalement Alan Wilder en 1982 sur petite annonce parue dans le Melody Maker. Celle-ci demande un homme de moins de 21 ans et un véritable musicien. Wilder, qui triche sur son âge, est un pianiste expérimenté. Il est avant tout engagé pour assurer les lives : telle est la raison pour laquelle il ne participe pas à l'élaboration de A Broken Frame, deuxième album du groupe qui paraît fin 1982 et est marqué par le single See You. Ce titre, sorti plus tôt dans l'année, devient alors le plus grand succès de DM dans son pays d'origine, atteignant la 6^e place dans le Top 40. Au début de 1983, paraît le single Get the Balance Right! (absent de tout album studio), celui-ci propose un son plus mûr que les précédentes compositions de Gore, augurant un changement de direction musicale pour Depeche Mode.

L'apport artistique d'Alan Wilder est perceptible dans l'album Construction Time Again (1983) où il signe intégralement deux titres (The Landscape is Changing et Two Minute Warning). Dans ce troisième opus, apparaissent les premiers samples nourris de la musique industrielle allemande et les sons deviennent plus travaillés, confirmant donc l'évolution musicale de la formation anglaise. Quant aux paroles, elles prennent des tournures plus politiques : le premier extrait de cet album et tube Everything Counts traite par exemple, sur un mode ironique, des dérives du capitalisme notamment via les grandes majors du disque. Construction Time Again connaît un vrai succès au Royaume-Uni (y étant certifié disque d'or fin 1983) et se classe dans plusieurs pays européens, confirmant l'impact grandissant de Depeche Mode au niveau international ; notamment en Allemagne, où leurs albums étaient produits au Studio Hansa.

Some Great Reward et renommée internationale (1984-1985)

L'amour, la religion, la sexualité, l’ennui deviennent les thèmes de prédilection des compositions de Martin L. Gore, dans un contexte musical qui confirme ses goûts pour la musique industrielle allemande (notamment Kraftwerk) qui nourrit dès lors les samples du groupe : bruits lourds, métalliques et percussions froides martèlent les titres de la formation anglaise. Dans ce cadre paraît au printemps 1984 le single qui donne définitivement à Depeche Mode son envergure internationale : People Are People. Ce titre permet au groupe de connaître un grand succès un peu partout sur la planète (notamment aux États-Unis où il atteint le Top 20 quelques mois plus tard) et annonce le prochain album, Some Great Reward, qui paraît finalement à l'automne de la même année. Ce single constitue aussi pour la formation de Basildon son tout premier titre à se classer n^o 1 (en Allemagne). Par ailleurs, fort du succès rencontré par People Are People en Amérique du Nord, un album baptisé du même nom, incluant ce morceau et d'autres singles est publié exclusivement aux États-Unis et au Canada durant l'été 1984, afin de mieux faire connaître la genèse musicale du groupe au public nord-américain, qui le découvre alors. Quant à l'album Some Great Reward, il rencontre un grand succès grâce à des singles à l'impact international certain ; ainsi après People Are People, le titre Master and Servant, paru à la fin de l'été 84, connaît à son tour les honneurs des hit-parades. Depeche Mode s'engage alors dans une tournée de plusieurs mois, de l'automne 84 à l'été 85, qui mène le groupe jusqu'au Japon.

Ce succès est renforcé par la parution mondiale, fin 1985, d'une première compilation officielle regroupant les singles édités depuis les débuts de Depeche Mode. Elle contient notamment le tube Shake the Disease, sorti plus tôt dans l'année et classé au Top 20 dans de nombreux pays^,. En Europe, de la Scandinavie à l'Italie, le groupe acquiert une grande popularité - comme notamment en France et en Allemagne - devenant l'une des formations new-wave anglophones les plus plébiscitées du moment avec, entre autres, Tears for Fears, Duran Duran, Eurythmics, Simple Minds, Talk Talk ou encore The Cure. Durant cette période, le groupe, en raison de son succès, est approché afin de participer au Live Aid, en juillet 1985, cependant, il refuse de s'y produire. Martin Gore estime notamment que les artistes participant à ce type de concert cherchent davantage à se faire valoir qu'à s'investir réellement au niveau caritatif, et que Depeche Mode n'a donc finalement pas sa place lors d'un tel événement.

Par ailleurs, durant ce même été 1985, le groupe participe à Rock in Athens, un festival exceptionnel organisé notamment à l'initiative des Ministères grec et français de la culture et composé d'une série de concerts regroupant principalement des formations tendance new wave (en dépit du nom du festival) célèbres à ce moment-là. On y retrouve donc Depeche Mode mais aussi, entre autres, Talk Talk, The Cure, The Stranglers, Culture Club et également le groupe français Téléphone.

Durant cette période, la formation de Basildon, qui rencontre donc désormais un réel engouement international, voit paradoxalement son succès quelque peu s'affaiblir dans son pays d'origine, où plus aucun de ses singles n'atteindra le top 10 durant plusieurs années.

Black Celebration et nouvelle identité visuelle (1986)

Au printemps 1986, paraît le nouvel album, Black Celebration, dont le premier extrait, Stripped, confirme l'orientation du groupe vers une musique plus sombre composée sur la base d'échantillonnages divers. Cet album assoit la réputation de la formation anglaise au Royaume-Uni (même si aucun des singles extraits n'y atteint les premières places) et lui donne le statut de groupe culte en Amérique du Nord, où DM est considéré comme une formation underground ; alors qu'elle est parfois perçue comme plus commerciale en Europe (ses singles sont édités en une multitude de remixes, pouvant accroître leurs ventes). Cela dit, l'approche électronique et expérimentale du groupe permet de développer de nombreuses variations de ses titres. Depeche Mode collabore avec de nombreux arrangeurs/producteurs et disc jockeys et offre à ses fans une multitude de reflets sonores.

Le groupe sort un album par an et sa popularité s’accroît de manière importante. Cependant, le désir de s’affranchir de l'image de garçons coiffeurs à synthés, que certains critiques attribuent à ses membres, se fait sentir. C’est notamment pour cette raison qu'ils sollicitent le photographe hollandais Anton Corbijn pour refaçonner leur image. À partir de 1986, l'intervention de Corbijn sur les clips et les photographies devient déterminante pour l'imaginaire visuel de la formation anglaise. « Corbijn joue la carte d'une esthétique glacée à la manière d'un Wim Wenders ou d'un Werner Herzog. Systématiquement tournés en noir et blanc, les clips du Hollandais renvoient du groupe une image sans doute encore un peu figée mais débarrassée de tout contenu racoleur ».

La première vidéo réalisée par le photographe hollandais illustre le troisième titre extrait de Black Celebration, A Question of Time qui paraît à l'été 1986 et devient rapidement un tube. Simultanément, Alan Wilder sort 1+2, le premier E.P. de Recoil, un projet personnel parallèle à DM.

Music for the Masses et confirmation du succès (1987-1988)

1987 marque une étape de plus dans la carrière de Depeche Mode. Le groupe publie au printemps de cette année-là le single Strangelove, qui rencontre un réel succès international et annonce le nouvel album à venir. Enregistré en France au studio Guillaume Tell de Suresnes sous la houlette de David Bascombe - Daniel Miller et Gareth Jones préférant s'éclipser - ce sixième album paraît finalement à l'automne 87. Intitulé Music for the Masses, il reflète la nouvelle approche musicale de la formation anglaise et s'ouvre sur Never Let Me Down Again, un rock synthétique virant à l'onirisme noir, qui devient avec le temps l'hymne des concerts de Depeche Mode à travers le monde. Il donne le ton d'un album abouti qui entre pour la première fois de l'histoire du groupe dans le Top 40 américain, obtenant en seulement quelques mois la certification disque d'or (pour plus de 500 000 exemplaires vendus) puis finalement disque de platine quelques années après. « De machine à tubes, Depeche Mode est définitivement passé au statut de groupe culte ». Cet album et ses singles, toujours mis en image par Corbijn (Strangelove, Never Let Me Down Again et Behind the Wheel) connaissent ainsi au niveau mondial des scores de ventes importants, faisant de DM l'un des groupes anglophones les plus en vue du moment (avec U2, The Cure ou encore INXS). Cependant, l'accueil au Royaume-Uni y est toujours plus mitigé.

En juin 1987, Depeche Mode participe au "Concert des potes" organisé par l'association SOS Racisme sur l'esplanade du Château de Vincennes à Paris, interprétant deux de ses titres.

Ce succès international autorise une grande tournée qui passe notamment par les États-Unis et que le cinéaste américain D.A. Pennebaker immortalise dans le documentaire 101, filmé le 18 juin 1988 au stade Rose Bowl de Pasadena devant 70 000 spectateurs. Depeche Mode est devenu « le premier groupe de pop électronique à pouvoir remplir un stade ». Le titre 101 (suggéré par Alan Wilder) fait allusion aux 101 concerts donnés pendant cette tournée. Le documentaire de Pennebaker suit en parallèle huit fans transportés pendant dix jours à travers les États-Unis dans un autobus fourni par la production, ainsi que le groupe lors de ces mêmes déplacements, des interviews, et durant ses concerts.

Un album live (le premier pour DM), reflet de cette tournée et également intitulé 101, paraît en mars 1989 et devient « disque d'or en France en vingt-quatre heures [...] [et] offre au groupe son meilleur score de ventes en Angleterre depuis trois ans ».

Violator et consécration mondiale (1989-1992)

Depeche Mode connaît désormais un grand succès commercial, tout en finissant de convaincre une presse jusqu'alors plutôt réservée. Une fois leur tournée 101 achevée, Martin L. Gore enregistre Counterfeit e.p., un mini album de reprises en solo. Puis rapidement, il soumet aux autres membres du groupe ses nouvelles compositions de ce qui est leur album le plus célèbre à ce jour. En 1989, les quatre musiciens rentrent en studio à Milan pour travailler sur les maquettes très épurées de Martin L. Gore. David Bascombe n'étant pas disponible, le groupe fait alors appel au producteur Flood afin d'enregistrer ce nouvel album, où l’on retrouve les titres Personal Jesus, Policy of Truth, World in My Eyes, Halo, Waiting For The Night et surtout le single qui reste l'un des plus célèbres du répertoire de DM, et son plus gros hit à ce jour : Enjoy the Silence. Initialement composé comme une ballade (la démo minimaliste de Martin L. Gore est composée sur un harmonium), Flood et Alan Wilder y décèlent tout de suite un fort potentiel : ils demandent alors à Gore de composer une ritournelle mélodique supplémentaire à la guitare (qui sera déclinée à différentes octaves et jouée également aux claviers), le rythme est accéléré et un soin tout particulier est apporté à la production de la chanson (pour preuve, le titre est le seul qui fut mixé par Daniel Miller et Flood et non par le disc jockey français François Kevorkian qui mixe le reste de l'album). En tant qu'auteur, Gore déclare que ses dix thèmes favoris durant cette période sont : « les rapports humains, la domination, le désir, l'amour, le bien, le mal, l'inceste, le péché, la religion, l'immortalité ».

Le premier extrait de l'album Personal Jesus paraît sur les ondes dès août 1989, et détone. Avec une chanson rock construite autour d'un riff de guitare blues (façon John Lee Hooker), Depeche Mode est là où on ne l'attendait pas. Cet inattendu mélange au rythme lourd, à la mélodie simple et marqué d'un slogan - davantage qu'un refrain - « Reach out and touch faith » donne le ton. Ne perdant pas de vue le champ d'expérimentation électronique, Personal Jesus se conclut par une phrase instrumentale où les programmations semblent livrées à elles-mêmes, percutées par un rythme lourd. Ce titre est une idée de Gore qui, en lisant une biographie d'Elvis, a appris que Priscilla Presley appelait son mari « mon Jésus personnel ». Par ailleurs, les couplets, évoquant une conversation téléphonique « lift up the receiver I'll make you a believer », font en fait écho à l'existence aux États-Unis d'une ligne téléphonique où l'on pouvait joindre un prêtre pour se confesser. Mute n'espérait pas un tel engouement pour Personal Jesus, qui connaît un grand succès international (notamment en Europe et aux États-Unis), misant davantage sur la sortie d'Enjoy the Silence, prévue stratégiquement au moment de la parution de l'album, au début de 1990 ; baptisé Violator, celui-ci paraît finalement au mois de mars de cette année-là et, propulsé par les ventes records de ses singles (notamment Enjoy the Silence, premier titre de DM à se classer au Top 10 américain et single du retour du groupe dans le Top 10 anglais), devient l'album le plus connu de Depeche Mode, écoulé à plus de 10 millions d'exemplaires, dont près de 4 millions pour les seuls États-Unis.

Un événement particulier illustre cette immense popularité acquise, notamment sur le sol américain. Le 20 mars 1990, lors d'une journée de promotion à Beverly Hills, 20 000 fans se pressent pour obtenir un autographe, mais cela tourne vite à l'incident public. Rapidement, les vitres du disquaire où se trouve le groupe - qui sera promptement évacué - cèdent sous la pression de la cohue en proie à une hystérie collective, et les autorités, craignant une émeute (évitée de peu), « envoient sur place plusieurs hélicoptères [et] quatre divisions de police » afin de disperser la foule ; plusieurs personnes sont blessées durant cet incident inédit qui est alors largement relayé par les médias, locaux comme nationaux.

Afin de promouvoir l'album, Depeche Mode s'embarque pour plusieurs mois dans le World Violation Tour, qui démontre, une fois de plus, la grande renommée acquise par la formation anglaise. Celle-ci joue par exemple dans plusieurs stades aux États-Unis : ainsi 42 000 tickets sont vendus en l'espace de quelques heures pour un concert au Giants Stadium (dans le New Jersey) et 48 000 tickets sont écoulés en seulement une demi-heure pour un show au Dodger Stadium (à Los Angeles). En 1991, Depeche Mode contribue, avec le titre The Death's Door, à la bande originale du film Jusqu'au bout du monde, de Wim Wenders.

À ce moment-là de sa carrière, le groupe est au faîte de sa gloire, autant plébiscité par le public que par la critique ; les années qui suivent vont cependant se révéler plus chaotiques.

De la lumière aux ténèbres (1993-1996)

Après l'immense succès de Violator, DM revient en 1993 avec l'album Songs of Faith and Devotion. Les titres I Feel You, Walking in My Shoes, Condemnation et In Your Room sont des morceaux encore plus rock, plus bruts, le tout produit de nouveau par Flood et Wilder. Choristes de gospels et sections de cordes interviennent sur un album que le groupe sait très attendu. Et si le succès est à nouveau au rendez-vous (le disque se classe dès sa sortie n^o 1 des ventes au Royaume-Uni, dans de nombreux pays d'Europe ainsi qu'aux États-Unis), l'accueil reste mitigé. Ainsi, si le premier extrait I Feel You remporte un réel succès mondial devenant d'ailleurs l'un des singles les mieux classés de l'histoire du groupe (et obtenant une certification « or » aux États-Unis), les extraits suivants ne connaissent pas le même sort, n’ayant qu’un impact limité dans les classements internationaux. Malgré tout, et sans atteindre les chiffres de Violator, l'album est finalement une réussite commerciale, se vendant à plusieurs millions d'exemplaires à travers le monde (dont plus d'un million et demi aux USA). La tournée qui suit, Devotional Tour puis Exotic Tour, qui dure quatorze mois se révèle très éprouvante : énièmes tensions au sein du groupe, prises excessives de drogues et d'alcool, et Fletcher, victime d’une dépression, est remplacé pour quelques dates.

Le bilan au milieu des années 1990 n'est guère réjouissant malgré leur immense popularité : Gahan est devenu un véritable junkie vivant presque avec ses dealers, Gore s'isole, et Fletcher essaie de maintenir la cohésion d'un groupe qui voit l'un de ses membres quitter l'aventure. En effet, estimant que son travail n’est pas reconnu à sa juste valeur et éprouvé par les tensions qu’il ressent au sein du groupe, Alan Wilder décide de le quitter en 1995. Il se consacre alors à plein temps à son projet solo Recoil. DM perd son pilier technique et créatif. La même année, Dave Gahan est hospitalisé à la suite d'une tentative de suicide. Rétabli, il retrouve les deux membres restants au début de 1996 pour enregistrer un nouvel album mais, victime d’une overdose peu de temps après et condamné par la justice californienne à un an de mise à l'épreuve, il entreprend une nouvelle cure de désintoxication.

Renouveau (1997-2002)

En 1997, Depeche Mode réapparaît avec le single Barrel of a Gun, qui annonce la sortie d'Ultra, un album du « retour sur certains acquis, un pont solide entre les recettes du passé et les opportunités du présent ». Le producteur Tim Simenon est aux commandes et assure la continuité. Pour mener à bien la production, il fait appel à toute son équipe studio (ses acolytes de Bomb The Bass) pour pallier l'absence d'Alan Wilder qui occupait une place essentielle lors des précédents enregistrements studio. Les ventes d'Ultra sont bonnes, il se classe n^o 1 dans plusieurs pays dont l'Allemagne et l'Angleterre, et dans le Top 5 aux États-Unis. En 1998, le groupe sort une compilation The Singles 86-98, assortie d'un single inédit (Only When I Lose Myself), ainsi qu'une réédition de The Singles 81-85. « Le disque réaffirme (si besoin est) l'importance « historique » acquise par le groupe au cours de la dernière décennie tout en lui offrant la légitimité d'un retour sur scène ». Une tournée de soixante-cinq dates, baptisée Singles Tour, est organisée, et le public est au rendez-vous.

En 2001, Depeche Mode revient avec l'album Exciter, qui se classe très rapidement en tête des ventes dans différents pays et hormis « quelques commentaires sévères, la majorité des critiques rock saluent la sortie de cet album avec le respect traditionnellement alloué aux intouchables de la pop ». Une tournée de quatre-vingt dates, baptisée « Exciter Tour », est organisée.

Nouvel élan (2003-2010)

En 2003, Martin L. Gore et Dave Gahan sortent respectivement leurs albums solos (Counterfeit² et Paper Monsters, ce dernier faisant son petit effet dans les charts internationaux) avant de se retrouver en janvier 2005 pour enregistrer le nouvel album. Intitulé Playing the Angel, il paraît finalement à l'automne et constitue pour le groupe une nouvelle étape dans sa carrière ; sur cet album, salué par la critique, Dave Gahan, enhardi par son récent succès en solo, signe ses premières chansons (dont les musiques sont co-composées avec Christian Eigner et Andrew Philpott). En sollicitant Ben Hillier à la production (qui avait collaboré avec Blur), DM persiste à se forger un son drainant des guitares saturées et des synthétiseurs hors d'âge. Quelques mois après la sortie de l'album, la formation anglaise se lance dans une nouvelle tournée mondiale, « Touring the Angel », qui se révèle être la plus grande de sa carrière, elle comporte en effet pas moins de 123 concerts et un total de 33 pays visités. Pendant ce temps, Playing the Angel et ses divers singles - dont notamment le premier édité Precious - rencontrent un vrai succès dans les classements.

À l'automne 2004, Depeche Mode avait publié un album de remixes intitulé Remixes 81-04 contenant notamment une reprise d’Enjoy the Silence, « réinterprétée » par Mike Shinoda, du groupe Linkin Park. Cette version initialement nommée Enjoy the Silence (Reinterpreted) est éditée en single à cette époque sous le nom d'Enjoy the Silence 04 (avec un mix légèrement différent) et connaît un certain écho dans les charts, atteignant par exemple le Top 10 au Royaume-Uni et en Allemagne, étant aussi remarquée pour sa vidéo réalisée principalement à base d'animations.

Fin 2006, paraît une compilation (audio et vidéo) intitulée Best Of : volume 1 (sur laquelle figure l'inédit Martyr, issu des chutes de Playing the Angel) puis, l'année suivante, Gahan édite un nouvel album solo, Hourglass, qui n'est suivi d'aucune tournée. En mai 2008, Depeche Mode entre en studio pour enregistrer un douzième album ; celui-ci paraît finalement le 20 avril 2009 et s'intitule Sounds of the Universe. Derrière ce titre pompeux, il dissimule des sonorités audacieuses mettant en valeur les mélodies de Gore, mais aussi celles de Dave Gahan (toujours aidé par Eigner et Philpott pour la musique), obtenant ainsi définitivement sa légitimité d'auteur (qu'il avait entamé sur le précédent album ainsi que sur son album solo Hourglass). Ben Hillier (qui est déjà aux manettes du précédent album) en a assuré la production. Le premier extrait, Wrong, est un single martial aux sonorités synthétiques massives, sans réel refrain (il se rapproche en cela de I Feel You) où Gahan scande le portrait d'un anti-héros à qui rien n'a jamais souri dans son existence. Le deuxième single, Peace, est une ballade électronique sirupeuse qui divise les amateurs du groupe, qui semble se chercher un nouvel hymne pour ses concerts. Une tournée, baptisée Tour of the Universe 2009 débute par un warm-up le 6 mai 2009 à la Rockhal d'Esch-sur-Alzette (Luxembourg) et inclut un concert au Stade de France le 27 juin 2009, un autre au Zénith de Nancy le 28 juin 2009, à Carcassonne le 6 juillet, à Lyon et à Liévin. Pour la Belgique, Depeche Mode est la tête d'affiche de l'édition 2009 du festival TW Classic Werchter se déroulant le 20 juin. Pour la Suisse, trois concerts sont prévus, deux à Zurich et le troisième à Genève le 10 novembre 2009. La conférence annonçant cette tournée a lieu le lundi 6 octobre 2008 au Stade olympique de Berlin où le groupe joue le 10 juin 2009 devant 68 000 personnes.

Le début de cette tournée est marqué par l'annulation de plusieurs dates en raison de l'hospitalisation du chanteur Dave Gahan. En effet, quelques minutes avant de monter sur scène à Athènes (le 12 mai 2009, deuxième véritable concert de la tournée), il est pris d'une violente gastro-entérite. Plus tard, les médecins décèlent une tumeur bénigne à la vessie, et le groupe ne reprend la route que début juin, annonçant des reprogrammations de certaines dates annulées et d'autres dates additionnelles pour l'hiver 2009 et début 2010, notamment au POPB (palais omnisports de Paris-Bercy) les 19 et 20 janvier 2010. Les concerts de Porto et Séville (11 et 12 juillet) font également l'objet d'annulations en raison d'une blessure à la jambe de Dave Gahan. Mais le véritable événement de cette tournée survient le 17 février 2010 lors d'un concert de charité organisé au Royal Albert Hall à Londres quand Alan Wilder rejoint le groupe sur scène le temps d'un titre. Wilder n'était plus apparu sur scène avec le groupe depuis 1994, l'année précédant son départ de DM. Selon Alan « Dave m'a contacté il y a quelques semaines et m'a demandé si je serais prêt à les rejoindre sur scène. Il m'a assuré que les autres étaient d'accord. J'ai été très heureux d'accepter, en particulier car tout cela se faisait dans de bonnes conditions et nous envisagions depuis longtemps une réunion de ce genre. C'était génial de revoir tout le monde et de revenir un peu en arrière, et c'était aussi la première fois que je voyais Depeche Mode en tant que spectateur ! ». Le DVD de la tournée nommé Tour of the Universe : Barcelona 20/21.11.09 sort le 8 novembre.

Delta Machine et Remixes 2: 81-11 (2011-2015)

Des rumeurs indiquent ensuite la sortie d'un album remix pour le début de l'année 2011. Ces rumeurs sont avérées puisque le 23 mars 2011, le groupe confirme sur son site officiel la sortie d'un album de remixes pour le 6 juin de la même année. Cinq jours après cette annonce, une version de Personal Jesus remixée par Alex Metric est alors dévoilée. En mars 2012, Martin Gore confirme lors d'une interview que le groupe doit entrer en studio et espère terminer un nouvel album avant la fin de l'année. Gore ajoute que les retrouvailles avec Vince Clarke pour l'album de VCMG, Ssss, renforcent sa créativité : « c'était un break sympa pour moi... je suis retourné à l'écriture pour le groupe avec beaucoup plus d'entrain après cette expérience ».

Un nouvel album ainsi qu'une nouvelle tournée mondiale sont officiellement annoncés le 23 octobre 2012 à Paris, lors d'une conférence de presse du groupe. L'album, intitulé Delta Machine, sort finalement le 26 mars 2013. Celui-ci reçoit des critiques en majorité positives. Peu après, débute la tournée mondiale de promotion de l'album, nommée Delta Machine Tour, qui commence en France, à Nice, le 4 mai et s'achève en mars 2014 à Moscou, avec la possibilité d'ajouts de dates supplémentaires en Amérique du Sud ainsi qu'en Asie, durant l'été de cette même année.

Spirit, Rock and Roll Hall of Fame et mort d'Andy Fletcher (depuis 2016)

Le 25 janvier 2016 dans l'épisode 68 de The Robcast, Martin L. Gore annonce que le groupe doit se réunir pour enregistrer son prochain album à partir du mois d'avril de cette même année. Le groupe dévoile le 11 octobre 2016 le titre de cet album à paraître le 17 mars 2017 : Spirit. Sa sortie est précédé du single Where's the Revolution publié en février 2017 ; une tournée internationale suit. Cet album est favorablement accueilli par la critique. La tournée, intitulée "Global Spirit Tour", visite plusieurs continents et s'étale sur près d'un an et demi. En septembre 2019, DM annonce la sortie au cinéma de Spirits in the Forest, un documentaire filmé durant cette tournée par Anton Corbijn et qui suit, en parallèle, les histoires de six fans (de nationalités diverses) de la formation anglaise.

En 2020, Depeche Mode rejoint, après vote, le Rock and Roll Hall of Fame. Cependant la cérémonie d'intronisation du groupe, initialement prévue au mois de mai de cette année-là, est reportée en raison de la pandémie de Covid-19.

Le 26 mai 2022, est annoncée la mort d'Andrew Fletcher, à l'âge de 60 ans, membre fondateur de Depeche Mode ayant participé à l'ensemble de la production discographique du groupe, notamment en tant que claviériste.

Style et influences

Le groupe commence sa carrière en tant que quatuor. Leur point de départ est une fascination commune pour le groupe de musique électronique allemand Kraftwerk. Martin Gore déclare : « Je me souviens d’une discussion où nous étions arrivés à cette conclusion : si nous arrivons à faire le lien entre la technologie utilisée par Kraftwerk et des chansons avec de belles mélodies, alors nous arriverons à faire notre trou. L’émotion de Neil Young ou John Lennon transmise via les synthétiseurs de Kraftwerk : c’était mon rêve. De la musique de l'âme jouée par des instruments électroniques ». Martin Gore a aussi cité Elvis Presley, Johnny Cash, the Beatles et les Rolling Stones parmi ses autres artistes préférés. Dave Gahan a nommé les Sparks, Siouxsie and the Banshees et Roxy Music parmi ses groupes préférés.

Hommages et apparitions

Musiques

Johnny Cash reprend Personal Jesus dans l'album American IV: The Man Comes Around en 2002, accompagné par le guitariste des Red Hot Chili Peppers, John Frusciante.

Une seconde version de Viva la Vida met en scène le chanteur de Coldplay en tenue royale, à l'image de Dave Gahan dans Enjoy The Silence ; cette vidéo est tournée par Anton Corbijn en hommage à Depeche Mode. Kruder & Dorfmeister ont remixé la chanson Useless dans l'album K&D Session en 1998.

Marilyn Manson fait une reprise de Personal Jesus. Le groupe Deftones reprend deux titres de Depeche Mode à la fin des années 1990 : Sweetest Perfection, issu de Violator puis To Have and to Hold issu de Music for the Masses. Tori Amos réinterprète à sa manière Enjoy the Silence sur son album de reprises Strange Little Girls. Lacuna Coil, un groupe de métal gothique, a fait une reprise du célèbre titre Enjoy the Silence, dans leur album Karmacode, en 2006. Rammstein reprend en 1998 Stripped sur l'album For the Masses : A Tribute to Depeche Mode (avec d'autres artistes comme The Cure, Smashing Pumpkins, Gus Gus, etc.) et réalisent un clip du single en utilisant des extraits du film de propagande de la cinéaste Leni Riefenstahl Les Dieux du Stade (Olympia) pour les jeux Olympiques de Berlin en 1936.

A-ha reprend A Question of Lust au cours d'une émission radio de la BBC2 avec Dermot O'Leary diffusée le 25 juillet 2009 dans le cadre de la promotion de leur album Foot of the Mountain en Grande-Bretagne. In Flames, groupe de death metal mélodique suédois reprend Everything Counts, dans leur album Whoracle sorti en 1997. Sylvain Chauveau, compositeur et pianiste français rend hommage à Depeche Mode avec l'album Down to the Bone - An Acoustic Tribute to Depeche Mode (2005).

Placebo fait une reprise de I Feel You en 2004. Nouvelle Vague reprend en version bossa nova Just Can't Get Enough et Master and Servant respectivement sur les albums Nouvelle Vague et 3. Real Life reprend Everything Counts dans l'album Send Me an Angel : 80s Synth Essentials. Michael Gregorio reprend Enjoy the Silence dans son spectacle Michael Gregorio pirate les chanteurs, et Personal Jesus dans son spectacle Michael Gregorio en concert(s). Le groupe Indochine reprend Personal Jesus dans l'émission de variétés Taratata. Nina Hagen reprend Personal Jesus en 2010. Shaka Ponk reprend Personal Jesus en 2011 lors des Froggy's Session.En 2005 le groupe rennais Gotham reprend "Personal Jesus".

Le groupe Nada Surf reprend Enjoy the silence en 2010 dans son album If I Had a Hi-fi. Kim Wilde en fait de même (en concert) dans le mini-album Baby Obey Me sorti en 2007 en Allemagne. Susan Boyle reprend également Enjoy the Silence en 2011 dans son album Someone to Watch Over Me. John Lord Fonda reprend Personal Jesus en 2005 dans son album DeBaSer. A Perfect Circle reprend People Are People en 2004 dans son album eMOTIVe.

En 2013, Röyksopp reprend Ice Machine, qui est originellement la face B du premier simple de Depeche Mode, Dreaming of Me (1981).

Jeux vidéo

Pour le jeu Les Sims 2, Electronic Arts et Depeche Mode se sont entendus afin d'inclure Suffer Well, l'un des morceaux de l'album Playing the Angel. La version proposée est cependant un peu différente de celle du disque : les paroles ont été traduites en simlish (le langage incompréhensible parlé par Les Sims). Dans le jeu vidéo Grand Theft Auto: San Andreas, la chanson Personal Jesus peut être entendue sur une des stations de radio virtuelles du jeu, Radio X, alors que dans Grand Theft Auto : Vice City Stories, il s'agit de la chanson Everything Counts que l'on peut entendre sur une autre radio fictive du jeu, Wave 103. Hideo Kojima reprend Wrong en 2012 pour la bande d'annonce du dernier Metal Gear (série) qui s'intitule Metal Gear Rising: Revengeance sorti en février 2013. Dans le jeu vidéo Left 4 Dead 2 développé par le studio Valve, on peut voir un des survivants (Rochelle) porter un tee-shirt à l'effigie de Depeche Mode. Durant le générique de fin du jeu vidéo Injustice : Les dieux sont parmi nous, la chanson Angel, tirée de l'album Delta Machine, peut être entendue.

Membres

Membres actuels

• Martin L. Gore ? guitare électrique, synthétiseur, chant, chœurs (depuis 1980)
• Dave Gahan ? chant (depuis 1980)

Anciens membres

• Andrew Fletcher ? synthétiseur, guitare basse ; de 1980 à 2022. Membre fondateur du groupe avec Vince Clarke, il décède le 26 mai 2022 de mort naturelle, à l'âge de soixante ans.
• Vince Clarke ? synthétiseur ; de 1980 à fin 1981. Il quitte précocement le groupe pour créer avec Alison Moyet l'éphémère duo Yazoo de 1982 à 1983, The Assembly avec le chanteur Feargal Sharkey (ex-Undertones) de 1983 à 1984 puis son groupe actuel, Erasure, dont il reste le compositeur principal depuis 1985.
• Alan Wilder ? synthétiseur, piano, batterie ; de 1982 à 1995. Engagé après le départ de Vince Clarke pour jouer en concert, il s'investit dans le groupe et, assez vite, son apport créatif et ses talents de musicien s'avèrent déterminants. Il quitte le groupe pour continuer une carrière solo, entamée en 1986 sous le nom de Recoil.

Musiciens d'appoint (concerts)

• Christian Eigner ? batterie ; le batteur autrichien collabore avec le groupe depuis la tournée suivant la sortie de la compilation The Singles 86-98. Il collabore également avec Dave Gahan à la composition de huit chansons sur Playing the Angel, Sounds of the Universe et Spirit.
• Peter Gordeno ? synthétiseur, guitare et guitare basse ; musicien de studio et pianiste, Gordeno assure les parties les plus complexes au clavier lors des derniers concerts du groupe (depuis 1998).
• Samantha Smith et Hildia Campbell ? chœurs, sur les tournées Devotional Tour, Exotic Tour et Summer Tour, en 1993 et 1994.
• Jordan Bailey ? chœurs, sur les tournées The Singles Tour en 1998 et Exciter Tour en 2001.
• Janet Cooke ? chœurs, sur la tournée The Singles Tour en 1998
• Georgia Lewis ? chœurs, sur la tournée Exciter Tour en 2001.

Discographie

Notes et références

Annexes

Bibliographie

• (en) Steve Malins, Depeche Mode : a biography, New York, Cooper Square Press, 2001, 247 p. (ISBN 978-0-8154-1142-0)
• Sébastien Michaud, Depeche Mode : éthique synthétique, Malzéville, Camion blanc, 2001 (ISBN 978-2-910196-26-4). Réédition en novembre 2007 avec des modifications de chapitres (ajout de la période 2002-2007 entre autres).
• (en) Jonathan Miller, Stripped : Depeche Mode, Londres, Omnibus, 2004, 596 p. (ISBN 978-1-84449-415-6)
• (en) Stéphanie Lopez, Depeche Mode : book of faith and devotion, Paris, Naïve, 2014, 256 p. (ISBN 978-2-35021-355-2)

Liens externes

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• Ressource relative à l'audiovisuel :
  • (en) Internet Movie Database
• (en) Site de Depeche Mode

Disclosure est un groupe de musique électronique britannique, originaire de Reigate, dans le comté de Surrey situé au sud de Londres, en Angleterre. Actif depuis 2010, il est composé des frères Guy et Howard Lawrence.

En 2013, leur single White Noise se classe 2^d des charts britanniques. Settle, le premier album du duo, atteint la première place des ventes au Royaume-Uni lors de sa sortie. Il est nommé au Mercury Music Prize. Ils collaboreront notamment avec le légendaire Nile Rodgers sur le morceau Together, à la fin de 2013, aux côtés de Sam Smith et Jimmy Napes.

Biographie

Guy Lawrence, né en 1991, et Howard Lawrence, né en 1994, sont frères. Ils grandissent à Reigate dans le comté de Surrey. Guy Lawrence débute dans la musique en jouant de la batterie dans un groupe rock. Son frère Howard s'intéresse lui aussi à ce genre musical avant de découvrir la musique électronique à l'occasion de ses premières sorties en clubs. En 2010, ils fondent ensemble le groupe Disclosure et présentent leurs premiers morceaux sur Myspace.

Ils signent plusieurs singles, maxis et remixes et Disclosure connaît ses premiers succès. Latch, sorti en octobre 2012, atteint la 11^e place des charts britanniques. L'année suivante, White Noise se classe 2^d et reste durant dix semaines dans le Top 10. Les deux titres figurent sur leur premier album, Settle, édité en juin 2013 par PMR Records. Plusieurs morceaux sont produits en collaboration avec les artistes Mary J.Blige, AlunaGeorge, Eliza Doolittle, Sam Smith et Jessie Ware. Pour le promouvoir, le groupe tourne aux États-Unis et en Europe. Ils sont à l'affiche de nombreux festivals en Grande-Bretagne et à l'étranger, notamment Glastonbury, le festival Coachella, ou encore les Nuits Sonores. Settle est bien accueilli par la critique et atteint la première place des ventes au Royaume-Uni la semaine de sa sortie^,. Aux États-Unis, il se classe 38^e du Billboard 200 et 2^d dans la catégorie « dance/electronic albums » du classement établi par le magazine musical Billboard^,. En fin d'année, l'album est nommé au Mercury Music Prize.

Style musical et influence

La musique de Disclosure comprend des éléments d'electronic dance music et de musique pop. Le groupe enregistre des instrumentaux et des titres interprétés par des chanteurs invités. Ils sont influencés par l'UK garage^,. Contrairement à l'habituelle suite "montée-drop" (montée du volume des instruments ambiants, souvent sans beat, qui revient de façon directe lors du départ brusque de la ligne de basse, appelé "drop") que l'on trouve dans la plupart des morceaux de musique apparentée à la musique électronique, la leur a davantage tendance à se dessiner en "couplets" instrumentaux se rapprochant d'une structure comparable à celle de la musique pop.

Discographie

• 2012: The Face EP
• 2013 : Settle
• 2013 : Control
• 2015 : Caracal
• 2016 : Moog for Love EP
• 2018: Moonlight EP

Notes et références

Liens externes

• (en) Site officiel
• Ressource relative à l'audiovisuel :
  • (en) Internet Movie Database
• Ressources relatives à la musique :
  • AllMusic
  • BBC Music
  • MusicBrainz
  • Rolling Stone
  • Songkick
  • (en) Billboard
  • (en) Discogs

The Divine Comedy est un groupe de pop orchestrale nord-irlandais mené par l'auteur-compositeur-interprète Neil Hannon. Formé en 1989 autour de trois musiciens, le groupe devient en 1993 le projet du seul Neil Hannon. La formation du groupe fluctue autour de musiciens plus ou moins récurrents comme Joby Talbot présent sur la majorité des albums. Le nom du groupe provient de la Divine Comédie de Dante Alighieri.

Histoire

En 1989, une première mouture de Divine Comedy sort l'album Fanfare For The Comic Muse, mais le groupe se sépare aussitôt après. Neil Hannon poursuit seul l'aventure Divine Comedy, avec des apparitions ponctuelles d'autres musiciens au gré des albums.

Recentré sur sa chambre de jeune homme, il enregistre, avec les moyens du bord les chansons qui composeront Liberation. Ce premier "véritable" album sort en 1993 et le personnage facétieux de Neil Hannon connaît un grand succès, particulièrement en France. L'année suivante, son frère jumeau, Promenade sort. Doté d'un peu plus de moyens, il évoque souvent l'univers de Peter Greenaway (et le compositeur de musique de ses films, Michael Nyman), mais laisse une large place à l'art (les paroles « The Booklovers » sont une simple suite de nom d'écrivains, les paroles de « When The Lights Go Out » citent A bout de souffle et incluent même un extrait du dialogue final). La France craque définitivement, le jeune homme en tirera alors une chanson d'amour amer, "The Frog Princess", évoquant ses amours avec une animatrice radio française.

Neil Hannon mettra pourtant deux ans à produire ce troisième album qu'est Casanova. Beaucoup plus ambitieux, il laisse le chanteur plein de doutes, et ce n'est que lors d'une rencontre avec la chanteuse Björk, pour le magazine Les Inrockuptibles, et sur les encouragements de cette dernière, qu'il reprendra confiance en lui. L'album sortira en 1996 et implantera durablement le jeune homme dans le paysage de la pop anglaise de l'époque. Il enchaîne alors avec un mini-album enregistré avec un grand orchestre A Short Album About Love qui sort en 1997. Sept chansons d'amour écrites dans l'urgence, la petite histoire voulant qu'après avoir fait du ski nautique, Neil Hannon comprenne que sa vie ne tenait qu'à un fil, et qu'il ne fallait donc jamais perdre de temps... L'album sera suivi d'une tournée symphonique qui laissera l'artiste et son label exsangues.

En 1998, il signe Fin de Siècle, dernier album pour son label d'origine (les Anglais de Setanta), un album où l'Irlandais a fait visiblement le tour des orchestrations et des univers pompiers. Il sera reçu timidement par la critique, le poussant à une grande remise en cause, qui donnera Regeneration.

En 2001, Neil Hannon souhaite que The Divine Comedy devienne un vrai groupe et que chacun puisse s'exprimer. C'est ainsi que le groupe sort un album plus commun, Regeneration, produit par Nigel Godrich, producteur de Radiohead, avec une grande place laissée aux guitares. Paradoxalement, cet album marque la fin du groupe. Hannon se rend compte qu'il souhaite écrire une musique très orchestrée, incompatible avec une configuration de groupe dans laquelle tout le monde s'exprime. Il dissout alors le groupe et continue seul (tout en conservant le même nom de groupe).

En 2004, sort Absent Friends (écrit entre 2001 et 2003), qui renoue avec le style des années 90 du groupe. Hannon le vit comme un retour aux sources. En 2006 sort le dernier album Victory for the Comic Muse, dont le nom fait référence au roman Avec vue sur l'Arno ("I have won a great victory for the comic muse"). On peut également noter la présence de l’accordéoniste Yann Tiersen dans l'une des chansons, Sticks and Stones. Hannon interprète par ailleurs en 2005 So Long, and Thanks For All The Fish de la bande son originale de H2G2 : le Guide du voyageur galactique composée par son ami Joby Talbot.

Membres du Groupe

Membres passés et présents

• Bryan Mills
• Chris Worsey
• Grant Gordon
• Ivor Talbot
• Joby Talbot
• John Allen
• John McCullagh
• Kevin Traynor
• Miggy Barradas
• Natalie Box
• Rob Farrer
• Simon Little
• Stuart 'Pinkie' Bates
• Lucy Wilkins
• John Evans

Discographie

Albums studios

• Fanfare for the Comic Muse (07/1990)
• Liberation (16/08/1993)
• Promenade (28/03/1994)
• Casanova (29/04/1996)
• A Short Album About Love (10/02/1997)
• Fin de siècle (31/08/1998)
• Regeneration (12/03/2001)
• Absent Friends (29/04/2004)
• Victory for the Comic Muse (19/06/2006)
• Bang Goes the Knighthood (31/05/2010)
• Foreverland (02/09/2016)
• Office Politics (07/06/2019)

Autres albums

• A Secret History... The Best of the Divine Comedy (30/08/1999) - Compilation
• Live at Somerset House (17/07/2010) - Concert Live
• Loose Canon - Live in Europe 2016-2017 (16/02/2018) - Concert Live

Singles

• Something for the Weekend (1996)
• Becoming More Like Alfie (1996)
• Comme beaucoup de messieurs (version française de Becoming More Like Alfie, avec Valérie Lemercier - 1996)
• The Frog Princess (1996)
• Everybody Knows (Except You) (1997)
• Generation Sex (1998)
• The Certainty of Chance (1998)
• National Express (1999)
• The Pop Singer's Fear of the Pollen Count (1999)
• Gin Soaked Boy (2000)
• Love What You Do (2001)
• Bad Ambassador (2001)
• Perfect Lovesong (2001)
• Come Home Billy Bird (2004)
• Absent Friends (2004)
• Diva Lady (2006)
• To Die a Virgin (2006)
• A Lady Of A Certain Age (2006)
• The Age Of Revolution (2009)
• At The Indie Disco (2010)
• I Like (2010)
• Catherine The Great (2016)
• How Can You Leave Me On My Own (2016)

EP

• Timewatch (1991)
• Europop (1992)
• Indulgence No.1 (1993)
• Indulgence No.2 (1994)
• Bavarian EP (2005) (téléchargeable sur le site officiel)

DVD

• Live At The Palladium (2004)

Autres Projets

• The Duckworth Lewis Method (2009)
• Cathy, collaboration avec Rodrigo Leão (2009)
• Army of Tears, collaboration avec Cathy Davey (2010)
• Sticky Wickets (2013), par The Duckworth Lewis Method

Neil Hannon a également composé diverses chansons pour d'autres interprètes, dont Jane Birkin (album Fictions en 2006) et Tom Jones (album Reload en 1999). Aussi comme interprète dans les chœurs de "No Regrets" de Robbie Williams, avec Neil Tennant.

Notes et références

Liens externes

• (en) Site officiel

Dr. Dre, né Andre Romelle Young le 18 février 1965 à Compton, Californie, est un producteur, rappeur, compositeur, acteur, arrangeur musical, entrepreneur et ancien disc jockey américain. Il est le fondateur et actuel CEO d'Aftermath Entertainment et de Beats Electronics. Dre est l'ancien codétenteur et membre de Death Row Records.

Dr. Dre a largement contribué à populariser le gangsta rap, sa ville natale Compton et la culture hip-hop californienne en général. Il a produit une multitude d'artistes comme Snoop Dogg, Eminem, The Game, 2Pac, Mary J. Blige, les Pussycat Dolls ou le pianiste Burt Bacharach. Il est aussi très célèbre pour avoir été un des leaders du groupe N.W.A à travers les trois labels Ruthless Records, Death Row Records et Aftermath Entertainment. Il est considéré par certains artistes tels que Nas et 50 Cent comme le plus grand producteur de hip-hop de tous les temps^,.

Dr. Dre est également le créateur du G-funk. Il est le premier producteur de hip-hop récompensé d'un Grammy Award dans la catégorie de producteur de l'année en 2001. Son album solo The Chronic est certifié quadruple disque de platine tandis que 2001 est six fois disque de platine aux États-Unis.

En 2017, Forbes estime sa fortune personnelle à 740 millions de dollars américains.

Biographie

Jeunesse

Andre Romelle Young est né à Compton, dans la banlieue de Los Angeles, en Californie le 18 février 1965. Il est le premier enfant de Theodore et Verna Young. Le deuxième prénom de Young, Romelle, s'inspire du groupe de R&B amateur de son père, The Romells. Mariés en 1964, les parents de Young se séparent en 1968 et divorcent en 1972. Verna épouse plus tard Curtis Crayon. Ensemble, ils auront trois enfants, deux fils nommés Jerome et Tyree (tous les deux décédés)^, et une fille, Shameka.

En 1976, Young commence ses études à la Vanguard Junior High School de Compton, mais il est, à la suite de par la violence des gangs de rue, transféré à la Roosevelt Junior High School, dans un endroit plus sécurisé. Verna épouse plus tard Warren Griffin, qu'il a rencontré à son travail à Long Beach, qui ajouteront trois demi sœurs et un demi frère à la famille. Son demi frère Warren Griffin III, deviendra plus tard connu sous le nom de Warren G. Young étudie à la Centennial High School de Compton en 1979, mais est ensuite transféré à la Fremont High School dans le South Central Los Angeles à cause d'une moyenne trop faible. Young tente d'intégrer un programme d'appentissage à la Northrop Aviation Company, mais ses mauvaises notes font de lui un jeune homme irrecevable. Il se consacrera par la suite à sa vie sociale et à ses activités durant ses dernières années au lycée. Young sera père d'un fils, Curtis, né le 15 décembre 1981, avec Lisa Johnson. Curtis Young rencontrera pour la première fois son père à l'âge de 21 ans, à la période durant laquelle Curtis sera connu dans la scène du rap sous le nom de Hood Surgeon.

World Class Wreckin' Cru (1984-1985)

Inspiré par la chanson The Adventures of Grandmaster Flash on the Wheels of Steel de Grandmaster Flash, il passe la plupart de son temps dans un club appelé The Eve After Dark pour observer les DJs et rappeurs jouant sur scène. Il devient alors DJ dans le club, dans un premier temps sous le nom de Dr. J, un surnom inspiré de celui de Julius Erving, son joueur de basket préféré. Au club, il fait la rencontre du rappeur Antoine Carraby, plus tard membre de N.W.A sous le nom de DJ Yella. Peu après, il adopte le surnom de Dr. Dre, un mélange de son ancien surnom Dr. J et de son prénom, s'autoproclamant « maître de la mixologie » (Master of Mixology). Il se joint ensuite au groupe World Class Wreckin' Cru publié par le label indépendant Kru-Cut Records en 1984. Le groupe deviendra connu dans la scène electro-hop qui dominera le rap West Coast des années 1980, et leur premier hit intitulé Surgery verra Dr. Dre aux platines, et se vendra à 50 000 exemplaires dans le milieu de Compton. Dr. Dre et DJ Yella mixent également ensemble sur une chaîne de radio locale, KDAY, qui l'aide à augmenter son audience dans l'émission The Traffic Jam. Les premières chansons de Dr. Dre sont publiées en 1994 dans une compilation intitulée Concrete Roots. Stephen Thomas Erlewine du site AllMusic décrit ses musiques selon ces termes : « quelques années auparavant, Dre a développé un style distinct » qui est « spécialisement dédié à ses fans ».

Son absentéisme répété le pénalise dans sa volonté de devenir nageur dans l'équipe de son lycée. Après le lycée, il se joint à la Chester Adult School de Compton à la demande de sa mère afin de lui permettre d'obtenir un travail ou de continuer ses études. Il part de Chester pour se consacrer à ses performances dans la boîte de nuit Eve's After Dark.

N.W.A et Ruthless Records (1986-1991)

En 1986, Dr. Dre fait la rencontre du rappeur O'Shea Jackson ? alias Ice Cube ? qui collabore avec Dr. Dre pour ses chansons chez Ruthless Records, un label local dirigé par le rappeur Eazy-E. N.W.A et le rappeur de la côte Ouest Ice Cube sont crédités pour avoir significativement contribué au genre gangsta rap, un sous-genre plus agressif du hip-hop, basé sur le crime et la délinquance. Se sentant concerné par les problèmes ethniques et politiques dénoncés par des groupes de rap comme Public Enemy ou Boogie Down Productions, N.W.A se lance dans ces thèmes sans compromis, qui offrent souvent des paroles inspirées de la dure réalité des rues. Propulsé par le hit Fuck tha Police, le premier album du groupe Straight Outta Compton devient un franc succès, malgré une absence totale de diffusion à la radio ou de tournée promotionnelle. Le Federal Bureau of Investigation adresse une lettre d'avertissement à Ruthless Records en réponse au contenu lyrique de leur chanson.

À la suite du départ d'Ice Cube de N.W.A en 1989 causé par des divergences financières, Dr. Dre produit et joue la majeure partie du deuxième album du groupe Efil4zaggin. Il produit également un nombre de chansons pour d'autres groupes et artistes de rap sur Ruthless Records, comme Above the Law et The D.O.C. pour son album No One Can Do It Better (1989). En 1991, à Hollywood, il agresse Dee Barnes, présentatrice au programme de télévision Pump it Up diffusé sur la chaîne Fox, insatisfait de ses informations concernant les divergences entre les membres restants de N.W.A et Ice Cube. Dr. Dre est condamné à 2 500 $ d'amende et à 240 heures de travaux d'intérêt général^,.

The Chronic et Death Row Records (1992-1996)

Après une dispute avec Eazy-E, Dre quitte le groupe en plein pic de popularité en 1991 sous les conseils d'un ami, et parolier de N.W.A, The D.O.C., et de son garde du corps de l'époque Suge Knight. Knight, un intimidant personnage, parvient à convaincre Eazy-E de rompre son contrat avec Young, ce qui permettra à Knight et à Young de fonder ensemble le label Death Row Records. En 1992, Young publie son premier single, le single-titre du film Deep Cover, une collaboration avec le rappeur Snoop Dogg, qu'il a rencontré à l'aide de Warren G.

Le premier album solo de Dr. Dre, intitulé The Chronic, est publié sur le label Death Row Records. Il lance un nouveau style de rap en termes de style musical et de contenu lyrique. Avec la force de singles tels que Nuthin' but a 'G' Thang, Let Me Ride et Fuck wit Dre Day (and Everybody's Celebratin') (connu sous le titre Dre Day à la radio et à la télévision), tous interprétés avec Snoop Dogg. The Chronic devient un phénomène culturel, accompagnant un son G-funk qui domine une grande partie de la scène hip-hop au début des années 1990. En 1993, la Recording Industry Association of America (RIAA) certifie l'album triple disque de platine. Dr. Dre remporte le Grammy Award dans la catégorie de « meilleure performance solo de rap » pour la performance de son titre Let Me Ride. La même année, le magazine Billboard classe Dr. Dre huitième des meilleurs musiciens, The Chronic sixième des albums les mieux vendus, et Nuthin' but a 'G' Thang onzième des singles les mieux vendus.

Hormis ses propres chansons, Dr. Dre produit les chansons du premier album de Snoop Dogg, Doggystyle, qui atteint la première place du classement des albums Billboard 200. En 1994, Dr. Dre produit certaines bandes originales comme celles des films Above the Rim et Murder Was the Case. Il collabore avec l'ancien membre de N.W.A Ice Cube pour la chanson Natural Born Killaz en 1995. Pour le film Friday, Dre enregistre Keep Their Heads Ringin', qui atteint la dixième place du Billboard Hot 100 et la première place des Hot Rap Singles (désormais Hot Rap Tracks).

En 1995, Death Row Records signe le rappeur 2Pac et en fait son artiste privilégié. Il collabore avec Dr. Dre sur le single California Love, qui deviendra le premier des deux artistes à atteindre la première place du Billboard Hot 100^,. Cependant, en mai 1996, Dre quitte le label en raison d'un problème de contrat. Plus tard dans l'année, il fonde son propre label, Aftermath Entertainment, sous la distribution d'Interscope Records. De ce fait, les ventes de Death Row Records diminuent significativement en 1997, en particulier suite au décès de 2Pac et des détournements de fond qui incriminent Suge Knight.

Dr. Dre participe également au single No Diggity du groupe de R&B Blackstreet en 1996. Il s'agit aussi d'un véritable succès, qui se classe au Hot 100 pendant quatre semaines consécutives et remporte plus tard le prix de « meilleur chant R&B d'un duo ou groupe » aux Grammy Awards de 1997. Après l'avoir écouté pour la première fois, plusieurs anciens collègues de Dr. Dre à Death Row, dont 2Pac, enregistrent et tentent de publier le titre Toss It Up, qui contient de nombreuses insultes ciblant Dr. Dre et utilisant un morceau instrumental similaire à celui de No Diggity.

Arrivée à Aftermath Entertainment (1996-1998)

L'album Dr. Dre Presents the Aftermath, publié le 26 novembre 1996, incluant des chansons de Dr. Dre et de nouveaux artistes d'Aftermath Entertainment, et un titre solo Been There, Done That, devient un symbole du genre gangsta rap. Bien que certifié disque de platine par la RIAA, l'album ne se popularise pas auprès des fans. En octobre 1996, Dre joue Been There, Done That au Saturday Night Live. En 1997, Dr. Dre produit plusieurs chansons de The Album de The Firm ; il est mal accueilli par la presse spécialisée. Des rumeurs circulent dans lesquelles Aftermath ferait face à des difficultés financières. Aftermath Entertainment fait également face à des accusations de violations de droits d'auteur par le groupe de thrash metal Aftermath. First Round Knock Out, une compilation de nombreuses chansons produites et jouées par Dr. Dre est également publiée en 1996. Dr. Dre choisit de ne pas participer à la rivalité East Coast/West Coast de l'époque, et choisit plutôt de participer à la sortie de plusieurs rappeurs new-yorkais comme Nas Is Coming de Nas, Zoom de LL Cool J, et Watch Me de Jay-Z.

Le tournant d'Aftermath s'effectue en 1998, lorsque Jimmy Iovine, dirigeant du label parent d'Aftermath, Interscope, demande à Dr. Dre de signer Eminem, un rapper originaire de Détroit. Dre produit deux chansons et fournit les parties vocales du premier album à succès mais également controversé The Slim Shady LP, publié en 1999. Le single-titre produit par Dr. Dre extrait de cet album, My Name Is, attire pour la première fois l'attention du public auprès d'Eminem, et le succès de The Slim Shady LP - il atteint la deuxième place du Billboard 200 et est bien accueilli par la presse spécialisée - fait revivre les ambitions commerciales et la viabilité du label^,,.

2001 (1999-2000)

Le deuxième album solo de Dr. Dre, 2001, publié le 16 novembre 1999, est considéré comme un retour ostentatoire à ses racines gangsta rap. Il est initialement intitulé The Chronic 2000. D'autres tentatives de titres incluent The Chronic 2001 et Dr. Dre. L'album inclut plusieurs collaborations avec des artistes comme Devin the Dude, Hittman, Snoop Dogg, Xzibit, Nate Dogg et Eminem. Stephen Thomas Erlewine du site AllMusic décrit le son de l'album comme « plein de chants orienté soul, et de reggae » dans le style de Dr. Dre. L'album est acclamé par la presse spécialisée, et classé à la deuxième place du Billboard 200 et est, depuis, certifié six fois disque de platine. L'album inclut les hits Still D.R.E. et Forgot About Dre, deux titres joués par Dr. Dre au Saturday Night Live sur la NBC le 23 octobre 1999. Dr. Dre est récompensé du Grammy Award dans la catégorie « meilleur artiste de l'année, non-classique » en 2000 et se joint au Up in Smoke Tour avec les rappeurs Eminem, Snoop Dogg, et Ice Cube la même année.

À la popularité de 2001, Dr. Dre s'implique dans plusieurs poursuites judiciaires. Lucasfilm Ltd., la société auteure de la franchise Star Wars, le poursuit en justice pour son usage de Deep Note. The Fatback Band poursuit également Dr. Dre pour s'être inspiré de son titre Backstrokin' pour sa chanson Let's Get High extrait de l'album 2001 ; Dr. Dre est chargé de payer 1,5 million $ au groupe en 2003.

Production (2001-2008)

À la suite du succès de 2001, Dr. Dre se concentre à la production de chansons et d'albums d'autres artistes. Il co-produit six chansons pour l'album d'Eminem Marshall Mathers LP, dont le single principal récompensé d'un Grammy The Real Slim Shady. L'album lui-même remporte un Grammy et devient l'album de rap le plus rapidement vendu de tous les temps, à 1,76 million d'exemplaires sa première semaine. Il produit le single Family Affair de la chanteuse de R&B Mary J. Blige pour son album No More Drama en 2001. Il produit aussi Let Me Blow Ya Mind, un duo entre la rappeuse Eve et la chanteuse de No Doubt Gwen Stefani et signe la chanteuse de R&B Truth Hurts à Aftermath en 2001. Dr. Dre devient le producteur exécutif de l'album d'Eminem publié en 2002, The Eminem Show. Il y produit trois chansons.

Une autre poursuite judiciaire pour atteinte aux droits d'auteur frappe Dr. Dre en 2002, lorsque Sa Re Ga Ma, une société située à Calcutta, en Inde, amène Aftermath Entertainment en justice pour l'usage non autorisé de la chanson Thoda Resham Lagta Hai de Lata Mangeshkar dans la chanson Addictive de Truth Hurts. En février 2003, un juge interdira toute vente de l'album de Truth Hurts, Truthfully Speaking, jusqu'à ce que le label crédite Mangeshkar.

Get Rich or Die Tryin' est un autre album à succès publié par Aftermath, composé par le rappeur 50 Cent. Dr. Dre produit et coproduit quatre chansons de l'album, dont le hit single In da Club, une collaboration entre Aftermath, le label d'Eminem Shady Records et Interscope. Le quatrième album d'Eminem depuis son arrivée à Aftermath, Encore, voit encore Dre endosser le rôle de producteur exécutif, mais cette fois plus impliqué dans la musique, produisant et coproduisant au total huit chansons, dont trois singles. En novembre 2004, à la remise des prix organisée par le magazine Vibe à Los Angeles, Dr. Dre est agressé par un fan nommé Jimmy James Johnson, qui demandait supposément un autographe. Dans la bagarre qui en résulte, l'ancien rappeur de la G-Unit, Young Buck, poignarde l'homme. Johnson accuse Suge Knight, président de Death Row Records, de l'avoir payé 5 000 $ pour attaquer Dre dans le but de l'humilier avant la remise de son Lifetime Achievement Award. Knight dément immédiatement, dans l'émission The Late Late Show sur CBS, son implication dans cette histoire, soutient Dr. Dre, et veut amener Johnson devant la justice. En septembre 2005, Johnson est chargé d'un an de prison et interdit d'approcher Dr. Dre jusqu'en 2008.

Dr. Dre a également produit How We Do, un hit single publié en 2005 de The Game extrait de son album The Documentary. Dans le magazine Rolling Stone d'avril 2005, Dr. Dre est classé 54^e sur 100 artistes dans la liste The Immortals: The Greatest Artists of All Time.

En novembre 2006, Dr. Dre collabore avec Raekwon sur son album Only Built 4 Cuban Linx II. Il produit également des chansons sur les albums de rap Buck the World de Young Buck, Curtis de 50 Cent, Tha Blue Carpet Treatment de Snoop Dogg, et Kingdom Come de Jay-Z. Dre participe également à la chanson de Timbaland Bounce, extrait de son album solo publié en 2007, Timbaland Presents Shock Value et collabore avec Missy Elliott et Justin Timberlake. À cette période, The D.O.C. collabore aussi avec Dre sur son quatrième album Voices through Hot Vessels, avant la sortie de l'album Detox^,.

Troisième album studio (2000-2015)

Le troisième et dernier album studio de Dr. Dre, anciennement intitulé Detox, est programmé. Le travail sur l'album remonte à 2001 période durant laquelle sa version antérieure était décrit comme le « l'album de rap le plus avancé jamais composé » par le producteur Scott Storch. Plus tard la même année, il décide d'arrêter l'album, et de se consacrer à la production de chansons pour d'autres artistes, mais change d'avis ; l'album est initialement prévu pour une sortie en 2005. Les producteurs DJ Khalil, Nottz, Bernard « Focus » Edwards Jr., Hi-Tek, J.R. Rotem, RZA, Jay-Z, Warren G, et Boi-1da sont confirmés pour l'album. Snoop Dogg annonce la fin des enregistrements de Detox en juin 2008 au magazine Rolling Stone. Detox est de nouveau reporté pour 2010, après la sortie de Before I Self Destruct de 50 Cent, Relapse d'Eminem, un album produit par Dr. Dre^,. Dans une publicité pour Dr Pepper, il fait paraître un extrait de Detox. 50 Cent et Eminem annoncent dans une entrevue au 106 & Park sur BET avoir fini une douzaine de chansons pour Detox.

Le 20 avril 2010, Under Pressure, avec Jay-Z et coproduit par Scott Storch, est confirmé par Jimmy Iovine et Dr. Dre dans une entrevue au Fenway Park comme le single principal de l'album^,. La chanson est publiée sans autorisation dans une forme différente, sans chœur le 16 juin 2010 : cependant, elle est chaleureusement accueillie par la presse spécialisée, mais Dr. Dre annonce que cette chanson ainsi que quelques autres publiées sans autorisation ne seront pas incluses dans la version finale de l'album Detox. Deux singles - Kush, une collaboration avec Snoop Dogg et Akon, et I Need a Doctor avec Eminem et Skylar Grey - sont publiés aux États-Unis en novembre 2010 et février 2011, respectivement^, : ce dernier atteint le succès international, et la quatrième place du classement Billboard Hot 100, puis est par la suite certifié quadruple disque de platine par la RIAA et l'Australian Recording Industry Association (ARIA)^,.

De nombreuses dates de sorties pour Detox sont prévues pendant les années qui suivent, mais sans suite^,. De nombreux musiciens proches de Dr. Dre, dont Snoop Dogg, et les rappeurs 50 Cent, Game, et DJ Quik, spéculent sur le fait que l'album ne sera jamais publié, à cause notamment d'un manque de motivation de la part de Dr. Dre quant à l'enregistrement de nouvelles chansons^,,,.

En août 2015, il annonce qu'il n'a pas publié Detox car il n'était pas satisfait du résultat. Il annonce dans le même temps la sortie de Compton a Soundtrack by Dr. Dre. Ce disque est inspiré par le film sur le groupe NWA, NWA : Straight Outta Compton. Il s'agit d'un album avec la participation d'Eminem, Snoop Dogg, Kendrick Lamar et The Game, entre autres.

Production, The Planets, pause et Coachella (depuis 2008)

Le 15 décembre 2008, Dre participe au remix de la chanson Set It Off du chanteur canadien Kardinal Offishall (avec Pusha T) ; le remix débute à l"émission de radio de DJ Skee. Au début de 2009, Dre produit, et fait une brève apparition sur, le single Crack a Bottle d'Eminem, qui dénombre 418 000 téléchargements la première semaine et atteint le top du Billboard Hot 100 à la semaine 20 février 2009.

Le 25 juin 2010, l'American Society of Composers, Authors and Publishers décerne à Dr. Dre son Founders Award pour avoir inspiré d'autres musiciens^,. En août 2010, Dr. Dre annonce les préparatifs d'un prochain album intitulé The Planets ; chaque chanson est nommé d'après une planète du système solaire. Le 3 septembre 2010, Dr. Dre soutient une nouvelle fois Eminem, et participe à la tournée Home and Home Tour de Jay-Z en jouant des hit singles tels que Still D.R.E., Nuthin' but a 'G' Thang, et Crack a Bottle, avec Eminem et 50 Cent. Dr. Dre est présenté en couverture du magazine XXL de décembre 2010/janvier 2011. Le 14 novembre 2011, Dre annonce une pause dans la musique, après avoir achevé des productions pour Slim the Mobster et Kendrick Lamar. Le 9 janvier 2012, Dre est annoncé au Coachella Valley Music and Arts Festival qui se déroule les weekends du 13 au 15 avril et du 20 au 22 avril.

Discographie

Albums studio

• 1992 : The Chronic
• 1999 : 2001
• 2015 : Compton a Soundtrack

Compilations et EPs

Filmographie

Acteur

Producteur, producteur délégué

Réalisateur

• 1994 : Murder Was 456

Jeux vidéo

• 2005 : 50 Cent: Bulletproof : Grizz (voix)

Notes et références

Voir aussi

Bibliographie

• Kelly Kenyatta, You Forgot About Dre!: The Unauthorized Biography of Dr. Dre and Eminem, Los Angeles, United States, Amber Books Publishing, 2000(ISBN 0-9702224-9-1, lire en ligne)
• Ronin Ro, Dr. Dre: The Biography, New York City, United States, Thunder's Mouth Press, 2007(ISBN 1-56025-921-3)

Liens externes

• (en) Site officiel
• (en) Dr. Dre sur l’Internet Movie Database
• Dr. Dre sur Allociné

Drake, de son vrai nom Aubrey Drake Graham, est un rappeur-compositeur, chanteur et acteur canadien né le 24 octobre 1986, à Toronto. Il est longtemps affilié au label de Lil Wayne Young Money Entertainment, avant d'y signer officiellement en juin 2009. Son premier album studio, Thank Me Later, sort le 14 juin 2010. En novembre 2016, Drake devient le troisième rappeur à atteindre le milliard de vues sur YouTube avec Hotline Bling, précédé par Eminem pour Love The Way You Lie et Wiz Khalifa pour See You Again. Il réussit à atteindre la première place du Billboard hot 100, de Canadian hot 100 et d'Official Singles Chart avec ses chansons One Dance (en collaboration avec Wiz Kid et Kyla), God's Plan, Nice For What et In My Feelings. Ses albums Views et Scorpion atteignent la première place du Billboard 200, de Canadian albums Chart et d'Official Albums Chart. Son album More Life réussit également à atteindre la première place du Billboard 200 et de Canadian Albums Chart.

Début décembre 2012, Drake officialise son propre label de musique du nom de October's Very Own (qui est filialisé par Warner Music Group). Son 4^e album studio Views raconte, notamment, son attachement à sa ville natale Toronto.

Biographie

Enfance et carrière (1986-2005)

Aubrey Drake Graham naît le 24 octobre 1986, à Toronto au Canada. Il est le fils de Dennis Graham, un batteur qui a travaillé avec Jerry Lee Lewis, et Sandi Graham, une éducatrice. Deux de ses oncles, Larry Graham et Teenie Hodges sont également des musiciens. Né d'un père Afro-américain catholique de Memphis, Tennessee, et d'une mère blanche juive canadienne, il fréquente une école juive et fait sa Bar Mitzvah. Ses parents divorcent quand il a cinq ans. Drake fréquente l'école secondaire au Forest Hill Collegiate Institute, où il commence à jouer, mais n'est pas diplômé. Il passe la plupart de ses étés avec son père à Memphis. Drake déclare que le divorce de ses parents l'a beaucoup affecté en tant que personne, en disant : « J'ai dû devenir un homme très rapidement et être à la base pour la femme que j'aime de tout mon cœur, ma mère. ».

En 2002, Drake commence sa carrière à la télévision en interprétant le rôle de Jimmy Brooks dans la série Degrassi : La Nouvelle Génération, mais voit son personnage se faire supprimer en 2010. Il a également fait une apparition dans Ma vie de star (Instant Star) en jouant un présentateur d'une remise de prix, une apparition dans Soul Food : Les Liens du sang où il joue un élève et dans Les Vies rêvées d'Erica Strange un étudiant faisant partie d'une fraternité très élitiste. Ainsi qu'une apparition dans le film Charlie Bartlett, où il n'est qu'un élève parmi les autres, qui demande conseil à Charlie.

So Far Gone (2006-2009)

En février 2006, Drake sort sa première mixtape, disponible par l'intermédiaire de sa page MySpace. Grâce au succès de cette première mixtape, il en sort davantage. En 2007, il sort ComeBack Season. Drake commence alors à devenir très populaire, d'autant plus quand il fait un remix de sa chanson Man of the Year avec Lil Wayne. Également en 2007, Drake devient le premier rappeur canadien non signé à diffuser son clip sur BET quand son premier single, Replacement Girl est le « Joint of the Day » (« Tube du jour ») en avril 2007.

En 2008, il sort la mixtape Heartbreak Drake qui est, comme les autres, très bien accueillie et augmente fortement son « buzz ». Tout en travaillant à ses mixtapes et à son album, Drake collabore avec Lil' Wayne, Jay-Z, Eminem, Kanye West, Trey Songz, Robin Thicke, Little Brother, Mary J. Blige et Jamie Foxx. Il acquiert cette notoriété bien qu'il ne soit pas sous contrat avec un grand label. Dans le Billboard Hot 100 du 4 juillet 2009, ses deux singles Best I Ever Had et Every Girl par Young Money (un groupe qui inclut Drake) sont respectivement classés 3^e et 10^e.

Le 29 juin 2009, Drake conclut une affaire record avec Cash Money/Universal Motown. Il prévoit de sortir son premier album officiel, Thank Me Later, courant 2010, et a confirmé des collaborations de Kanye West, Jay-Z et Lil Wayne. En août 2009, il sort le titre Forever en collaboration avec Lil' Wayne, Kanye West et Eminem. Le morceau est extrait de la bande originale du documentaire sur le basketteur LeBron James, More Than a Game, et est présent sur la réédition de l'album Relapse d'Eminem, Relapse: Refill^{[réf. souhaitée]}.

Thank Me Later (2010)

Lors de la cérémonie qui a lieu le 31 janvier 2010 au Grammys, Drake chante en live avec Lil Wayne et Eminem le tube Forever. Drake tourne le clip de Over sous la direction d’Anthony Mandler ; le clip est sorti le 12 avril 2010. De plus, un remix de cette chanson fait partie de la bande audio du film Projet X. Il participe aussi à une chanson avec Kid Cudi et Pharrell Williams. Over fait partie de la bande originale du jeu de basket NBA 2K11.

En mai 2010, il participe au festival SunGod de l'Université de Californie à San Diego, ce qui lui permet de confirmer sa couverture médiatique sur la Côte Ouest des États-Unis.

Au cours du même mois, il est élu rappeur le plus gentil (« best nice-face ») par le journal quotidien du Wyoming "Rap and people" et aurait dû recevoir son prix au bureau du quotidien. Attendu par des centaines de fans et journalistes (Drake n'ayant pas fait de concert dans cet état depuis 2007), il annule à cause d'une grippe et déclare quelques jours plus tard : . Malgré plusieurs promesses, Drake continue de boycotter le Wyoming, même si une tournée dans tous les États-Unis, notamment avec Lil Wayne pour la côte Est, est prévue dès août 2013. C'est avec le titre Find Your Love, présent sur son premier album, que Drake connaît un succès grandissant en Europe, notamment en France. Il collabore avec Rihanna pour la chanson What's My Name?, qui se classe 1^re aux États-Unis dès sa sortie. What's My Name? est le second single de l'album Loud, sorti en novembre 2010^{[réf. souhaitée]}.

Take Care (2011-2012)

Le 27 mars 2011, il anime la cérémonie des Juno Awards, qui se tient au Centre Air Canada de Toronto et diffusée sur le réseau CTV. Le morceau, qui devient le single phare de l'album, "Marvins Room" est diffusé sur les radios le 28 juin 2011. Il devient 21^e au classement US Billboard Hot 100. Suivi par le second single, "Headlines", dévoilé par le biais de son blog le 31 juillet 2011.

Le 15 novembre 2011, Drake sort son album Take Care qui fut un énorme succès à sa sortie notamment grâce à des titres comme Headlines, Make Me Proud ou encore Marvins Room et enfin Take Care en duo avec Rihanna. L'album reçoit dans sa grande globalité, des critiques positives. Take Care se développe sur un low-tempo, plus sensuelle et sombre que Thank Me Later sorti l'année d'avant. Principalement un album de hip hop, il a une production languissante et grandiose qui incorpore des styles de R&B, pop, électronique, et du post-dubstep. La musique se caractérise par un son atmosphérique, des textures silencieuses, des tempos lents, des accords subtils, des pistes synthétiques mélodiques, des grooves bas, des arrangements ambiants clairsemés. Noah "40" Shebib contribue à la plupart des productions de l'album en y apportant des battements sombres, des couches sombres de synthèse, des claviers atmosphériques, des sons de guitare moody, du piano lisse, des tambours étouffés, des flourishes dramatiques, du Passe-fil. Bien qu'il soit crédité comme producteur pour seulement huit des 17 chansons de l'album, Shebib sert également comme ingénieur audio et ingénieur de mélange sur l'album. Sa contribution à l'album est caractéristique de la scène de hip hop de Toronto, qui connaît une percée majeure avec le travail de Shebib avec Drake.

Les producteurs Boi-1da et T-Minus et le chanteur-compositeur The Weeknd contribuent à Take Care. Le magazine complex lui attribue le titre de "Meilleur album de Drake" en 2015. Take Care est un album bien plus personnel que ses prédécesseurs selon Drake qui décide de le nommer ainsi afin qu'il se rappelle de ne pas reproduire les erreurs de précipitation commises sur la conception de l'album Thank me Later. Selon ses propos, l'album Thank me Later est inachevé. Drake n'aurait pas eu l'opportunité d'examiner les pistes qui figurent sur la Tracklist afin d'y apporter des améliorations.

L'album Take Care est classé numéro 1 au US Billboard 200, avec 631 000 copies vendues la première semaine d'exploitation. Le 31 janvier 2012, l'album est certifié disque de platine par the Recording Industry Association of America (RIAA). Au mois d'août 2015, Take Care est évalué 4 000 000 copies vendues. Sur Metacritic, l'album obtient un score de 78/100, sur une base de 34 évaluations. John McDonnell, journaliste du magazine New Musical Express déclare que Take Care est "un bouleversant chef-d'œuvre" tout en le décrivant "délicat, des mélodies douces et un plaisir assumé, des paroles bouleversantes." Nitsuh Abebe, du magazine New York, écrit que l'album "est entièrement composé de magnifiques mélodies". Andy Hutchins, journaliste pour Village Voice, rend sa critique de Take Care en le qualifiant comme "Un faisceau soigneusement conçu de sentiments contradictoires d'un rappeur en conflit qui explore ses propres névroses dans une manière aussi convaincante que n'importe quelle personne qui ne s'appelle pas Kanye West."

Drake lance le Club Paradise Tour en 2012. Les représentations se déroulent en Amérique du Nord et en Europe avec des invités tels que Rita Ora, Tinie Tempah, ou Labrinth pour ses représentations au Royaume-Uni.

Nothing was the same (2013-2014)

Le 24 septembre 2013, Drake rend disponible son troisième album studio Nothing Was the Same. Pendant la production de son dernier album, il collabore avec 2 Chainz, Big Sean, Jay-Z ou encore The Weeknd. Il dévoile également un featuring avec la chanteuse Jhené Aiko sur le titre From Time. L'album fut annoncé quelques mois avant sa sortie, dont le titre Started from the Bottom fut dévoilé en guise de single promotionnel donnant un prémisse du contenu musical à paraître. Ce morceau atteint le sixième rang au classement Billboard Hot 100 et devient certifié de Platine aux États-Unis par le Recording Industry Association of America (RIAA).

Drake tourne pour les vidéos clips Hold On We're Going Home ou encore Worst Behavior. L'album rencontre un succès critique, il totalise une score de 79/100 sur une base de 33 évaluations sur le site Metacritic. Le magazine Rolling Stone lui décerne 4 étoiles. L'album Nothing Was The Same est nominé aux Grammy Awards dans la catégorie Meilleur Album Rap de l'année. Drake remporte cependant un Juno Awards et un BET Hip Hop Awards dans la même catégorie. Le morceau The Language reçoit l'acclamation du public, il est maintenu sur les radios urbaines mainstream durant plusieurs mois.

La pochette de l'album est conceptualisée par l'artiste californien Kadir Nelson, à l'origine du concept de l'album posthume de Michael Jackson, Michael. Il existe deux version de ces pochettes. L'une représente Drake lorsqu'il était enfant arborant une coupe afro et la deuxième le représente adulte pour la version Deluxe. Sur les deux pochettes, il se tient de profil sur un fond bleu clair parsemé de nuages. Drake compare cet album à une œuvre d'art qui renoue avec le passé et le présent. Nothing Was The Same rend également hommage aux œuvres du Wu-Tang Clan dont le morceau Pond Cake / Paris Morton Music 2, en collaboration avec Jay-Z, est directement samplé du morceau C.R.E.A.M.

Drake lance sa tournée à envergure mondiale Would You Like a Tour? en décembre 2013. Jhéné Aiko l'accompagne sur sa tournée, ce qui lui vaut la reconnaissance du public. Il est brièvement rejoint par Rihanna pendant sa représentation à Paris. Les artistes The Weeknd, Future, Miguel, et PartyNextDoor sont également invités pendant la tournée.

If You're Reading This It's Too Late (2015)

Le 12 février 2015, Drake dévoile exclusivement sur iTunes sa quatrième mixtape. Il en écoule 495 000 copies la première semaine. Il collabore avec Lil Wayne, PartyNextDoor et Travis Scott. Le premier extrait est un court métrage mis en ligne par Drake qui s'intitule Know Yourself et 6 God, il dévoile ensuite le clip du morceau Energy dans lequel Drake se grime sur les visages de figures de la culture pop. If You're Reading This It's Too Late est le premier projet de 2015 à obtenir la certification Platinium aux États-Unis.

VIEWS (2015-2016)

En octobre 2015, Drake dévoile le morceau Hotline Bling. Il sort l'album VIEWS le 29 avril 2016, qui connaît un grand succès notamment grâce aux morceaux One Dance, Too Good avec Rihanna. Il lance la tournée Summer Sixteen le 20 juillet 2016 dont les représentations ont lieu essentiellement au Canada et aux États-Unis. Pour l'année 2016, Drake est officiellement le musicien qui a réalisé les meilleures ventes de disques dans le monde d'après la Fédération internationale de l'industrie phonographique (IFPI). One Dance devient le morceau le plus écouté de la plateforme Spotify depuis sa création.

Il remporte le Grammy de la meilleure chanson rap ainsi que celui de la meilleure interprétation d'une chanson rap avec le single Hotline Bling. Cependant, il refuse ses Grammy et exprime sa colère face aux organisateurs de la cérémonie qui, d'après lui, le cataloguent comme un rappeur parce qu'il est de couleur noire et donc se retrouve dans l'incapacité de remporter une récompense dans une autre catégorie. Il déclare "je suis un artiste noir et apparemment un rappeur, même si Hotline Bling n'est pas un rap" et d'ajouter "La seule catégorie dans laquelle ils arrivent à me caser, c'est la catégorie rap, peut-être parce que j'ai rappé par le passé ou parce que je suis noir."

More Life (2017)

Drake dévoile le 18 mars 2017 son nouveau projet, "More Life". Il considère ce projet comme une "playlist", et il explique que cette "playlist" sera la bande originale de notre vie. Avec cette mixtape, Drake bat le record détenu par Ed Sheeran de l'album au maximum de streams en une journée avec 61 millions d'écoutes pour son jour d'exploitation sur Spotify. Il obtient aussi celui du plus de streams pour un artiste en un jour avec 76 millions de streams. Initialement, la chanteuse Jennifer Lopez figurait sur le projet mais a été remplacée par Jorja Smith en dernier ressort.

Le 16 février 2018, Drake sort un clip sur YouTube qui se nomme « God’s Plan »

Drake avoue avoir payé 996 631,90 dollars pour venir en aide à des écoles, universités, centres et personnes défavorisées.

Scorpion (2018)

Drake dévoile Scorpion le 29 juin 2018. Ce double album comporte un disque de style hip-hop/rap et un disque de style R&B Soul. Drake confirme notamment dans cet album les rumeurs qu'il soit père d'un enfant.

La chanson "In my feelings" présente dans l'album a faite l'objet d'un mème internet et de nombreuses célébrités tel que Kevin Hart ou encore Ciara ont interprété une chorégraphie sur cette musique.

Vie privée

Sa fortune est estimée à environ 120 millions de dollars (2018). Il serait payé aux alentours de 350 000 à 600 000 dollars par concert. Drake se classe en tête des chanteurs les mieux payés en 2018, selon le magazine People With Money avec un revenu annuel estimé a 46 millions de dollars qu’il aurait amassé entre les mois d'août 2017 et août 2018 .Il popularise le sigle YOLO (you only live once signifiant on ne vit qu'une fois en français) qui est l'équivalent de Carpe diem et que l'on entend régulièrement dans ses chansons.

Il fréquente l'organisatrice de mariage Jade Lee en 2006. Des rumeurs le disent en couple avec l'actrice Taraji P. Henson en 2010 ; ils sont tous les deux aperçus fusionnels lors de la cérémonie des BET Awards de la même année. On lui prête également une relation avec la chanteuse Rihanna, sans qu'aucun des intéressés n'officialise ni ne démente les informations relayées par la presse. En 2011, le modèle vixxen (danseuses apparaissant dans des videos clips) Dollicia Bryan officialise sa relation avec Drake. Ils se séparent au bout de quelques mois.

En janvier 2015, l'actrice pornographique Mia Khalifa déclare avoir refusé les avances de Drake. En mars 2015, les tabloïds diffusent des clichés de Drake en couple avec la mannequine Bernice Burgos. Il est également aperçu à plusieurs reprises en compagnie de la joueuse de tennis Serena Williams, entre la période allant de 2011 à 2015. Les deux concernés se décriront comme amis proches dans les médias. Le 24 août 2015, TMZ publie des clichés de Drake et Serena Williams s'embrassant dans un restaurant à Cincinnati dans l'Ohio. Début 2016, Drake et Rihanna sont de nouveaux très proches ; le 31 août, ils officialisent leur relation.

Drake possède une vingtaine de tatouages éparpillés majoritairement sur la partie supérieure de son corps. Il a recouvert son dos d'une fresque sur laquelle sont présents la défunte chanteuse Aaliyah, à laquelle il voue une admiration depuis son adolescence, ainsi que sa mère et ses grands-parents. Drake a un tatouage à l'intérieur du bras droit : un requin, Rihanna a le même sur sa cheville gauche.

Il fut le meilleur ami de Nicki Minaj, qu'il a connu alors qu'ils travaillaient ensemble au sein du même label Young Money Entertainment plus connu sous le nom de YMCMB (Young Money Cash Money Billionnaires). Il quitte ce label en 2014, suite aux nombreux conflits qui animent le label et la guerre que se livrent Lil Wayne et Birdman. En 2016, Drake signe un contrat qui l'unit au label Boy Better Know.

Suite à la rupture avec Rihanna, il officialise sa relation avec Jennifer Lopez sur Instagram. Début février 2017, il se sépare de Jennifer Lopez. Au cours du mois de mai 2017, l'ancienne actrice Sophie Brussaux affirme attendre un enfant de Drake^,. Le couple est aperçu dans un restaurant à Amsterdam au cours du mois de janvier 2017. Dans son album Scorpion, il confirma qu'il a eu un petit garçon avec l'actrice porno française Sophie Brussaux^{[réf. nécessaire]}. Drake a choisi d’en parler dans le morceau « Emotionless » dans lequel il donne des détails sur sa paternité. Le rappeur avait alors déclaré « Je ne cachais pas mon enfant du monde, je cachais le monde à mon enfant ». Dans ses paroles, il confirme qu’il savait pour son fils, mais qu’il tentait de le protéger.

Le 15 mars 2018, Drake rejoint le streamer Twitch Ninja, pour jouer à Fortnite. Cette partie fût regardée par 635 000 personnes en simultanée ce qui est le nouveau record de spectateurs pour la plateforme de streaming. Durant ce streaming Drake explique être végétarien^,.

Rivalité avec Chris Brown

En 2012, une dispute entre Chris Brown, Drake et Meek Mill dans laquelle Rihanna est impliquée prend lieu sur les réseaux sociaux. Le 13 juin 2012 au soir, Chris Brown et Drake se retrouvent dans la boîte de nuit du W.i.P à New York.

Chris Brown et Drake se disputent une nouvelle fois au sujet de Rihanna avant qu'une altercation intervienne entre les membres des équipes des deux artistes. Des bouteilles sont utilisés comme projectiles au milieu des personnes présentes causant de nombreux dégâts collatéraux et huit civils grièvement blessés dont Tony Parker

Chris Brown est légèrement entaillé par un éclat de verre au menton. La police de New York, après avoir analysé les images de surveillance de la boîte de nuit, se révèle incapable d'identifier de manière formelle les protagonistes de l'affrontement à cause de l'obscurité ambiante pendant l'affrontement.

L'affaire est classée sans suite par les autorités new-yorkaises faute d'éléments suffisants à l'investigation. Chris Brown dédie le titre I don't like à Drake, reprise du titre de Chief Keef.

Drake et Chris Brown se réconcilient en octobre 2013 en officialisant avec une photo sur les réseaux sociaux^,. Cependant, leur animosité est relancée en novembre 2014, lorsque Chris Brown prend parti pour Tyga dans un conflit qui l'oppose à Drake. Chris Brown déclare au cours d'un entretien radio pour Hot 96 ne pas vouloir lui faire de la pub en désignant Drake comme son ennemi .

Conflits contre Meek Mill

Au cours du mois de juillet 2015, c'est sur Twitter que le rappeur Meek Mill déclare que Drake serait l'auteur d'une supercherie car il rémunérerait dans l'anonymat un Ghostwriter (signifiant parolier fantôme). Meek Mill affirme ainsi que le succès de l'artiste canadien n'est pas légitime puisque son parolier serait à l'origine de ses plus gros tubes commerciaux, et qui ont de facto, fait sa renommée. Drake répond par les deux titres Charged Up et Back to Back en dénonçant l'attitude envieuse que Meek Mill éprouverait face au succès du chanteur.

Meek Mill diffuse immédiatement après, le morceau Wanna Know dans lequel il s'en prend de nouveau à Drake mais il règle également ses comptes avec l'ex-amant de sa compagne Nicki Minaj. Cet enregistrement devient la risée du net et provoquera l’hilarité de nombreux rappeurs, dont Drake, qui pointeront du doigt la médiocrité des propos tenus.

Clash avec Pusha T

Depuis le début des années 2010 Drake et Pusha T s'envoient des piques par morceaux interposés, sans que ça aille trop loin et sans citer de nom. Cela vient de la rivalité entre les Clipse, le groupe que forme Pusha T avec son frère No Malice, et Lil Wayne, qui était le mentor de Drake à ses débuts.

En 2016, dans le morceau Two Birds, One Stone, Drake s'en prend à Kid Cudi et Pusha T. Dans ce morceau, il se moque de la santé mentale de Kid Cudi et remet en question le passé de dealer dont se vante Pusha T.

Le 25 mai 2018 paraît Daytona, le 3^e album solo de Pusha T. Dans cet album, Pusha T s'en prend à Drake dans le morceau Infared en évoquant à son tour le ghostwritter, Quentin Miller, de Drake (« It was written like Nas but it came from Quentin », « Ça a été écrit comme Nas mais ça vient de Quentin » en français). Le lendemain, Drake publie Duppy Freestyle, un morceau adressé à Pusha T dans lequel il s'en prend à sa famille et remet encore une fois en question le passé du rappeur de Virginie. Il conclut le morceau en disant qu'il enverra une facture à Kanye West, le propriétaire du label GOOD Music dont Pusha T est le président, car grâce à ce clash, il offre une exposition inespérée à Pusha T. Pusha T lui demande donc sur Twitter cette fameuse facture, Drake publie dans la foulée une fausse facture sur Instagram dans laquelle il demande 100 000 $ pour « assistance promotionnelle et ravivement de carrière »^,,.

Le 30 mai 2018, Pusha T publie sur Soundcloud The Story Of Adidon, sur le beat de The Story Of O.J. de Jay-Z, un clash d'une rare violence envers Drake. Il y évoque dedans l'enfant de Drake avec l'ancienne actrice pornographique française Sophie Brussaux et reproche à Drake d'avoir abandonné cet enfant et de ne pas l'assumer. Il reproche à Drake de négliger son fils comme son propre père l'a fait avec lui. Il évoque à nouveau les ghostwritters qui écrivent ses textes. Il se moque également de la sclérose en plaques dont souffre son ami et producteur OVO40. Il utilise comme visuel pour sa chanson une photo de Drake arborant un blackface^,,.

Un des proches de Drake, J Prince, président du label Rap-A-Lot Records, déclare que Drake ne répondra pas à Pusha T car cela pourrait nuire à son image et à sa carrière.

Ce clash permet à Pusha T de réaliser les meilleures ventes de sa carrière, il écoule en effet 77000 copies de son album et atteint la 2^e place du Top Rap Albums alors que ses deux précédents albums s'étaient écoulés à 72 000 et 45 000 exemplaires. Pusha T ressort gagnant de ce clash de l'avis général, il déclare que pour lui cette histoire est finie, qu'il ne sait pas vraiment qui est gagnant et qu'il veut refaire de la musique normalement.

Distinctions

Drake possède une quarantaine de récompenses, incluant celles avec Degrassi : La Nouvelle Génération et Young Money.

• 4 American Music Awards
• 11 BET Awards
• 16 BET Hip Hop Awards
• 14 Billboard Music Awards
• 1 Brit Awards
• 1 Echo Pop Awards
• 3 Grammy Awards
• 9 iHeartRadio Music Awards
• 6 Juno Awards
• 2 MOBO Awards
• 1 MTV Africa Music Awards
• 1 MTV Europe Music Awards
• 3 MTV Video Music Awards
• 1 MTV Video Music Awards Japan
• 14 MuchMusic Video Awards
• 1 NAACP Image Awards
• 2 Soul Train Music Awards
• 1 Sucker Free Awards
• 3 Teen Choice Awards
• 1 Young Artist Awards

Discographie

Albums studio

• 2010 : Thank Me Later
• 2011 : Take Care
• 2013 : Nothing Was the Same
• 2016 : Views
• 2018 : Scorpion

Mixtapes

• 2006 : Room for Improvement
• 2007 : Comeback Season
• 2009 : So Far Gone
• 2015 : If You're Reading This It's Too Late
• 2015 : What a Time to Be Alive (avec Future)
• 2017 : More Life

EP

• 2009 : So Far Gone
• 2018 : Scary Hours

Filmographie

Notes et références

Liens externes

• (en) Site officiel
• (en) Drake sur l’Internet Movie Database